Los mejores bajistas de todos los tiempos

Estos son los mejores bajistas de todos los tiempos considerando el impacto en la música, incluye virtuosos como Jaco Pastorius y otros no tan virtuosos pero sí grandes músicos como Paul McCartney.

Principales bajistas de la historia y su importancia

El mundo de la música ha sido moldeado y transformado por las contribuciones de innumerables músicos de diversos géneros. Si bien los guitarristas y vocalistas a menudo reclaman el protagonismo, es esencial reconocer el papel fundamental de los bajistas en la creación de la columna vertebral rítmica y armónica de las canciones. Como bien lo expresó la legendaria música de sesión Carol Kaye, el bajo es la base, trabaja en conjunto con el baterista para establecer el ritmo y proporciona un marco para el resto de los elementos musicales.

Una línea de bajo notable posee una cualidad única; se siente como un mantra que podría continuar indefinidamente, volviéndose más profundo con cada escucha. Si bien los guitarristas, vocalistas y trompetistas pueden aprovechar los momentos más llamativos de una composición, es el bajista quien aporta algo elemental, una parte que permanece grabada en la mente del oyente mucho después de que la música se desvanece.

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El papel subestimado del bajo

Sin embargo, es una realidad lamentable que los bajistas a menudo sean pasados ​​por alto y subvalorados, incluso dentro de sus propias bandas. Como Paul McCartney reflexionó una vez sobre su transición al bajo en los Beatles: No era el trabajo número uno; Nadie quería tocar el bajo, querían estar al frente. Sin embargo, el bajo tiene su rica y orgullosa tradición en la música popular, abarcando un amplio espectro de estilos y géneros. Desde el virtuosismo de Jimmy Blanton en la orquesta de Duke Ellington hasta las innovaciones en bebop de Oscar Pettiford, y desde la brillantez del jazz de Charles Mingus y Ron Carter hasta la magia de estudio de Carol Kaye y James Jamerson, el bajo ha dejado una huella indeleble en la música.

En esta exploración, rendiremos homenaje a los mejores bajistas de todos los tiempos, personas que no sólo han dominado sus instrumentos sino que también han superado los límites de lo que un bajista puede lograr. Si bien esta lista no es un intento de clasificar basándose en habilidades objetivas, sirve como reconocimiento a aquellos bajistas que han tenido el impacto más directo y visible en la configuración de los cimientos mismos de la música popular durante el último siglo.

Los mejores bajistas de todos los tiempos

• James Jamerson
• Charles Mingus
• John Entwistle
• Bootsy Collins
• Carol Kaye
• Les Claypool
• Jack Bruce
• Jaco Pastorius
• Larry Graham
• Verdine White
• Ron Carter
• Geddy Lee
• Flea
• Phil Lesh
• Paul McCartney
• Willie Dixon
• John Paul Jones
• Stanley Clarke
• Charlie Haden
• Donald “Duck” Dunn
• Robbie Shakespeare
• Chris Squire

James Jamerson

James Jamerson es una figura icónica en el mundo del bajo. Anclando la sección rítmica de Motown, amplió las posibilidades para los bajistas mientras permanecía relativamente anónimo, ya que los músicos de sesión rara vez aparecían acreditados en las grabaciones de Motown en los años 1960. James Jamerson se convirtió en mi héroe, comentó Paul McCartney, aunque en realidad no supe su nombre hasta hace muy poco.

En una época en la que el bajo era visto a menudo como un instrumento de apoyo utilitario, Jamerson se atrevió a traspasar los límites. Inyectó síncopa a sus líneas de bajo, añadió acordes intrincados que introdujeron profundidad y complejidad melódicas y tomó decisiones tonales que evocaban las armonías de la música gospel. Sus contribuciones a discos icónicos de Motown son demasiado numerosas para catalogarlas de manera exhaustiva, pero algunos ejemplos destacados incluyen My Girl de The Temptations, que presenta una de las partes de bajo más reconocibles y instantáneamente gratificantes de la historia del pop. En I Heard It Through the Grapevine de Gladys Knight, el bajo de Jamerson proporciona un contrapunto suave y burbujeante al piano nervioso.

Quizás su mayor logro fue What’s Going On de Marvin Gaye, donde la línea de bajo de Jamerson alcanzó un nivel de brillantez hipermelódica.

El legado de James Jamerson es inconmensurable y su influencia ha resonado en generaciones de bajistas. Transformó el papel del bajo, elevándolo de un instrumento de apoyo a una voz principal en el sonido Motown.

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Charles Mingus

Charles Mingus, un músico polifacético conocido por su destreza como bajista, trascendió las fronteras tradicionales. No era simplemente un bajista; fue compositor, conceptualista, violonchelista de formación clásica y crítico social. A veces, su versatilidad en otras áreas de la música eclipsa sus notables contribuciones al bajo.

En el centro de las creaciones musicales de Mingus se encontraba un impulso rítmico inquebrantable que fluía a través de sus dedos, resonaba a través de las cuerdas e impulsaba sus bandas hacia adelante. Escucharlo tocar composiciones como II BS y Better Get Hit in Your Soul, junto a su alma gemela musical, el baterista Dannie Richmond, revela la fuerza y ​​la gracia de su forma de tocar el bajo. Tenía la habilidad única de infundir a sus líneas de bajo andante un inmenso poder y una ágil agilidad.

La carrera de Mingus abarcó múltiples épocas del jazz y se negó a limitarse a fronteras estilísticas. Ya sea que estuviera tocando con la Lionel Hampton Big Band a finales de los años 1940, tocando con otras luminarias del Bebop en los años 1950 o participando en animados diálogos de percusión con su ídolo musical, Duke Ellington, en los años 1960, Mingus constantemente superó los límites de lo que el el bajo podría lograr.

Su influencia se extendió más allá del jazz, como lo demuestra su colaboración con Joni Mitchell y su impacto en leyendas del rock como Jack Bruce y Charlie Watts. A lo largo de su vida, Mingus protestó vehementemente contra los intentos de limitar o subestimar su arte, y declaró: No quiero ninguna de esas malditas encuestas. Sé qué tipo de bajista soy.

El legado de Charles Mingus como bajista y compositor perdura, y su enfoque innovador del bajo continúa inspirando a músicos de todos los ámbitos de la vida.

John Entwistle

John Entwistle, el bajista de The Who, se ganó el acertado apodo de Thunderfingers debido al extraordinario sonido que extraía de su bajo. Tocando junto a extravagantes artistas como Keith Moon y Pete Townshend, Entwistle enfrentó el desafío de ser escuchado en el mismo escenario. Sin embargo, estuvo a la altura de las circunstancias con notable fluidez y gracia, creando un estilo de bajo verdaderamente único.

Entwistle abordó el bajo como si fuera un instrumento principal, haciéndolo destacar tan prominentemente como cualquier guitarra en el panorama sonoro de The Who. Su grueso solo de bajo en My Generation sirvió como fuente de inspiración para innumerables aspirantes a bajista, aunque emular su técnica resultó ser una tarea casi imposible.

Geddy Lee de Rush resumió acertadamente el impacto de Entwistle al afirmar que Entwistle era posiblemente el mejor bajista de rock de todos, atreviéndose a tomar el papel y el sonido del bajo y sacarlo de las turbias profundidades mientras pavoneaba esas increíbles habilidades.

El legado de John Entwistle como bajista de rock es innegable y su enfoque innovador del instrumento ha dejado una huella imborrable en el mundo de la música.

Bootsy Collins

Bootsy Collins, conocido por varios alias como Bootzilla, Casper the Friendly Ghost y The World’s Only Rhinestone Rock Star Doll, Baba, redefinió el bajo soul y funk en la década de 1970, influyendo posteriormente en los ámbitos del rap y el pop en las décadas de 1980 y 1990.

Collins dejó su huella cuando se unió a la banda de acompañamiento de James Brown, los JB’s, en 1970. Inmediatamente abrazó el concepto de The One de Brown, tocando el primer tiempo de cada compás musical con la máxima fuerza e infundiendo al resto un funk contagioso. Más tarde, Collins amplió este concepto hasta convertirlo en un país de las maravillas surrealista cuando se unió al colectivo musical de George Clinton. Sus suaves líneas de bajo con infusión de wah-wah agregaron una dimensión distintiva al sonido de Parliament y Funkadelic.

Como solista al frente de Bootsy’s Rubber Band, Collins se puso gafas de sol en forma de estrella, tocó un bajo en forma de estrella e interpretó canciones de amor caricaturescas con entusiasmo ilimitado. Su influencia resuena en la forma de tocar de innumerables bajistas, desde Flea de los Red Hot Chili Peppers hasta los discos muestreados por Dr. Dre para crear el sonido G-Funk.

George Clinton lo resumió mejor cuando dijo: apareció Bootsy y todo lo que añadió… fue el énfasis en uno. Podrías agregar eso a ‘The ABC’s’ y sería funk en dos segundos. Y a partir de entonces, todo lo que hicimos fue funky de verdad, sin importar cuán pop intentáramos ser.

El legado de Bootsy Collins es de innovación funkadélica, un testimonio de cómo un bajista puede redefinir géneros y llevar el ritmo a la vanguardia de la música.

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Carol Kaye

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Carol Kaye, una prolífica bajista que inicialmente perfeccionó sus habilidades en los clubes de jazz de los años cincuenta, emergió como una destacada guitarrista de estudio, contribuyendo a los éxitos de artistas como Sam Cooke.

Kaye tiene la notable distinción de ser la bajista con más grabaciones de todos los tiempos, con su nombre adjunto a más de 10.000 pistas. Su influencia abarca una amplia gama de estilos musicales, desde el alegre swing de la canción Help Me, Rhonda de los Beach Boys de 1965 hasta la ahora clásica interpretación de Richie Valens de 1958 de La Bamba y la romántica interpretación de 1967 de Somethin’ Stupid de Frank y Nancy Sinatra.

Pero el impacto de Kaye no termina ahí. Dejó una marca indeleble en el mundo de las películas y los programas de televisión, proporcionando la columna vertebral maravillosa de las canciones principales de programas icónicos como Batman y Misión Imposible. Su intuición única guió su forma de tocar el bajo, permitiéndole imaginar un papel más dinámico para el instrumento. Como ella dijo una vez, yo era guitarrista y pensé: ‘Dios, esa es una línea de bajo simple’. Pensé que el bajo podría moverse más y la música sonaría mejor.

Sus colaboradores estrella, incluido Brian Wilson, reconocieron la magia de su sonido y experiencia en el diapasón, elevando su sonido de bajo en sus mezclas. En canciones como California Girls, su bajo ocupa un lugar central, un testimonio de sus contribuciones sonoras únicas.

Les Claypool

Les Claypool es un virtuoso del bajo que emergió como una figura destacada en la escena musical del Área de la Bahía de finales de los años ochenta, dominada por bajistas de thrash-funk. Lo que distingue a Claypool es su enfoque innovador del bajo, tratándolo no simplemente como un instrumento rítmico sino como un instrumento solista que impulsa la música hacia adelante.

El estilo único de Claypool incorpora una amplia gama de técnicas, desde golpecitos hiperactivos en el diapasón con la mano izquierda hasta rasgueos ultrarrápidos. Adoptó una técnica de punteo con tres dedos, diferenciándose de la norma de dos dedos para lograr mayor velocidad y precisión.

Su forma de tocar el bajo se inspira en diversas fuentes, combinando influencias desde Captain Beefheart hasta Bootsy Collins. Su sonido ecléctico complementa sus letras excéntricas y narrativas, a menudo ahondando en temas como felinos machos alfa, pescadores míticos y campesinos asesinos.

La versatilidad de Claypool no conoce límites. Incorpora a la perfección elementos desde riffs de metal hasta ragas del Medio Oriente en sus líneas de bajo. Su participación en supergrupos de jam-band como Oysterhead y Colonel Claypool’s Bucket of Bernie Brains ha perfeccionado sus habilidades de improvisación. Su colaboración actual con Sean Lennon permite exploraciones psicodélicas progresivas y aventureras.

Por encima de todo, Les Claypool ha transformado el papel del bajo, elevándolo de un mero ancla a una fuerza dinámica que impulsa la música. Su espíritu innovador le ha ganado la admiración de compañeros bajistas como Geddy Lee de Rush, quien reconoce la sensibilidad rítmica única y el estilo distintivo de Claypool.

Jack Bruce

Jack Bruce, a menudo eclipsado por Eric Clapton y Ginger Baker en la legendaria banda de rock Cream, jugó un papel indispensable para convertirlos en un verdadero trío poderoso. Mientras Clapton ofrecía altísimos ritmos de blues y Baker exploraba nuevos territorios del jazz detrás de su batería, Bruce, que también era el vocalista principal del grupo, ancló a la banda con sus robustas líneas de bajo.

Lo que distinguió a Jack Bruce fue su capacidad para hacer del bajo un instrumento asertivo y dinámico. El bajista de Black Sabbath, Geezer Butler, una vez dio fe de la influencia de Bruce y dijo: Jack Bruce definitivamente me abrió los ojos sobre lo que un bajista podía hacer en vivo. Fui a ver Cream principalmente por Clapton, y quedé hipnotizado con la interpretación de Jack Bruce. No sabía que un bajista podía hacer esas cosas, ocupando el lugar donde normalmente estaría la guitarra rítmica.

Ya sea que estuviera creando líneas nerviosas y agitadas bajo las voces del grupo en I Feel Free, armonizando brillantemente en Sunshine of Your Love o agregando su riff distintivo bajo el trabajo de guitarra de Clapton en Strange Brew, el bajo de Jack Bruce fue nada menos que fascinante. A pesar de su estatura, Bruce poseía un estilo de interpretación monstruoso, haciendo que su bajo cantara con melodía y poder.

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Jaco Pastorius

Jaco Pastorius, a menudo apodado “el mejor bajista del mundo”, en 1974, declaró audazmente su supremacía a Joe Zawinul, teclista de Weather Report, durante un encuentro entre bastidores. Si bien Zawinul inicialmente se burló de la afirmación de Jaco, no pasó mucho tiempo para que el mundo fuera testigo de su extraordinario talento. Cuando se unió a Weather Report, Pastorius los había transformado en auténticas superestrellas de la fusión.

El álbum debut homónimo de Jaco de 1976 marcó un momento crucial en la historia del bajo eléctrico. En este disco, tocó sin esfuerzo bebop de alta velocidad y cautivó a los oyentes con sus fascinantes armónicos. Introdujo un nuevo estándar para el virtuosismo del bajo eléctrico que todavía resuena hoy. Al mismo tiempo, su característico sonido sin trastes y su estilo seguro destrozaron la noción de que el bajo era simplemente un instrumento de fondo.

A pesar de su forma de tocar llamativa y técnicamente destacable, Jaco Pastorius también fue un colaborador notable. Desde mediados de los años setenta hasta los años ochenta, llevó su revolucionario enfoque de las cuatro cuerdas a una variedad de artistas, desde Pat Metheny hasta Jimmy Cliff. Su colaboración más famosa fue con Joni Mitchell, donde se adaptó perfectamente a su composición cada vez más aventurera en álbumes como “Hejira”. La propia Mitchell se maravilló de su interpretación intuitiva y dijo: “Fue como si lo hubiera soñado, porque no tuve que darle ninguna instrucción. Podría simplemente dejarlo libre y dar un paso atrás y celebrar sus decisiones”.

Larry Graham

Larry Graham, un miembro destacado de Sly and the Family Stone, es conocido por popularizar la técnica del slap-bass. Este enfoque distintivo para tocar el bajo es evidente en canciones exitosas como “Thank You (Falettinme Be Mice Elf Agin)” y “Dance to the Music”. El viaje de Graham hacia esta técnica icónica comenzó mientras tocaba en un trío con su madre en San Francisco.

Cuando el baterista del trío decidió irse, Larry Graham se encontró en una situación única. Para compensar la ausencia de bombo, comenzó a “golpear” las cuerdas del bajo con el pulgar. Para replicar el ritmo de la caja, “punteó” las cuerdas con los dedos. Este enfoque innovador para tocar el bajo condujo a la creación del inconfundible estilo «thumpin’ and pluckin'», que desde entonces se ha convertido en un sello distintivo de la forma de tocar de Larry Graham.

Esta técnica no sólo revolucionó el papel del bajo en la música popular sino que también tuvo un profundo impacto en la mezcla de canciones. Brian Eno notó el cambio y afirmó que los discos de los años cincuenta presentaban de manera prominente información melódica mientras relegaban los elementos rítmicos a una posición más tranquila. Sin embargo, con la aparición de Sly and the Family Stone, incluido Larry Graham, como se ve en el álbum «Fresh», los instrumentos rítmicos, particularmente el bombo y el bajo, ganaron una nueva prominencia en la mezcla. La explicación de Graham fue simple: tocar con tanta fuerza aseguraba que «los bailarines simplemente no se esconderían».

La influencia de Larry Graham se extendió a leyendas futuras como Prince, un amigo cercano y colaborador frecuente, quien una vez se refirió a Graham como «mi maestro».

Verdine White

El bajista Verdine White se convirtió en una parte integral de la banda estadounidense multigénero Earth, Wind & Fire cuando su hermano, Maurice White, lo invitó a unirse al grupo en 1970. Las habilidades del bajo de Verdine se perfeccionaron bajo la tutela de Louis Satterfield, a menudo descrito como «el James Jamerson de Chicago» y se inspiró en grandes del jazz como Ron Carter y Richard Davis.

Las contribuciones de Verdine White a los millones de álbumes vendidos de Earth, Wind & Fire fueron nada menos que espectaculares. Si bien el grupo era conocido por sus rápidos cortes de baile, la interpretación de Verdine realmente brilló en las baladas. Su trabajo de bajo en canciones como el estruendo inicial de “Can’t Hide Love”, las carreras de ataque en “Love’s Holiday” y los ágiles riffs en “After the Love Has Gone” mostraron su versatilidad y musicalidad.

Incluso en temas dinámicos, Verdine White dejó una impresión duradera con sus dinámicas líneas de bajo. Escucha su electrizante interpretación en “Beijo (Interlude)”, donde hizo que las notas temblaran y gimieran, añadiendo una dimensión única a la música. A pesar de sus extraordinarias habilidades, White se mantuvo modesto en las entrevistas, atribuyendo gran parte de su éxito a complementar al cantante y asegurarse de que su forma de tocar el bajo mejorara la experiencia musical general.

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Ron Carter

Ron Carter ha sido una piedra angular de la intersección del jazz y el hip-hop. Así, Q-Tip ha expresado «En el bajo, ese es mi hombre, Ron Carter». Con una carrera que abarca más de 60 años, las notables contribuciones de Carter le han valido un récord mundial Guinness por ser el bajista con más grabaciones en la historia del jazz, con más de 2200 créditos a su nombre hasta el otoño de 2015.

El repertorio de Carter es tan diverso como extenso. Fue una parte fundamental del quinteto de Miles Davis de los años sesenta, que jugó un papel fundamental en la remodelación del panorama del jazz. Su capacidad para proporcionar la base rítmica y musicalidad perfectas es evidente en grabaciones clásicas junto a artistas como Roberta Flack y Aretha Franklin. Además, creó magistralmente la base rítmica para el pionero de la bossa nova Antônio Carlos Jobim e incluso dio nueva vida a las obras de Bach.

Ya sea actuando en un dúo discreto o en una big band animada, Ron Carter siempre aporta un toque de pura clase al escenario. Colaboradores como Pat Metheny han elogiado a Carter, describiéndolo como «uno de los músicos que escuchan más consumadamente». Su capacidad para adaptarse a innumerables escenarios musicales únicos mientras se mantiene fiel a su identidad musical distintiva es un testimonio de su brillantez y versatilidad.

Geddy Lee

Geddy Lee, el maestro multitarea del mundo del bajo, alcanzó un estatus legendario como líder de Rush. En el escenario, manejaba hábilmente las tareas del bajo además de tocar teclados y sintetizadores controlados con el pie. Además, de su temeraria destreza vocal mostró aún más su increíble talento. Sin embargo, es su forma de tocar el bajo lo que realmente solidificó su lugar como ícono en el mundo del rock progresivo.

El trabajo de bajo de Geddy Lee se caracteriza por su dureza, sonido vigoroso y agilidad impresionante, adornado con la cantidad justa de estilo temerario. Se le considera uno de los vínculos esenciales entre los bajistas pioneros de los años sesenta, como Jack Bruce y John Entwistle, y los innovadores de los noventa, como Les Claypool y Tim Commerford de Rage Against the Machine.

A lo largo de las distintas épocas de la música de Rush, el bajo de Geddy Lee añadió valor, estilo y un toque inesperado de funk. Ya sea en álbumes de alto progreso de los setenta como “A Farewell to Kings”, en joyas de los ochenta influenciadas por la New Wave como “Grace Under Pressure” o en esfuerzos estilizados y contundentes de los noventa como “Counterparts”, sus imaginativas líneas de bajo actuaron como ganchos. Sus notables contribuciones al catálogo de Rush han dejado un impacto duradero en el mundo de la música rock con visión de futuro.

Algunas de las partes de bajo más destacadas de Geddy Lee incluyen el puntal fuera de lugar que abre “Cygnus X-1 Book I: The Voyage”, el riff de puente nervudo de 7/4 en “Tom Sawyer” y el esbelto vampiro dance-pop de “Scars”. Estas líneas de bajo proporcionaron la base para la música de Rush y también actuaron como motivos musicales distintivos y memorables por derecho propio.

La admiración de Les Claypool por Geddy Lee

Les Claypool, bajista de la icónica banda Primus, expresó una vez su admiración por Geddy Lee, afirmando: «Él fue quien cuando yo tenía 14 años pensé: ‘Vaya, seguro que me gustaría hacer esos sonidos.» Todavía estoy intentando hacer eso”. Este sentimiento resalta la influencia duradera del trabajo de bajo de Geddy Lee, que inspira a generaciones de aspirantes a bajistas a explorar el potencial expresivo del instrumento.

Flea

Flea, cuyo nombre real es Michael Balzary, es el bajista irreemplazable de Red Hot Chili Peppers, una banda que ha visto una puerta giratoria de bateristas y guitarristas desde su creación en 1983. Su magia en el bajo es la base del sonido distintivo de los Chili Peppers. una mezcla embriagadora de punk, funk y psicodelia.

Influenciado por su padrastro músico de jazz durante sus años de formación, Flea inicialmente aspiraba a ser trompetista de jazz. Sin embargo, su espíritu adolescente rebelde lo llevó por el camino del punk rock, donde encontró su verdadera vocación como bajista. Su estilo icónico, caracterizado por bofetadas y melodías conmovedoras inspiradas en Bootsy Collins, ha dejado una marca indeleble en el repertorio de la banda.

Más allá de los Chili Peppers, el viaje musical de Flea ha sido diverso. Contribuyó con su talento al álbum debut de Mars Volta, “De-Loused in the Comatorium”, y colaboró ​​con Thom Yorke en la formación de Atoms for Peace, mostrando su notable versatilidad.

Anthony Kiedis, el líder de los Chili Peppers, declaró una vez: «Los Red Hot Chili Peppers son Flea». Esta declaración resume la verdad de que la presencia y el arte de Flea son parte integral de la existencia de la banda. Su sonido terroso y tremendamente carismático sigue siendo la piedra angular del atractivo perdurable de los Chili Peppers, asegurando que su legado como uno de los bajistas más emblemáticos del rock perdure.

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Phil Lesh

Cuando se trata de reinventar el papel del bajo en la música rock, Phil Lesh, fundador y bajista de Grateful Dead desde hace mucho tiempo, se destaca como un pionero. El viaje musical de Lesh comenzó con experiencia en música clásica y experimental, mientras tocaba la trompeta y el violín durante sus años de escuela secundaria. Sin embargo, su vida daría un giro diferente cuando le pidieron que se uniera a los Warlocks, la primera encarnación de Grateful Dead.

El enfoque de Phil Lesh hacia el bajo era todo menos convencional. Eligió romper con los clichés estándar del bajo andante que prevalecían en ese momento. En sus propias palabras, “no pensé que eso sería adecuado para la música que haría con Jerry; simplemente para hacer algo que alguien más había hecho”. La visión única de Lesh era “tocar el bajo y liderar al mismo tiempo”, una técnica que implicaba que sus notas se movieran dentro y alrededor de la estructura melódica.

Este enfoque distintivo del bajo se convirtió en un sello distintivo del sonido de Grateful Dead, tan reconocible como la forma de tocar la guitarra de Jerry García. Las innovadoras y poco convencionales líneas de bajo de Lesh se pueden escuchar en grabaciones de estudio como “Truckin’”, “Shakedown Street” y “Cumberland Blues”. Sin embargo, es en las presentaciones en vivo de canciones como “Scarlet Begonias” y “Eyes of the World” donde realmente brilla el trabajo de bajo de Lesh. En particular, el espectáculo de Cornell 1977 se celebra por capturar la esencia del arte del bajo de Lesh.

Paul McCartney

Paul McCartney es a menudo elogiado por su talento excepcional como cantante, compositor e intérprete en vivo. Sin embargo, hay un aspecto de su destreza musical que a veces se subestima: sus notables habilidades como bajista. El viaje de McCartney con el bajo comenzó por necesidad durante los primeros días de los Beatles.

En 1961, después de que Stu Sutcliffe dejara la banda en Hamburgo, McCartney se encontró tomando el bajo a regañadientes. Recordó con humor la situación y afirmó: “Existe la teoría de que maliciosamente saqué a Stu del grupo para conseguir la cátedra de bajo. ¡Olvídalo! Nadie quiere tocar el bajo, o nadie lo quería en aquella época”. A pesar de su reputación menos glamorosa, McCartney hizo suyo el bajo, pasando de su Hofner a un Rickenbacker a medida que las aventuras de estudio de los Beatles se expandían a finales de los años 60.

Evolución del bajo de Paul McCartney

El bajo de McCartney exhibió una notable versatilidad. Sirvió como base estable y confiable en canciones como “Lucy in the Sky With Diamonds” y “Dear Prudence”. Sin embargo, su bajo no quedó simplemente relegado a un papel secundario; a menudo asumía el papel de un colorido personaje principal por derecho propio. Temas como “Paperback Writer”, “Rain” y “A Day in the Life” mostraron la capacidad de McCartney para transmitir una sensación de anhelo, emoción y aventura a través de sus líneas de bajo melódicas.

Gran parte del estilo de bajo de McCartney en esta época tenía una deuda con James Jamerson, famoso por Motown, a quien a menudo citaba como una influencia significativa en su forma de tocar el bajo. El viaje musical de McCartney se extendió más allá de los años 60 y realizó una transición perfecta a la era disco con canciones como “Silly Love Songs” y “Goodnight Tonight”. A lo largo de su carrera, incluso cuando su interés por el bajo pudo haber fluctuado, McCartney continuó inspirando a generaciones de aspirantes a bajistas, demostrando el potencial expresivo de una gran línea de bajo.

Willy Dixon

Willie Dixon es celebrado como una de las figuras más influyentes en la historia de la música blues. Sus contribuciones se extienden mucho más allá de su propia carrera de blues, ya que sus canciones fueron interpretadas por leyendas del blues como Howlin’ Wolf y Muddy Waters. Sin embargo, el papel de Dixon en la configuración del panorama de la música rock es una parte importante de su legado perdurable.

Dixon no sólo fue un prolífico compositor sino también un bajista que desempeñó un papel fundamental en las primeras grabaciones de rock. Prestó sus habilidades de bajo a las grabaciones de artistas icónicos como Chuck Berry y Bo Diddley. Además, las propias composiciones de Dixon, incluidas “I Can’t Quit You Baby” y “I Ain’t Superstitious”, han sido versionadas por una amplia gama de músicos, desde Led Zeppelin hasta Megadeth. El viaje de Dixon con el bajo comenzó con orígenes humildes, usando un “bajo de hojalata” antes de ahorrar para comprar un bajo vertical. Su dedicación para dominar el instrumento fue evidente mientras equilibraba su tiempo entre el boxeo, el trabajo y la música.

Dixon aprendió de los músicos locales Baby Doo Caston y Hog Mason, y finalmente desarrolló su estilo de bajo único y que define el género. Cuando Chuck Berry interpretó inicialmente a Dixon la canción que se convertiría en «Maybellene», Dixon sintió que tenía demasiada influencia country y occidental. Vio la oportunidad de infundirle una actitud de blues, transformándolo en un clásico del rock & roll.

La influencia de Dixon

La influencia de Dixon se extendió más allá de la música misma; su impacto en músicos y bandas, como los Rolling Stones, fue inconmensurable. Bill Wyman, el bajista de los Stones, declaró una vez: “Willie Dixon es la principal -influencia para mí-“. El profundo efecto de Dixon en la evolución de la música, particularmente en el rock y el blues, solidificó su lugar como bajista y compositor legendario. Su habilidad para combinar elementos de blues con rock sentó las bases de innumerables himnos icónicos del rock ‘n’ roll.

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John Paul Jones

Aunque Led Zeppelin parecía surgir de la nada, completamente formado, a finales de los años sesenta, tanto el guitarrista Jimmy Page como el bajista y teclista John Paul Jones tenían años de sesiones tocando a sus espaldas. Inspirándose en los discos de Motown y en bajistas de jazz como Charles Mingus, Jones tocó en grabaciones de Donovan, Jeff Beck y Dusty Springfield, entre otros, y arregló las cuerdas para “She’s a Rainbow” de los Rolling Stones.

Entonces, cuando llegó el momento de tocar las lentas líneas principales de “Dazed and Confused” y “What Is and What Should Never Be” o los ritmos cargados de “Immigrant Song” y “The Song Remains the Same”, en armonía con Page: fue muy fácil. Su sentido de la musicalidad también lo guiaría mucho más allá de su etapa en Led Zeppelin. “John desafía a todos en silencio”, dijo Dave Grohl cuando tocaba con Jones en Them Crooked Vultures. “Su presencia te hace tocar lo mejor que puedas, porque no quieres decepcionarlo. Y si puedes seguir el ritmo, lo estás haciendo bien”.

Stanley Clarke

Stanley Clarke es un bajista cuya carrera encarna la fusión del rock y el jazz, revolucionando el papel del bajo en estos géneros. Clarke inicialmente comenzó su viaje musical como contrabajista con aspiraciones en la música clásica. Fue su encuentro con Chick Corea durante un concierto lo que lo llevó en una nueva dirección.

Clarke y Corea formaron Return to Forever, uno de los grupos de jazz más destacados de la década de 1970. En esta banda, Clarke encontró una plataforma para anclar los graves de la música y emerger como solista estrella. Sus primeros álbumes en solitario, incluido “School Days”, mostraron su transición al funk y resaltaron su asombrosa habilidad técnica mientras mantenía un fuerte sentido del ritmo.

Las contribuciones de Stanley Clarke se extendieron más allá de la música cuando se aventuró en el ámbito de la música para cine y televisión. Su influencia resonó en músicos de las nuevas generaciones, y artistas como Thundercat reconocieron la importancia de Stanley Clarke como punto de referencia de lo que se puede lograr con el bajo. Thundercat dijo una vez: «Doy gracias a Dios que hubo un Stanley Clarke como marco de referencia de lo que es posible con el bajo».

El impacto de Clarke en el bajo no se limitó a su interpretación excepcional; rompió moldes creando su propia banda y saltando a la fama como un virtuoso del bajo. Como dijo una vez: “Antes de que yo llegara, muchos bajistas estaban atrás. Eran tipos muy tranquilos que no parecían escribir música. Pero muchos de esos bajistas eran músicos serios. Todo lo que hice fue dar el paso y crear mi propia banda”.

Charlie Haden

l impacto de Charlie Haden en el mundo del jazz es inconmensurable. Su capacidad para infundir incluso los estilos musicales más contemporáneos con una calidad atemporal es lo que lo distingue. Uno puede ser testigo de esto en la icónica apertura de “Lonely Woman”, una canción del innovador álbum de 1959 de Ornette Coleman. La melodía del bajo de Haden, acompañada por el platillo ride de doble tiempo de Billy Higgins, crea una sensación de atemporalidad, arraigando la música como raíces en la tierra.

El viaje musical de Charlie Haden comenzó en Iowa, donde creció cantando canciones country en el programa de radio de su familia. Fue una actuación del legendario Charlie Parker la que encendió su pasión por el jazz. Al mudarse a Los Ángeles para asistir a la universidad a fines de la década de 1950, Haden se cruzó con Ornette Coleman, el saxofonista que llevaría el jazz a su próxima frontera radical.

Haden se convirtió en una parte integral de la visión de Coleman, brindando fuerza y ​​elevación a las bandas en vivo y de estudio, incluido un concierto memorable de 1968 en el que respaldaron a Yoko Ono. También llevó la antorcha Coleman en varios proyectos satélite como Old y New Dreams, mostrando su versatilidad y capacidad para adaptarse a diferentes contextos musicales.

La influencia de Charlie Haden

La influencia de Charlie Haden se extendió a todos los rincones del jazz abierto y con visión de futuro. Colaboró ​​con artistas de renombre como Pat Metheny, Keith Jarrett y Alice Coltrane. Su proyecto impulsado políticamente, la Liberation Music Orchestra, reflejó su compromiso de utilizar la música como vehículo de cambio. El trío cálido y empático de Haden con Ginger Baker y Bill Frisell mostró su capacidad para conectarse con otros músicos a un nivel profundo.

Su gama musical era amplia y trabajó a la perfección con artistas de diferentes géneros, incluidos Ringo Starr, KD Lang e incluso su hijo y sus hijas trillizas. Ornette Coleman capturó acertadamente la esencia de la música de Charlie Haden cuando escribió: “Charlie Haden toca para la existencia del oyente”, convirtiéndolo en un verdadero gurú musical.

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Donald “Duck” Dunn

Donald “Duck” Dunn, nativo de Memphis, se ganó su apodo mientras veía dibujos animados de Disney con su padre, un apodo que lo acompañaría durante toda su vida. Aunque no era miembro original de la influyente banda house de Stax, Booker T. and the MG’s, Dunn asumió las funciones de bajo de Lewie Steinberg en 1964 e impulsó al grupo a nuevas alturas.

Su paso por la banda coincidió con la creación de discos fundamentales de soul sureño de artistas como Otis Redding, Wilson Pickett y Sam and Dave. El bajo de Dunn se adaptaba perfectamente al sonido en evolución de la banda, caracterizado por una mayor agresividad y síncopa. Desempeñó un papel fundamental en la capacidad de la banda para dominar varios estilos, incluidas baladas pop urbanas, mezclas de country-soul y soul dinámico con infusión de gospel.

Escuche la línea de bajo silenciosamente descendente de Dunn en la versión instrumental de MG de “When Something Is Wrong With My Baby” de Sam y Dave o el contagioso puntal que abre “(Sittin’ on) the Dock of the Bay” de Otis Redding. Su contribución a la banda fue monumental y, como reconoció una vez Bootsy Collins, fue un «ladrillo en nuestra base musical».

El notable trabajo de Donald “Duck” Dunn se extendió más allá de Stax, ya que colaboró ​​con una variedad de leyendas del rock y el pop, incluidos Eric Clapton, Stevie Nicks, Bill Withers y Neil Young. Sin embargo, fue su influyente trabajo con Booker T., Steve Cropper y Al Jackson el que verdaderamente redefinió la música popular. Como dijo acertadamente Peter Frampton: «Dunn escribió el libro sobre el bajo de R&B».

Robbie Shakespeare

Robbie Shakespeare, en colaboración con su compañero rítmico Sly Dunbar, dejó una huella imborrable en el mundo del reggae. Su sonido inmediatamente reconocible y su estilo único los distinguieron a principios de los años 1970. Sly Dunbar, reflexionando sobre su primer encuentro, mencionó que fue la plenitud del bajo de Robbie Shakespeare lo que llamó su atención.

Los dos músicos colaboraron con todos los artistas importantes de la era dorada del reggae, contribuyendo con su base fluida y melódica pero inquebrantablemente sólida a álbumes clásicos como “Two Sevens Clash” de Culture y “Equal Rights” de Peter Tosh. Su dominio del género dub se hizo evidente en su capacidad para crear un paisaje sonoro espacioso y rítmico, que se convirtió en un sello distintivo de su música.

A medida que el reggae evolucionó hacia el dancehall en la década de 1980, Sly y Robbie se adaptaron perfectamente al contexto digital, preservando la sensación orgánica de su música. Su versatilidad trascendió las fronteras del reggae y jugaron un papel esencial en álbumes de rock y pop de artistas como Grace Jones, Talking Heads, Bob Dylan, Mick Jagger y muchos otros. La influencia de Sly y Robbie en la escena musical mundial fue inconmensurable y desempeñaron un papel fundamental en la configuración del sonido de Jamaica y en compartirlo con el mundo.

Chris Squire

A lo largo de las décadas, Yes sufrió varios cambios en su formación, pero se mantuvo una constante: el bajista Chris Squire. Squire fue la base del sonido de Yes y sus contribuciones al mundo del rock progresivo fueron monumentales. Inspirado por bajistas como Jack Bruce, John Entwistle y Paul McCartney, Squire desarrolló un tono distintivo y melódico que se convirtió en la fuerza impulsora detrás de la música de Yes.

Su trabajo de bajo impulsó a Yes a través de las intrincadas composiciones de la década de 1970, con clásicos como “Close to the Edge” y “Awaken”. En la década de 1980, jugó un papel esencial en la transición de Yes hacia el pop con éxitos como “Owner of a Lonely Heart”. Rick Wakeman, ex teclista de Yes, describió el bajo de Squire como llevar «el arte de convertir un bajo en un instrumento principal a otra estratosfera».

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Otros grandes bajistas

En el panteón de bajistas legendarios, la lista se extiende a lo largo y ancho, mostrando la notable diversidad de talentos dentro de este rol musical esencial. Entre estos nombres ilustres, Rick Danko de The Band se destaca como una figura conmovedora y versátil, conocida por sus líneas de bajo melódicas y emotivas que ayudaron a definir el género americano.

Geezer Butler, la potencia detrás del sonido icónico de Black Sabbath, aportó una dimensión oscura y atronadora al heavy metal con sus atronadores riffs de bajo. El ritmo impecable de Bill Wyman contribuyó significativamente al legado perdurable de los Rolling Stones, y el virtuosismo y el estilo innovador de Cliff Burton revolucionaron el metal con Metallica.

El virtuoso del jazz Richard Davis, el maestro latino Israel Cachao López y el profundamente maravilloso Aston “Family Man” Barrett de Bob Marley’s Wailers, junto con una serie de otras luminarias en esta lista, han dejado una huella indeleble en el mundo de la música. demostrando la creatividad ilimitada que se puede lograr a través del bajo.

Reflexiones finales sobre los mejores bajistas de todos los tiempos

Estos bajistas representan un tapiz diverso de talento e innovación en el mundo del bajo. Sus contribuciones no sólo han elevado el papel del bajo sino que también han dejado una huella duradera en la historia de la música. Cada uno de estos bajistas, a su manera, ha ampliado las posibilidades de lo que se puede lograr con las cuatro cuerdas, remodelando géneros e inspirando a generaciones de músicos. Sus legados siguen resonando y nos recuerdan el profundo impacto que los bajistas han tenido en la evolución de la música popular.

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