역대 최고의 베이시스트

Jaco Pastorius와 같은 거장과 Paul McCartney와 같은 훌륭한 음악가는 물론 음악에 대한 영향을 고려한 역사상 가장 위대한 베이시스트입니다.

역사상 최고의 베이시스트와 그 중요성

음악의 세계는 다양한 장르에 걸쳐 수많은 음악가들의 기여에 의해 형성되고 변화되었습니다. 기타리스트와 보컬리스트가 종종 주목을 받는 반면, 노래의 리듬과 화성적 중추를 만드는 데 있어 베이시스트의 근본적인 역할을 인식하는 것이 중요합니다. 전설적인 세션 뮤지션 Carol Kaye가 적절하게 표현했듯이 베이스는 드러머와 협력하여 비트를 설정하고 나머지 음악 요소에 대한 프레임워크를 제공하는 기초입니다.

놀라운 베이스 라인은 독특한 품질을 갖고 있습니다. 무한정 계속될 수 있는 만트라처럼 느껴지며, 들을 때마다 더욱 심오해집니다. 기타리스트, 보컬리스트, 호른 연주자는 작곡에서 가장 화려한 순간을 포착할 수 있지만, 기본적인 요소에 기여하는 사람은 베이시스트입니다. 이 부분은 음악이 사라진 후에도 오랫동안 청취자의 마음 속에 각인되어 있습니다.

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과소평가된 베이스의 역할

그러나 자신이 소속된 밴드 내에서도 베이시스트들이 종종 간과되고 과소평가되는 경우가 많은 것이 안타까운 현실이다. 폴 매카트니(Paul McCartney)가 비틀즈에서 베이스로의 전환을 회상한 것처럼, 그것은 최고의 직업이 아니었습니다. 누구도 베이스를 연주하고 싶어하지 않았고 선두에 서기를 원했습니다. 그럼에도 불구하고 베이스는 다양한 스타일과 장르를 포괄하는 대중음악에서 풍부하고 자랑스러운 전통을 갖고 있습니다. Duke Ellington 오케스트라의 Jimmy Blanton의 강직한 기교부터 Oscar Pettiford의 비밥 혁신까지, Charles Mingus와 Ron Carter의 뛰어난 재즈부터 Carol Kaye와 James Jamerson의 스튜디오 마술까지, 베이스는 음악에 지울 수 없는 흔적을 남겼습니다.

이번 탐구에서 우리는 자신의 악기를 마스터했을 뿐만 아니라 베이시스트가 달성할 수 있는 한계를 뛰어넘은 역대 최고의 베이시스트들에게 경의를 표할 것입니다. 이 목록은 객관적인 기술을 바탕으로 순위를 매기려는 시도는 아니지만 지난 반세기 동안 대중 음악의 기초를 형성하는 데 가장 직접적이고 가시적인 영향을 미친 베이시스트에 대한 감사의 표시입니다.

역사상 가장 위대한 베이스 연주자

• 제임스 제이머슨
• 찰스 밍거스
• 존 엔트위슬
• 부츠시 콜린스
• 캐롤 케이
• 레 클레이풀
• 잭 브루스
• 자코 파스토리우스
• 래리 그레이엄
• 베르딘 화이트
• 론 카터
• 게디 리
• 벼룩
• 필 레쉬
• 폴 매카트니
• 윌리 딕슨
• 존 폴 존스
• 스탠리 클라크
• 찰리 헤이든
• 도널드 “덕” 던
• 로비 셰익스피어
• 크리스 스콰이어

제임스 제이머슨

제임스 제이머슨(James Jamerson)은 베이스 연주 세계의 상징적인 인물입니다. Motown 리듬 섹션을 고정하면서 그는 상대적으로 익명을 유지하면서 베이시스트의 가능성을 확장했습니다. 1960년대에는 세션 연주자가 Motown 녹음에 거의 기록되지 않았기 때문입니다. Paul McCartney는 James Jamerson이 나의 영웅이 되었다고 말했습니다. 비록 나는 아주 최근까지 그의 이름을 실제로 알지 못했지만 말입니다.

베이스가 종종 실용적인 지원 악기로 여겨졌던 시대에 Jamerson은 감히 한계를 뛰어넘었습니다. 그는 베이스 라인에 당김음을 주입하고, 멜로디의 깊이와 복잡성을 도입하는 복잡한 코드를 추가했으며, 가스펠 음악의 하모니를 불러일으키는 음색을 선택했습니다. 상징적인 Motown 레코드에 대한 그의 기여는 너무 많아서 포괄적으로 분류할 수 없지만 몇 가지 눈에 띄는 예로는 팝 역사상 가장 눈에 띄고 즉시 만족스러운 베이스 파트 중 하나를 특징으로 하는 The Temptations의 My Girl이 있습니다. Gladys Knight의 I Heard It Through the Grapevine에서 Jamerson의 베이스 연주는 불안한 피아노에 부드럽고 쾌활한 대위법을 제공합니다.

아마도 그의 최고의 업적은 Marvin Gaye의 What’s Going On에서였을 것입니다. 여기서 Jamerson의 베이스 라인은 초멜로딕한 광채 수준에 도달했습니다. 이번 앨범의 일부 트랙에 기여한 또 다른 유명한 베이시스트인 Bob Babbitt는 James가 일반적으로 베이시스트가 하는 것보다 한 단계 더 나아갔다고 말했습니다. 처음에는 기회를 잡고 자신을 놔두다가 그게 자연스러워졌고, 그 과정에서 베이스 연주의 방향을 바꾸게 됐다.

James Jamerson의 유산은 헤아릴 수 없을 만큼 크며, 그의 영향력은 여러 세대의 베이시스트들에게 울려 퍼졌습니다. 그는 베이스 기타의 역할을 보조 악기에서 Motown 사운드의 리드 보이스로 끌어올렸습니다.

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찰스 밍거스

베이시스트로서의 기량으로 알려진 다재다능한 음악가인 찰스 밍거스는 전통적인 경계를 뛰어넘었습니다. 그는 단순한 베이스 연주자가 아니었습니다. 그는 작곡가, 개념주의자, 고전 교육을 받은 첼리스트, 사회 비평가였습니다. 때로는 음악의 다른 영역에서의 그의 다재다능함이 베이스에 대한 그의 놀라운 공헌을 압도하기도 합니다.

Mingus의 음악 창작의 핵심에는 그의 손가락을 통해 흐르고 현악기를 통해 공명하며 그의 밴드를 앞으로 나아가게 하는 흔들리지 않는 리듬의 추진력이 있습니다. 그의 음악적 소울메이트인 드러머 Dannie Richmond와 함께 II BS 및 Better Get Hit in Your Soul과 같은 작곡의 연주를 들으면 그의 베이스 연주의 힘과 우아함이 드러납니다. 그는 자신의 워킹 베이스 라인에 엄청난 파워와 민첩한 민첩성을 불어넣는 독특한 능력을 갖고 있었습니다.

Mingus의 경력은 여러 시대의 재즈에 걸쳐 있었으며 그는 문체적 경계에 갇히기를 거부했습니다. 1940년대 후반 Lionel Hampton의 빅 밴드와 함께 스윙을 하던, 1950년대 동료 비밥 스타들과 즉흥 연주를 하던가, 1960년대에 그의 음악적 우상인 Duke Ellington과 활기차고 타악기적인 대화를 나누던 Mingus는 지속적으로 음악계의 한계를 뛰어 넘었습니다. 베이스를 달성할 수 있었습니다.

Joni Mitchell과의 협력과 Jack Bruce 및 Charlie Watts와 같은 록 전설에 대한 그의 영향에서 알 수 있듯이 그의 영향력은 재즈를 넘어 확장되었습니다. 평생 동안 Mingus는 자신의 예술성을 제한하거나 과소평가하려는 시도에 격렬하게 항의했으며 다음과 같이 유명하게 선언했습니다. 나는 그들 중 누구도 여론 조사를 원하지 않습니다. 나는 내가 어떤 종류의 베이스 연주자인지 알고 있다.

베이시스트이자 작곡가로서 Charles Mingus의 유산은 지속되고 있으며 베이스에 대한 그의 혁신적인 접근 방식은 계속해서 모든 계층의 음악가들에게 영감을 주고 있습니다.

존 엔트위슬

The Who의 베이시스트인 John Entwistle은 베이스 기타에서 만들어내는 특별한 사운드 덕분에 Thunderfingers라는 적절한 별명을 얻었습니다. Keith Moon 및 Pete Townshend와 같은 화려한 쇼맨과 함께 연주하면서 Entwistle은 같은 무대에서 자신의 목소리를 들려야 한다는 도전에 직면했습니다. 그러나 그는 놀랄 만큼 유연하고 우아하게 상황에 대처하여 진정 독특한 베이스 스타일을 만들어냈습니다.

Entwistle은 베이스를 리드 악기인 것처럼 접근하여 The Who의 음향 환경에서 기타만큼 눈에 띄게 만들었습니다. My Generation에서 그의 청키한 베이스 솔로는 수많은 베이시스트 지망생들에게 영감의 원천이 되었지만 그의 기술을 모방하는 것은 거의 극복할 수 없는 작업임이 입증되었습니다.

Rush의 Geddy Lee는 Entwistle의 영향력을 다음과 같이 적절하게 요약했습니다. Entwistle은 틀림없이 최고의 록 베이시스트였으며 베이스 기타의 역할과 사운드를 대담하게 맡아 놀라운 연주를 뽐내며 어두운 깊이에서 밀어냈습니다.

록 베이시스트로서 John Entwistle의 유산은 부인할 수 없으며 악기에 대한 그의 획기적인 접근 방식은 음악계에 지울 수 없는 흔적을 남겼습니다.

부츠시 콜린스

Bootzilla, 친절한 유령 Casper, 세계 유일의 라인스톤 록스타 인형 Baba와 같은 다양한 별칭으로 알려진 Bootsy Collins는 1970년대 소울과 펑크 베이스 연주를 재정의했으며 이후 1980년대와 1990년대 랩과 팝 영역에 영향을 미쳤습니다.

Collins는 1970년 James Brown의 백킹 밴드인 the JB’s에 합류하면서 두각을 나타냈습니다. 그는 즉시 Brown의 The One 컨셉을 수용하여 각 음악 소절의 첫 번째 비트를 최대의 힘으로 치고 나머지 부분에는 전염성 있는 펑키함을 불어넣었습니다. 나중에 Collins는 George Clinton의 음악 집단에 합류하면서 이 개념을 초현실적인 원더랜드로 확장했습니다. 그의 와와-주입된 부드러운 베이스 라인은 Parliament와 Funkadelic의 사운드에 독특한 차원을 더해주었습니다.

Bootsy’s Rubber Band를 이끄는 솔로 아티스트인 Collins는 별 모양의 선글라스를 착용하고 별 모양의 베이스를 연주하며 무한한 열정으로 만화 같은 사랑 노래를 전달했습니다. 그의 영향력은 Flea of ​​the Red Hot Chili Peppers부터 Dr. Dre가 G-Funk 사운드를 만들기 위해 샘플링한 레코드에 이르기까지 수많은 베이시스트의 연주에 반영됩니다.

George Clinton은 Bootsy가 등장했고 그가 추가한 것은 … 하나에 대한 강조뿐이라고 말하면서 이를 가장 잘 요약했습니다. 그걸 ‘The ABC’s’에 추가하면 2초 만에 펑크가 될 겁니다. 그리고 그 이후로 우리가 하는 모든 일은 우리가 아무리 팝적이 되려고 노력하더라도 실제로는 펑키했습니다.

Bootsy Collins의 유산은 베이시스트가 장르를 재정의하고 그루브를 음악의 최전선으로 가져올 수 있는 방법에 대한 증거인 펑카델릭 혁신 중 하나입니다.

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캐롤 케이

처음에는 50년대 재즈 클럽에서 실력을 연마한 다작의 베이시스트 Carol Kaye는 저명한 스튜디오 기타리스트로 부상하여 Sam Cooke와 같은 아티스트의 히트에 기여했습니다. Kaye는 10,000개 이상의 트랙에 그녀의 이름이 붙어 있는 등 역사상 가장 많이 녹음된 베이시스트라는 놀라운 구별을 갖고 있습니다. 그녀의 영향력은 Beach Boys의 1965년 트랙 Help Me, Rhonda의 밝은 스윙부터 Richie Valens의 현재 클래식인 1958년 La Bamba 연주, Frank와 Nancy Sinatra의 낭만적인 1967년 Somethin’ Stupid 공연까지 다양한 음악 스타일에 걸쳐 있습니다.

하지만 케이의 영향력은 여기서 끝나지 않습니다. 그녀는 영화 및 TV 쇼 테마 세계에 지울 수 없는 흔적을 남겼으며 배트맨, 미션 임파서블과 같은 상징적인 쇼의 타이틀곡에 멋진 백본을 제공했습니다. 그녀의 독특한 직관은 그녀의 베이스 연주를 이끌었고, 그녀는 악기의 더욱 역동적인 역할을 구상할 수 있었습니다. 그녀가 말했듯이, 나는 기타 연주자였고, ‘맙소사, 그건 정말 단순한 베이스 라인이구나’라고 생각했습니다. 베이스가 더 많이 움직이고 음악이 더 잘 들릴 것이라고 생각했습니다.

브라이언 윌슨(Brian Wilson)을 포함한 그녀의 스타 공동 작업자들은 그녀의 사운드와 지판 전문 지식의 마법을 인식하여 믹스에서 베이스 사운드를 향상시켰습니다. California Girls와 같은 노래에서 그녀의 베이스는 그녀의 독특한 음향적 기여를 입증하는 중심 무대를 차지합니다.

레 클레이풀

Les Claypool은 스래시 펑크 베이시스트가 지배했던 80년대 후반 베이 지역 음악계에서 눈에 띄는 인물로 등장한 베이스 거장입니다. Claypool을 차별화시키는 것은 베이스 기타에 대한 그의 혁신적인 접근 방식입니다. 베이스 기타를 단순한 리듬 악기가 아닌 음악을 앞으로 나아가게 하는 리드 악기로 취급합니다.

Claypool의 독특한 스타일에는 활발한 왼손 지판 태핑부터 번개처럼 빠른 스트러밍까지 다양한 기술이 통합되어 있습니다. 그는 더 빠른 속도와 정확성을 달성하기 위해 두 손가락 일반과 차별화되는 세 손가락 뽑기 기술을 채택했습니다. 그의 베이스 연주는 Captain Beefheart부터 Bootsy Collins까지 다양한 소스에서 영감을 얻었습니다. 그의 절충주의적인 사운드는 그의 기이하고 스토리텔링적인 가사를 보완하며 종종 우두머리 수컷 고양이, 신화 속의 어부, 살인적인 촌놈과 같은 주제를 탐구합니다.

Claypool의 다양성에는 한계가 없습니다. 그는 메탈 리프부터 중동 라가까지의 요소를 베이스 라인에 완벽하게 통합합니다. 그는 Oysterhead 및 Colonel Claypool’s Bucket of Bernie Brains와 같은 잼 밴드 슈퍼그룹에 참여하면서 즉흥 연주 기술을 연마했습니다. Sean Lennon과의 현재 협력을 통해 모험적인 프로그-사이키델릭 탐험이 가능해졌습니다.

무엇보다 레스 클레이풀은 베이스 기타의 역할을 단순한 닻에서 음악을 이끄는 역동적인 힘으로 끌어올렸습니다. 그의 혁신적인 정신은 Claypool의 독특한 리듬감과 독특한 스타일을 인정한 Rush의 Geddy Lee와 같은 동료 베이시스트들로부터 존경을 받았습니다.

잭 브루스

전설적인 록 밴드 크림(Cream)의 에릭 클랩튼(Eric Clapton)과 진저 베이커(Ginger Baker)에 의해 종종 가려졌던 잭 브루스(Jack Bruce)는 그들을 진정한 파워 트리오로 만드는 데 없어서는 안 될 역할을 했습니다. Clapton이 치솟는 블루스를 연주하고 Baker가 드럼 키트 뒤의 새로운 재즈 영역을 탐험하는 동안 그룹의 리드 보컬이기도 한 Bruce는 탄탄한 베이스 라인으로 밴드를 고정시켰습니다.

Jack Bruce를 차별화한 것은 베이스를 강력하고 역동적인 악기로 만드는 그의 능력이었습니다. Black Sabbath 베이시스트 Geezer Butler는 한때 Bruce의 영향을 입증하면서 Jack Bruce가 베이스 연주자가 라이브로 할 수 있는 일에 대해 확실히 눈을 뜨게 했다고 말했습니다. 주로 클랩튼 때문에 크림을 보러 갔는데… 잭 브루스의 연주에 매료됐어요. 나는 베이스 연주자가 일반적으로 리듬 기타가 있어야 할 자리를 채우는 그런 일을 할 수 있다는 것을 몰랐습니다.

I Feel Free의 그룹 보컬 아래에서 불안하고 텀블링 라인을 만들거나, Sunshine of Your Love에서 눈부시게 조화를 이루거나, Strange Brew에서 Clapton의 기타 작업에 그의 독특한 리프를 추가하든, Jack Bruce의 베이스 연주는 그야말로 매혹적이었습니다. 그의 키에도 불구하고 Bruce는 그의 베이스가 멜로디와 힘으로 노래하게 만드는 괴물같은 연주 스타일을 가지고 있었습니다.

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자코 파스토리우스

종종 “세계 최고의 베이시스트”로 불리는 Jaco Pastorius는 1974년 백스테이지에서 Weather Report의 키보드 연주자인 Joe Zawinul에게 대담하게 자신의 패권을 선언했습니다. Zawinul은 처음에는 Jaco의 주장을 비웃었을지 모르지만, 세계가 그의 뛰어난 재능을 목격하는 데는 오랜 시간이 걸리지 않았습니다. 그가 Weather Report에 합류했을 때 Pastorius는 그들을 진정한 퓨전 슈퍼스타로 변모시켰습니다.

Jaco의 1976년 셀프 타이틀 데뷔 앨범은 일렉트릭 베이스 역사에 있어서 중요한 순간을 기록했습니다. 이 음반에서 그는 여유롭게 고속 비밥을 연주했으며 매혹적인 하모닉스로 청취자들을 사로잡았습니다. 그는 오늘날에도 여전히 울려 퍼지는 일렉트릭 베이스의 기교에 대한 새로운 표준을 제시했습니다. 동시에, 그의 시그니처인 초조함 없는 사운드와 자신감 넘치는 스타일은 베이스가 단지 배경 악기일 뿐이라는 생각을 깨뜨렸습니다.

화려하고 기술적으로 능숙한 연주에도 불구하고 Jaco Pastorius는 뛰어난 협력자이기도 했습니다. 70년대 중반부터 80년대에 걸쳐 그는 Pat Metheny에서 Jimmy Cliff에 이르기까지 다양한 아티스트에게 혁신적인 4현 접근 방식을 도입했습니다. 그의 가장 유명한 콜라보레이션은 Joni Mitchell과의 협업으로, 그는 “Hejira”와 같은 앨범에서 그녀의 점점 더 모험적인 작곡에 완벽하게 적응했습니다. Mitchell 자신도 그의 직관적인 연주에 감탄하며 이렇게 말했습니다. “그에게 어떤 지시도 줄 필요가 없었기 때문에 꿈을 꾸는 것 같지 않았습니다. 나는 그를 풀어주고 뒤로 물러서서 그의 선택을 축하할 수 있었습니다.”

래리 그레이엄

Sly and the Family Stone의 저명한 멤버인 Larry Graham은 슬랩베이스 기술을 대중화한 것으로 유명합니다. 베이스 연주에 대한 이러한 독특한 접근 방식은 “Thank You(Falettinme Be Mice Elf Agin)” 및 “Dance to the Music”과 같은 히트곡에서 분명하게 드러납니다. 이 상징적인 기술을 향한 그레이엄의 여정은 샌프란시스코에서 어머니와 함께 트리오로 연주하던 시절부터 시작되었습니다.

트리오의 드러머가 떠나기로 결정했을 때 Larry Graham은 자신이 독특한 상황에 처해 있음을 깨달았습니다. 베이스 드럼이 없는 것을 보완하기 위해 그는 엄지손가락으로 베이스 현을 “두드리기” 시작했습니다. 백비트 스네어 드럼을 재현하기 위해 그는 손가락으로 현을 “뜯었습니다”. 베이스 연주에 대한 이러한 혁신적인 접근 방식은 틀림없는 “thumpin’ and pluckin'” 스타일을 탄생시켰고, 이는 이후 Larry Graham 연주의 특징이 되었습니다.

이 기술은 대중음악에서 베이스의 역할에 혁명을 일으켰을 뿐만 아니라 노래 믹스에도 큰 영향을 미쳤습니다. 브라이언 이노(Brian Eno)는 50년대의 음반이 멜로디 정보를 눈에 띄게 특징으로 하면서 리듬 요소를 더 조용한 위치로 격하시켰다고 말하면서 이러한 변화에 주목했습니다. 그러나 앨범 “Fresh”에서 볼 수 있듯이 Larry Graham을 포함한 Sly와 Family Stone의 등장으로 리듬 악기, 특히 베이스 드럼과 베이스가 믹스에서 새로운 명성을 얻었습니다. Graham의 설명은 간단했습니다. 그러한 힘으로 연주하면 “댄서들이 숨지 않을 것”이 보장되었습니다.

Larry Graham의 영향력은 한때 Graham을 “나의 선생님”이라고 불렀던 절친한 친구이자 빈번한 협력자인 Prince와 같은 미래의 전설들에게까지 확장되었습니다.

베르딘 화이트

베이스 기타리스트 Verdine White는 1970년에 그의 형인 Maurice White가 그를 그룹에 합류하도록 초대했을 때 미국의 멀티 장르 밴드 Earth, Wind & Fire의 필수적인 부분이 되었습니다. Verdine의 베이스 기술은 종종 묘사되는 Louis Satterfield의 지도 아래 연마되었습니다. “시카고의 제임스 제이머슨”으로 그는 Ron Carter와 Richard Davis와 같은 재즈 거장들로부터 영감을 얻었습니다.

Earth, Wind & Fire의 백만장 판매 앨범에 대한 Verdine White의 기여는 그야말로 대단했습니다. 이 그룹은 빠른 댄스 컷으로 유명했지만 Verdine의 연주는 발라드에서 진정으로 빛났습니다. “Can’t Hide Love”의 오프닝 럼블, “Love’s Holiday”의 공격적인 런, “After the Love Has Gone”의 민첩한 리프와 같은 곡에서 그의 베이스 작업은 그의 다재다능함과 음악성을 보여주었습니다.

빠른 템포의 트랙에서도 Verdine White는 역동적인 베이스 라인으로 깊은 인상을 남겼습니다. “Beijo (Interlude)”에서 그가 음을 떨고 윙윙거리게 만들어 음악에 독특한 차원을 더한 그의 짜릿한 연주를 들어보세요. 그의 뛰어난 기술에도 불구하고 White는 인터뷰에서 겸손한 자세를 유지했으며 그의 성공의 대부분은 가수를 보완하고 그의 베이스 연주가 전반적인 음악 경험을 향상시키는 데 기여했습니다.

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론 카터

Ron Carter는 재즈와 힙합의 교차점에 초석이 되어 왔습니다. 그래서 Q-Tip은 “베이스 위에서는 내 남자 Ron Carter”라고 표현했습니다. 60년이 넘는 경력을 보유한 Carter의 놀라운 공헌은 재즈 역사상 가장 많이 녹음된 베이시스트라는 기네스 세계 기록을 획득했으며, 2015년 가을 현재 그의 이름에 2,200개 이상의 크레딧이 부여되었습니다.

카터의 레퍼토리는 광범위한 만큼 다양합니다. 그는 재즈의 지형을 바꾸는 데 근본적인 역할을 한 Sixties Miles Davis 5인조의 중추적인 부분이었습니다. 완벽한 리듬 기반과 음악성을 제공하는 그의 능력은 Roberta Flack 및 Aretha Franklin과 같은 아티스트와 함께 클래식 녹음에서 분명하게 드러납니다. 게다가 그는 보사노바의 선구자인 안토니오 카를로스 조빔(Antônio Carlos Jobim)을 위한 리듬 침대를 훌륭하게 제작했으며 바흐의 작품에 새로운 생명을 불어넣기도 했습니다.

차분한 듀오에서 연주하든 활기찬 빅 밴드에서 연주하든 Ron Carter는 항상 무대에 순수한 품격을 선사합니다. Pat Metheny와 같은 협력자들은 Carter를 높이 평가하며 그를 “역대 최고의 청취 음악가 중 한 명”이라고 묘사했습니다. 자신의 독특한 음악적 정체성을 충실히 유지하면서 수많은 독특한 음악적 환경에 적응하는 그의 능력은 그의 탁월함과 다재다능함을 입증합니다.

게디 리

베이스 세계의 마스터 멀티태스커인 Geddy Lee는 Rush의 프론트맨으로서 전설적인 지위를 얻었습니다. 무대에서 그는 키보드와 풋 컨트롤 신디사이저 연주와 함께 베이스 역할을 능숙하게 관리했습니다. 그의 무모한 보컬 실력은 그의 놀라운 재능을 더욱 보여주었습니다. 그러나 프로그레시브 록 세계에서 그의 입지를 확고히 한 것은 바로 그의 베이스 연주였습니다.

Geddy Lee의 베이스 작업은 강인함, 힘찬 사운드, 인상적인 민첩성이 특징이며, 적절한 양의 무모한 재능으로 장식되었습니다. 그는 Jack Bruce 및 John Entwistle과 같은 60년대의 선구적인 베이시스트와 Rage Against the Machine의 Les Claypool 및 Tim Commerford와 같은 90년대의 혁신가들 사이의 필수적인 연결 고리 중 하나로 간주됩니다.

Rush 음악의 다양한 시대에 걸쳐 Geddy Lee의 베이스는 투지와 재능, 예상치 못한 펑키함을 더했습니다. “A Farewell to Kings”와 같은 인기 있는 70년대 앨범, “Grace Under Pressure”와 같은 New Wave의 영향을 받은 80년대의 보석, “Counterparts”와 같은 간결하고 강렬한 90년대 앨범에서 그의 상상력이 풍부한 베이스 라인은 음악의 후크 역할을 했습니다. 스스로. Rush의 카탈로그에 대한 그의 놀라운 공헌은 미래 지향적인 록 음악의 세계에 지속적인 영향을 미쳤습니다.

Geddy Lee의 뛰어난 베이스 파트에는 “Cygnus X-1 Book I: The Voyage”를 여는 기발한 스트럿, “Tom Sawyer”의 강인한 7/4 브리지 리프, “Scars”의 날씬한 댄스 팝 뱀프가 포함됩니다.” 이러한 베이스라인은 Rush 음악의 기초를 제공했을 뿐만 아니라 그 자체로 독특하고 기억에 남는 음악적 모티프 역할을 했습니다.

Geddy Lee에 대한 Les Claypool의 존경심

상징적인 밴드 Primus의 베이시스트 Les Claypool은 Geddy Lee에 대한 존경심을 표현한 적이 있습니다. 소리.’ 나는 아직도 그렇게 하려고 노력하고 있다.” 이러한 감정은 Geddy Lee의 베이스 작업의 지속적인 영향력을 강조하며, 야심 찬 베이시스트 세대가 악기의 표현 잠재력을 탐구하도록 영감을 줍니다.

Flea

Flea(본명은 Michael Balzary)는 1983년 결성 이래 드러머와 기타리스트가 많이 활동하는 밴드인 Red Hot Chili Peppers의 대체할 수 없는 베이시스트입니다. 그의 베이스 기타 마술은 Chili Peppers의 독특한 사운드의 기반입니다. 펑크, 펑크, 사이키델리아의 중독성 있는 조합.

Flea는 어린 시절 재즈 뮤지션인 양아버지의 영향을 받아 처음에는 재즈 트럼펫 연주자가 되기를 열망했습니다. 그러나 그의 반항적인 10대 정신은 그를 펑크 록의 길로 이끌었고, 그곳에서 그는 베이시스트로서의 진정한 소명을 찾았습니다. Bootsy Collins에서 영감을 받은 슬래핑과 신랄한 멜로디가 특징인 그의 상징적인 스타일은 밴드의 레퍼토리에 지울 수 없는 흔적을 남겼습니다.

칠리페퍼스를 넘어 플리의 음악적 여정은 다양했다. 그는 Mars Volta의 데뷔 앨범 “De-Loused in the Comatorium”에 자신의 재능을 기부했으며, Thom Yorke와 협력하여 Atoms for Peace를 결성하여 놀라운 다재다능함을 보여주었습니다.

칠리 페퍼스의 프론트맨인 앤서니 키에디스(Anthony Kiedis)는 “레드 핫 칠리 페퍼스는 벼룩이다”라고 선언한 적이 있습니다. 이 진술에는 Flea의 ​​존재감과 예술성이 밴드의 존재에 필수적이라는 진실이 요약되어 있습니다. 그의 소박하고 카리스마 넘치는 사운드는 Chili Peppers의 지속적인 매력의 초석으로 남아 있으며 록의 가장 상징적인 베이시스트 중 한 명인 그의 유산이 지속되도록 보장합니다.

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필 레쉬

록 음악에서 베이스 기타의 역할을 재구상하는 데 있어 Grateful Dead의 창립자이자 오랜 베이시스트인 Phil Lesh는 선구자로 두각을 나타냅니다. Lesh의 음악적 여정은 고등학교 시절 트럼펫과 바이올린을 연주하면서 실험적이고 클래식 음악을 배경으로 시작되었습니다. 그러나 Grateful Dead의 초기 화신인 Warlocks에 합류하라는 요청을 받았을 때 그의 삶은 다른 방향으로 전환되었습니다.

베이스에 대한 Phil Lesh의 접근 방식은 결코 전통적이지 않았습니다. 그는 당시 유행했던 표준적인 워킹베이스 진부한 표현에서 벗어나기로 결정했습니다. 그 자신의 말에 따르면, “저는 그것이 제가 Jerry와 함께 만들 음악에 적합하지 않을 것이라고 생각했습니다. 단지 다른 사람이 했던 일을 하려고 그랬을 뿐이죠.” Lesh의 독특한 비전은 “베이스를 연주하면서 동시에 리드하는 것”이었습니다. 이는 그의 음표가 멜로디 구조 안팎으로 돌진하는 기술이었습니다.

베이스에 대한 이러한 독특한 접근 방식은 Jerry Garcia의 기타 연주와 마찬가지로 Grateful Dead 사운드의 특징이 되었습니다. Lesh의 파격적이고 독창적인 베이스 라인은 “Truckin'”, “Shakedown Street” 및 “Cumberland Blues”와 같은 스튜디오 녹음에서 들을 수 있습니다. 그러나 Lesh의 베이스 연주가 진정으로 빛나는 것은 “Scarlet Begonias” 및 “Eyes of the World”와 같은 노래의 라이브 공연에서입니다. 특히 Cornell 1977 쇼는 Lesh 베이스 예술성의 정수를 포착한 것으로 유명합니다.

폴 매카트니

폴 매카트니는 가수, 작곡가, 라이브 연주자로서의 탁월한 재능으로 종종 찬사를 받습니다. 그러나 그의 음악적 기량에는 때때로 과소평가되는 측면이 있는데, 바로 베이시스트로서의 놀라운 능력입니다. 베이스 기타와 함께한 매카트니의 여정은 비틀즈 초기에 필요에 따라 시작되었습니다.

1961년 Stu Sutcliffe가 함부르크에서 밴드를 떠난 후 McCartney는 마지 못해 베이스 기타를 맡게 되었습니다. 그는 “베이스 상을 차지하기 위해 스투를 그룹에서 악의적으로 몰아냈다는 설이 있다”며 당시 상황을 유머러스하게 회상했다. 잊어 버려! 베이스를 연주하고 싶어하는 사람은 아무도 없었고, 그 당시에는 누구도 그렇게 하지 않았습니다.” 덜 매력적인 평판에도 불구하고 McCartney는 60년대 후반 비틀즈의 스튜디오 모험이 확장됨에 따라 Hofner에서 Rickenbacker로 전환하면서 베이스를 자신만의 것으로 만들었습니다.

폴 매카트니 베이스 연주의 진화

McCartney의 베이스 연주는 놀라운 다재다능함을 보여주었습니다. 이는 “Lucy in the Sky With Diamonds” 및 “Dear Prudence”와 같은 노래에서 꾸준하고 믿음직한 기반이 되었습니다. 그러나 그의 베이스는 단순히 조연으로만 국한되지 않았습니다. 그것은 종종 그 자체로 다채로운 주인공의 역할을 맡았습니다. “Paperback Writer”, “Rain”, “A Day in the Life”와 같은 트랙에서는 멜로디 베이스 라인을 통해 그리움, 설렘, 모험심을 전달하는 McCartney의 능력을 선보였습니다.

이 시대 매카트니의 베이스 스타일 대부분은 Motown으로 유명한 James Jamerson에게 빚을 졌는데, 그는 그가 베이스 연주에 큰 영향을 미쳤다고 자주 언급했습니다. McCartney의 음악적 여정은 60년대를 넘어 확장되었으며 “Silly Love Songs” 및 “Goodnight Tonight”과 같은 노래를 통해 디스코 시대로 자연스럽게 전환되었습니다. 그의 경력 전반에 걸쳐 베이스 기타에 대한 관심이 변했을지라도 McCartney는 계속해서 야심 찬 베이시스트 세대에게 영감을 주며 훌륭한 베이스 라인의 표현 잠재력을 보여주었습니다.

윌리 딕슨

윌리 딕슨(Willie Dixon)은 블루스 음악 역사상 가장 영향력 있는 인물 중 한 명으로 유명합니다. 그의 노래는 Howlin’ Wolf 및 Muddy Waters와 같은 블루스 전설이 유명하게 연주했기 때문에 그의 기여는 자신의 블루스 경력을 훨씬 뛰어 넘습니다. 그러나 록 음악의 지형을 형성하는 데 있어서 Dixon의 역할은 그의 지속적인 유산에서 중요한 부분을 차지합니다.

딕슨은 다작의 작곡가일 뿐만 아니라 초기 록 녹음에서 중추적인 역할을 한 베이시스트이기도 했습니다. 그는 Chuck Berry 및 Bo Diddley와 같은 상징적인 아티스트의 녹음에 베이스 기술을 빌려주었습니다. 또한, “I Can’t Quit You Baby”, “I Ai n’t Superstitious” 등 Dixon의 자작곡은 Led Zeppelin부터 Megadeth까지 다양한 뮤지션들이 커버해 왔습니다. 베이스와 함께한 Dixon의 여정은 “깡통 베이스”를 사용하여 직립형 베이스를 구입하기 위해 저축하는 소박한 기원에서 시작되었습니다. 복싱, 일, 음악 사이에서 시간의 균형을 맞추면서 악기 마스터에 대한 그의 헌신은 분명했습니다.

Dixon은 지역 음악가인 Baby Doo Caston과 Hog Mason으로부터 배웠으며 궁극적으로 자신만의 독특하고 장르를 정의하는 베이스 스타일을 개발했습니다. Chuck Berry가 처음에 “Maybellene”이 될 노래를 Dixon에게 연주했을 때 Dixon은 이 노래가 국가와 서양의 영향을 너무 많이 받았다고 느꼈습니다. 그는 그것에 블루지한 태도를 불어넣어 클래식 로큰롤로 탈바꿈시킬 기회를 보았습니다.

딕슨의 영향

Dixon의 영향력은 음악 자체를 넘어 확장되었습니다. Rolling Stones와 같은 음악가와 밴드에 대한 그의 영향은 헤아릴 수 없을 만큼 컸습니다. Stones의 베이시스트인 Bill Wyman은 “Willie Dixon은 나에게 가장 큰 영향을 끼친 사람이다”라고 선언한 적이 있습니다. 특히 록과 블루스 분야에서 음악의 진화에 대한 딕슨의 심오한 영향은 전설적인 베이시스트이자 작곡가로서 그의 입지를 확고히 했습니다. 블루스적 요소를 록에 혼합하는 그의 능력은 수많은 상징적인 로큰롤 찬가의 토대를 마련했습니다.

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존 폴 존스

Led Zeppelin은 완전하게 형성된 60년대 후반에 갑자기 등장한 것처럼 보였지만 기타리스트 Jimmy Page와 베이시스트 겸 키보드 연주자 John Paul Jones는 수년간 그들의 뒤에서 연주 세션을 가졌습니다. Motown 레코드와 Charles Mingus와 같은 재즈 베이시스트로부터 영감을 얻은 Jones는 Donovan, Jeff Beck 및 Dusty Springfield 등의 녹음을 연주했으며 Rolling Stones의 “She’s a Rainbow”의 현을 편곡했습니다.

그래서 그가 “Dazed and Confused”와 “What Is and What Should Never Be”의 느린 스텝 리드 라인을 연주하거나 “Immigrant Song”과 “The Song Remains the Same”의 돌진적인 리듬을 연주할 때가 왔을 때 — Page와의 조화 – 아주 간단했습니다. 그의 음악적 감각은 그를 Led Zeppelin에서도 훨씬 더 오래도록 인도할 것입니다. Dave Grohl은 Them Crooked Vultures에서 Jones와 함께 플레이할 당시 “John은 조용히 모든 사람에게 도전합니다”라고 말했습니다. “그의 존재는 그를 실망시키고 싶지 않기 때문에 가능한 한 최선을 다해 플레이하게 만듭니다. 계속해서 따라갈 수 있다면 괜찮을 것입니다.”

스탠리 클라크

Stanley Clarke는 록과 재즈의 융합을 구현하며 이러한 장르에서 베이스의 역할에 혁명을 일으킨 베이시스트입니다. Clarke는 처음에 클래식 음악에 대한 열망을 가지고 더블 베이스 연주자로서 음악적 여정을 시작했습니다. 그를 새로운 방향으로 이끈 것은 공연 중 칙 코리아와의 만남이었다.

Clarke와 Corea는 1970년대 저명한 재즈 그룹 중 하나인 Return to Forever를 결성했습니다. 이 밴드에서 Clarke는 음악의 저음역을 고정하고 스타 솔리스트로 등장할 수 있는 플랫폼을 찾았습니다. ‘School Days’ 를 비롯한 그의 초기 솔로 앨범에서는 펑크로의 전환을 선보였으며, 강한 그루브를 유지하면서도 놀라운 기술적 능력을 부각시켰습니다.

Stanley Clarke의 기여는 음악을 넘어 영화와 TV 스코어링 영역까지 진출했습니다. 그의 영향력은 새로운 세대의 음악가들에게 반향을 일으켰고, Thundercat과 같은 아티스트는 베이스로 달성할 수 있는 것에 대한 기준점으로 Stanley Clarke의 중요성을 인정했습니다. Thundercat은 “베이스로 가능한 것에 대한 참조 프레임으로 Stanley Clarke가 있다는 사실에 신께 감사드립니다.”라고 말한 적이 있습니다.

베이스에 대한 Clarke의 영향은 그의 뛰어난 연주에만 국한되지 않았습니다. 그는 자신의 밴드를 결성하고 베이스 거장으로서 주목을 받으며 틀을 깨뜨렸습니다. 그가 말했듯이, “제가 오기 전에는 베이스 연주자들이 뒤쪽에 많이 서 있었어요. 그들은 음악을 쓰지 않는 것처럼 보이는 매우 조용한 사람들이었습니다. 하지만 그 베이스 연주자 중 다수는 진지한 음악가였습니다. 내가 한 일은 단지 한 걸음 더 나아가 내 자신의 밴드를 만든 것뿐이었습니다.”

찰리 헤이든

Charlie Haden이 재즈 세계에 미친 영향은 헤아릴 수 없을 정도로 큽니다. 가장 현대적인 음악 스타일에도 시대를 초월한 품질을 불어넣는 그의 능력이 그를 차별화시키는 요소입니다. Ornette Coleman의 획기적인 1959년 앨범에 수록된 트랙인 “Lonely Woman”의 상징적인 오프닝에서 이를 확인할 수 있습니다. Billy Higgins의 더블 타임 라이드 심벌즈와 함께 Haden의 베이스 멜로디는 시대를 초월한 느낌을 만들어내며 음악을 땅의 뿌리처럼 뿌리내립니다.

Charlie Haden의 음악적 여정은 아이오와에서 시작되었으며, 그곳에서 그는 가족의 라디오 쇼에서 컨트리 노래를 요들 부르며 자랐습니다. 재즈에 대한 그의 열정에 불을 붙인 것은 전설적인 찰리 파커의 공연이었습니다. 1950년대 후반에 대학을 위해 로스앤젤레스로 이주한 Haden은 재즈를 다음 급진적인 개척지로 이끌 색소폰 연주자 Ornette Coleman과 만나게 되었습니다.

Haden은 Coleman 비전의 필수적인 부분이 되었으며, 그들이 Yoko Ono를 후원했던 기억에 남는 1968년 공연을 포함하여 라이브 및 스튜디오 밴드에 힘과 고양을 모두 제공했습니다. 그는 또한 Old 및 New Dreams와 같은 다양한 위성 프로젝트에서 Coleman의 횃불을 들고 다양한 음악적 맥락에 적응하는 다재다능함과 능력을 보여주었습니다.

찰리 헤이든의 영향

Charlie Haden의 영향력은 미래 지향적이고 개방적인 재즈의 모든 영역으로 확장되었습니다. 그는 Pat Metheny, Keith Jarrett, Alice Coltrane 등 유명 아티스트와 협업했습니다. 그의 정치적 추진 프로젝트인 Liberation Music Orchestra는 음악을 변화의 수단으로 사용하겠다는 그의 의지를 반영했습니다. Ginger Baker와 Bill Frisell이 함께한 Haden의 따뜻하고 공감적인 트리오는 심오한 수준에서 동료 음악가들과 소통하는 그의 능력을 보여주었습니다.

그의 음악적 범위는 방대했고 링고 스타(Ringo Starr), KD 랭(KD Lang), 심지어 그의 아들과 세 쌍둥이 딸까지 포함해 다양한 장르의 아티스트들과 원활하게 작업했습니다. Ornette Coleman은 “Charlie Haden은 청취자의 존재를 위해 연주한다”라고 썼을 때 Charlie Haden 음악의 본질을 적절하게 포착하여 그를 진정한 음악 전문가로 만들었습니다.

또한 플랫 와운드, 하프 와운드 및 라운드 와운드 스트링 에 대한 이 가이드에 관심이 있으실 수도 있습니다.

도널드 “덕” 던

멤피스 출신인 Donald “Duck” Dunn은 아버지와 함께 디즈니 만화를 보면서 별명을 얻었으며, 이 별명은 평생 동안 그와 함께했습니다. 영향력 있는 Stax 하우스 밴드 Booker T. and the MG’s의 원래 멤버는 아니었지만 Dunn은 1964년 Lewie Steinberg로부터 베이스 업무를 이어받아 그룹을 새로운 차원으로 끌어올렸습니다.

그의 밴드 재임 기간은 Otis Redding, Wilson Pickett, Sam and Dave와 같은 아티스트들의 중요한 Southern Soul 레코드 제작과 동시에 이루어졌습니다. Dunn의 베이스 연주는 증가된 공격성과 당김음이 특징인 밴드의 진화하는 사운드에 완벽하게 적합했습니다. 그는 도시적인 팝 발라드, 컨트리 소울 셔플, 업템포 가스펠이 주입된 소울 등 다양한 스타일을 마스터하는 밴드의 능력에 중추적인 역할을 했습니다.

Sam and Dave의 “When Something Is Wrong With My Baby”의 MG 악기 버전이나 Otis Redding의 “(Sittin’ on) the Dock of the Bay”를 여는 전염성 있는 스트럿에서 Dunn의 조용히 하강하는 베이스 라인을 들어보세요. 밴드에 대한 그의 공헌은 기념비적이었고 Bootsy Collins가 한때 인정했듯이 그는 “우리 음악적 기반의 벽돌”이었습니다.

Donald “Duck” Dunn의 놀라운 작업은 Stax를 넘어 Eric Clapton, Stevie Nicks, Bill Withers 및 Neil Young을 포함한 다양한 록 및 팝 전설과 협력하면서 확장되었습니다. 그러나 대중음악을 진정으로 재정의한 것은 그가 Booker T., Steve Cropper, Al Jackson과 함께 작업한 영향력 있는 작업이었습니다. Peter Frampton이 적절하게 말했듯이, “Dunn은 R&B 베이스 연주에 관한 책을 썼습니다.”

로비 셰익스피어

로비 셰익스피어는 그의 리듬 파트너인 Sly Dunbar와 협력하여 레게 세계에 지울 수 없는 흔적을 남겼습니다. 즉시 알아볼 수 있는 사운드와 독특한 스타일은 1970년대 초반에 그들을 구별시켰습니다. Sly Dunbar는 첫 만남을 회상하면서 그의 관심을 끌었던 것은 로비 셰익스피어의 베이스 연주의 충만함이었다고 말했습니다.

두 뮤지션은 계속해서 레게 황금 시대의 모든 주요 아티스트와 협력하여 Culture의 “Two Sevens Clash” 및 Peter Tosh의 “Equal Rights”와 같은 클래식 앨범에 유동적인 멜로디이면서도 흔들리지 않는 탄탄한 기반을 제공했습니다. 더빙 장르에 대한 그들의 숙달은 그들의 음악의 특징이 된 넓고 리드미컬한 사운드스케이프를 창조하는 능력에서 분명했습니다.

1980년대 레게가 댄스홀로 진화하면서 Sly와 Robbie는 음악의 유기적인 느낌을 유지하면서 디지털 환경에 원활하게 적응했습니다. 그들의 다재다능함은 레게의 경계를 초월했으며 Grace Jones, Talking Heads, Bob Dylan, Mick Jagger 등과 같은 아티스트의 록 및 팝 앨범에서 필수적인 역할을 했습니다. Sly와 Robbie가 글로벌 음악계에 미치는 영향력은 헤아릴 수 없을 만큼 컸으며, 그들은 자메이카의 사운드를 형성하고 이를 세계와 공유하는 데 중추적인 역할을 했습니다.

크리스 스콰이어

수십 년에 걸쳐 Yes는 다양한 라인업 변경을 겪었지만 한 가지 변함없는 것은 베이시스트 Chris Squire였습니다. Squire는 Yes 사운드의 기반이었으며, 프로그 록 세계에 대한 그의 공헌은 기념비적이었습니다. Jack Bruce, John Entwistle, Paul McCartney와 같은 베이시스트로부터 영감을 받은 Squire는 Yes 음악의 원동력이 된 독특하고 멜로디적인 톤을 개발했습니다.

그의 베이스 작업은 “Close to the Edge” 및 “Awaken”과 같은 클래식과 함께 1970년대의 복잡한 구성을 통해 Yes를 강화했습니다. 1980년대에 그는 “Owner of a Lonely Heart”와 같은 히트곡으로 Yes가 팝으로 전환하는 데 중요한 역할을 했습니다. Yes의 전 키보디스트인 Rick Wakeman은 Squire의 베이스 연주가 “베이스 기타를 다른 성층권으로 향하는 리드 악기로 만드는 기술”이라고 설명했습니다.

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다른 훌륭한 베이시스트

전설적인 베이시스트의 판테온에서 목록은 광범위하게 확장되어 이 필수적인 음악적 역할 내에서 놀랍도록 다양한 재능을 보여줍니다. 이러한 저명한 이름들 중에서 The Band의 Rick Danko는 아메리카나 장르를 정의하는 데 도움을 준 멜로디와 감동적인 베이스 라인으로 잘 알려진 소울풀하고 다재다능한 인물로 우뚝 섰습니다.

Black Sabbath의 상징적인 사운드를 만들어낸 최강자인 Geezer Butler는 천둥 같은 베이스 리프로 헤비메탈에 어둡고 천둥 같은 차원을 가져왔습니다. Bill Wyman의 완벽한 그루브는 Rolling Stones의 지속적인 유산에 크게 기여했으며 Cliff Burton의 기교와 혁신적인 스타일은 Metallica를 통해 금속에 혁명을 일으켰습니다.

재즈의 거장 Richard Davis, 라틴의 거장 Israel Cachao López, Bob Marley의 Wailers의 매우 그루브한 Aston “Family Man” Barrett을 비롯해 이 목록에 있는 다른 유명 인사들은 각각 음악 세계에 지울 수 없는 흔적을 남겼습니다. 베이스 기타를 통해 얻을 수 있는 무한한 창의성을 보여줍니다.

역대 최고의 베이시스트에 대한 최종 생각

이 베이시스트들은 베이스 연주 세계에서 다양한 재능과 혁신을 대표합니다. 그들의 공헌은 베이스 기타의 역할을 높였을 뿐만 아니라 음악사에 지속적인 흔적을 남겼습니다. 이들 베이시스트 각각은 독특한 방식으로 4개의 현에서 달성할 수 있는 가능성을 확장하여 장르를 재편하고 음악가 세대에게 영감을 주었습니다. 그들의 유산은 계속해서 반향을 일으키며 베이시스트가 대중음악의 진화에 끼친 심오한 영향을 상기시켜 줍니다.

초보자를 위한 가장 저렴한 일렉트릭 베이스 에 대한 리뷰를 방문하는 것을 잊지 마세요.