Les meilleurs bassistes de tous les temps

Ce sont les meilleurs bassistes de tous les temps compte tenu de leur impact sur la musique, y compris des virtuoses comme Jaco Pastorius et d’autres moins virtuoses mais de grands musiciens comme Paul McCartney.

Principaux bassistes de l’histoire et leur importance

Le monde de la musique a été façonné et transformé par les contributions d’innombrables musiciens de divers genres. Même si les guitaristes et les chanteurs revendiquent souvent la vedette, il est essentiel de reconnaître le rôle fondamental des bassistes dans la création de la structure rythmique et harmonique des chansons. Comme l’a dit la légendaire musicienne de session Carol Kaye, la basse est la base, travaillant en collaboration avec le batteur pour établir le rythme et fournissant un cadre pour le reste des éléments musicaux.

Une ligne de basse remarquable a une qualité unique ; Cela ressemble à un mantra qui pourrait durer indéfiniment, devenant plus profond à chaque écoute. Si les guitaristes, chanteurs et trompettistes peuvent profiter des moments les plus marquants d’une composition, c’est le bassiste qui apporte quelque chose d’élémentaire, une partie qui reste gravée dans l’esprit de l’auditeur longtemps après que la musique s’estompe.

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Le rôle sous-estimé de la basse

Cependant, c’est une triste réalité : les bassistes sont souvent négligés et sous-évalués, même au sein de leurs propres groupes. Comme Paul McCartney l’a un jour réfléchi à propos de sa transition vers la basse dans les Beatles : Ce n’était pas le travail numéro un ; Personne ne voulait jouer de la basse, ils voulaient être devant. Cependant, la basse a sa riche et fière tradition dans la musique populaire, couvrant un large éventail de styles et de genres. De la virtuosité de Jimmy Blanton dans l’orchestre de Duke Ellington aux innovations bebop d’Oscar Pettiford, et de l’éclat du jazz de Charles Mingus et Ron Carter à la magie de studio de Carol Kaye et James Jamerson, la basse a laissé une marque indélébile sur la musique.

Dans cette exploration, nous rendrons hommage aux plus grands bassistes de tous les temps, des personnes qui ont non seulement maîtrisé leurs instruments mais qui ont également repoussé les limites de ce qu’un bassiste peut réaliser. Bien que cette liste ne constitue pas une tentative de classement en fonction de capacités objectives, elle sert à reconnaître les bassistes qui ont eu l’impact le plus direct et le plus visible sur l’élaboration des fondements mêmes de la musique populaire au cours du siècle dernier.

Les meilleurs bassistes de tous les temps

• James Jamerson
• Charles Mingus
• John Entwistle
• Bootsy Collins
• Carol Kaye
• Les Claypool
• Jack Bruce
• Jaco Pastorius
• Larry Graham
• Verdine White
• Ron Carter
• Geddy Lee
• Flea
• Phil Lesh
• Paul McCartney
• Willie Dixon
• John Paul Jones
• Stanley Clarke
• Charlie Haden
• Donald “Duck” Dunn
• Robbie Shakespeare
• Chris Squire

James Jamerson

James Jamerson est une figure emblématique du monde de la basse. Ancrant la section rythmique de la Motown, il a élargi les possibilités des bassistes tout en restant relativement anonyme, car les musiciens de session étaient rarement crédités sur les enregistrements de la Motown dans les années 1960. James Jamerson est devenu mon héros, a commenté Paul McCartney, même si je n’ai connu son nom que très récemment. récemment.

À une époque où la basse était souvent considérée comme un instrument de soutien utilitaire, Jamerson a osé repousser les limites. Il a injecté de la syncope dans ses lignes de basse, ajouté des accords complexes qui ont introduit une profondeur et une complexité mélodiques et fait des choix tonals qui évoquaient les harmonies de la musique gospel. Ses contributions aux disques emblématiques de la Motown sont trop nombreuses pour être répertoriées de manière exhaustive, mais quelques exemples notables incluent My Girl de The Temptations, qui présente l’une des parties de basse les plus reconnaissables et instantanément gratifiantes de l’histoire de la pop. Sur I Heard It Through the Grapevine de Gladys Knight, la basse de Jamerson offre un contrepoint doux et bouillonnant au piano nerveux.

Sa plus grande réussite a peut-être été What’s Going On de Marvin Gaye, où la ligne de basse de Jamerson a atteint un niveau de brillance hyper-mélodique.

L’héritage de James Jamerson est incommensurable et son influence a trouvé un écho auprès de générations de bassistes. Il a transformé le rôle de la basse, l’élevant d’un instrument de soutien à une voix principale dans le son Motown.

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Charles Mingus

Charles Mingus, musicien polyvalent connu pour ses prouesses en tant que bassiste, a transcendé les frontières traditionnelles. Il n’était pas seulement un bassiste ; Il était compositeur, conceptualiste, violoncelliste de formation classique et critique social. Parfois, sa polyvalence dans d’autres domaines de la musique éclipse ses contributions notables à la basse.

Au centre des créations musicales de Mingus se trouvait une dynamique rythmique inébranlable qui coulait entre ses doigts, résonnait à travers les cordes et propulsait ses groupes vers l’avant. L’écouter jouer des compositions comme II BS et Better Get Hit in Your Soul, aux côtés de son âme sœur musicale, le batteur Dannie Richmond, révèle la force et la grâce de son jeu de basse. Il avait la capacité unique d’insuffler à ses lignes de walking bass une immense puissance et une agilité agile.

La carrière de Mingus s’étend sur plusieurs époques du jazz et il refuse de se laisser limiter par les frontières stylistiques. Qu’il joue avec le Lionel Hampton Big Band à la fin des années 1940, qu’il joue avec d’autres sommités du Bebop dans les années 1950 ou qu’il s’engage dans des dialogues de percussions animés avec son idole musicale, Duke Ellington, dans les années 1960, Mingus a constamment repoussé les limites de ce que la basse pourrait atteindre.

Son influence s’étend au-delà du jazz, comme en témoigne sa collaboration avec Joni Mitchell et son impact sur des légendes du rock telles que Jack Bruce et Charlie Watts. Tout au long de sa vie, Mingus a protesté avec véhémence contre les tentatives visant à limiter ou à sous-évaluer son art, déclarant : « Je ne veux pas de ces foutues enquêtes. Je sais quel genre de bassiste je suis.

L’héritage de Charles Mingus en tant que bassiste et compositeur perdure, et son approche innovante de la basse continue d’inspirer les musiciens de tous horizons.

John Entwistle

John Entwistle, le bassiste de The Who, a gagné le surnom approprié de Thunderfingers en raison du son extraordinaire qu’il a extrait de sa basse. Jouant aux côtés d’artistes flamboyants comme Keith Moon et Pete Townshend, Entwistle a relevé le défi d’être entendu sur la même scène. Cependant, il s’est montré à la hauteur avec une fluidité et une grâce remarquables, créant un style de basse vraiment unique.

Entwistle a abordé la basse comme s’il s’agissait d’un instrument principal, ce qui la rend aussi importante que n’importe quelle guitare dans le paysage sonore de The Who. Son épais solo de basse sur My Generation a servi de source d’inspiration à d’innombrables bassistes en herbe, même si imiter sa technique s’est avéré être une tâche presque impossible.

Geddy Lee de Rush a bien résumé l’impact d’Entwistle en déclarant qu’Entwistle était sans doute le plus grand bassiste de rock de tous, osant prendre le rôle et le son de la basse et les sortir des profondeurs troubles tout en se pavanant avec ces incroyables compétences.

L’héritage de John Entwistle en tant que bassiste rock est indéniable et son approche innovante de l’instrument a laissé une marque indélébile sur le monde de la musique.

Bootsy Collins

Bootsy Collins, connu sous divers pseudonymes tels que Bootzilla, Casper the Friendly Ghost et The World’s Only Rhinestone Rock Star Doll, Baba, a redéfini la soul et la funk bass dans les années 1970, influençant par la suite les domaines du rap et de la pop dans les décennies 1980 et 1990.

Collins a fait sa marque lorsqu’il a rejoint le groupe d’accompagnement de James Brown, les JB’s, en 1970. Il a immédiatement adopté le concept de Brown’s The One, jouant le premier temps de chaque mesure musicale avec une force maximale et insufflant au reste un funk contagieux. Collins a ensuite étendu ce concept à un pays des merveilles surréaliste lorsqu’il a rejoint le collectif musical de George Clinton. Ses lignes de basse douces et infusées de wah-wah ont ajouté une dimension distinctive au son de Parliament et Funkadelic.

En tant que soliste devant Bootsy’s Rubber Band, Collins portait des lunettes de soleil en forme d’étoile, jouait de la basse en forme d’étoile et interprétait des chansons d’amour caricaturales avec un enthousiasme sans limite. Son influence résonne dans le jeu d’innombrables bassistes, de Flea des Red Hot Chili Peppers aux disques samplés par Dr. Dre pour créer le son G-Funk.

George Clinton a mieux résumé la situation lorsqu’il a déclaré : Bootsy est arrivé et tout ce qu’il a ajouté… c’est l’accent mis sur un seul. Vous pourriez ajouter cela à « The ABC’s » et ce serait du funk en deux secondes. Et à partir de là, tout ce que nous faisions était vraiment funky, peu importe à quel point nous essayions d’être pop.

L’héritage de Bootsy Collins est celui d’une innovation funkadélique, un témoignage de la façon dont un bassiste peut redéfinir les genres et mettre le rythme au premier plan de la musique.

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Carol Kaye

Carol Kaye, une bassiste prolifique qui a d’abord perfectionné ses compétences dans les clubs de jazz des années 1950, est devenue une guitariste de studio réputée, contribuant aux succès d’artistes tels que Sam Cooke.

Kaye a la particularité d’être la bassiste la plus enregistrée de tous les temps, avec son nom attaché à plus de 10 000 titres. Leur influence s’étend sur un large éventail de styles musicaux, du swing optimiste de la chanson Help Me, Rhonda des Beach Boys de 1965 à l’interprétation désormais classique de Richie Valens de La Bamba en 1958, en passant par l’interprétation romantique de 1967 de Somethin’ Stupid de Frank et Nancy Sinatra.

Mais l’impact de Kaye ne s’arrête pas là. Il a laissé une marque indélébile sur le monde du cinéma et des émissions de télévision, fournissant la merveilleuse épine dorsale des chansons thématiques d’émissions emblématiques comme Batman et Mission : Impossible. Son intuition unique guide son jeu de basse, lui permettant d’imaginer un rôle plus dynamique pour l’instrument. Comme elle l’a dit un jour, j’étais guitariste et je me suis dit : « Mon Dieu, c’est une simple ligne de basse ». Je pensais que les basses pourraient bouger davantage et que la musique sonnerait mieux.

Ses collaborateurs vedettes, dont Brian Wilson, ont reconnu la magie de son son et de son expérience sur le manche, élevant son son de basse dans leurs mixages. Sur des chansons comme California Girls, sa basse occupe le devant de la scène, témoignage de ses contributions sonores uniques.

Les Claypool

Les Claypool est un virtuose de la basse qui s’est imposé comme une figure de proue de la scène musicale de la Bay Area de la fin des années 80, dominée par les bassistes thrash-funk. Ce qui distingue Claypool, c’est son approche innovante de la basse, la traitant non seulement comme un instrument rythmique mais comme un instrument solo qui propulse la musique vers l’avant.

Le style unique de Claypool intègre un large éventail de techniques, du tapotement hyperactif du manche gauche au grattage ultra-rapide. Il a adopté une technique de sélection à trois doigts, se différenciant de la norme à deux doigts par une plus grande vitesse et précision.

Son jeu de basse s’inspire de diverses sources, combinant des influences allant de Captain Beefheart à Bootsy Collins. Leur son éclectique complète leurs paroles excentriques et narratives, abordant souvent des thèmes tels que les félins mâles alpha, les pêcheurs mythiques et les paysans meurtriers.

La polyvalence de Claypool ne connaît aucune limite. Il intègre parfaitement des éléments allant des riffs métalliques aux ragas du Moyen-Orient dans ses lignes de basse. Son implication dans des supergroupes de jam-band tels que Oysterhead et Bucket of Bernie Brains du colonel Claypool a perfectionné ses compétences en improvisation. Sa collaboration actuelle avec Sean Lennon permet des explorations psychédéliques progressives et aventureuses.

Surtout, Les Claypool ont transformé le rôle de la basse, l’élevant d’un simple point d’ancrage à une force dynamique qui anime la musique. Son esprit novateur lui a valu l’admiration de ses collègues bassistes tels que Geddy Lee de Rush, qui reconnaît la sensibilité rythmique unique et le style distinctif de Claypool.

Jack Bruce

Jack Bruce, souvent éclipsé par Eric Clapton et Ginger Baker dans le légendaire groupe de rock Cream, a joué un rôle indispensable pour en faire un véritable power trio. Tandis que Clapton livrait des rythmes blues envoûtants et que Baker explorait de nouveaux territoires de jazz derrière son batteur, Bruce, qui était également le chanteur principal du groupe, ancré le groupe avec ses lignes de basse robustes.

Ce qui distinguait Jack Bruce, c’était sa capacité à faire de la basse un instrument affirmé et dynamique. Le bassiste de Black Sabbath, Geezer Butler, a un jour attesté de l’influence de Bruce en disant : Jack Bruce m’a définitivement ouvert les yeux sur ce qu’un bassiste pouvait faire en live. Je suis allé voir Cream principalement à cause de Clapton et j’ai été fasciné par la performance de Jack Bruce. Je ne savais pas qu’un bassiste pouvait faire ces choses, en prenant la place où se trouverait normalement la guitare rythmique.

Qu’il crée des lignes nerveuses et agitées sous la voix du groupe sur I Feel Free, qu’il harmonise brillamment sur Sunshine of Your Love ou qu’il ajoute son riff signature sous le travail de guitare de Clapton sur Strange Brew, la basse de Jack Bruce était tout simplement fascinante. Malgré sa stature, Bruce possédait un style de jeu monstrueux, faisant chanter sa basse avec mélodie et puissance.

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Jaco Pastorius

Jaco Pastorius, souvent surnommé « le plus grand bassiste du monde », a déclaré en 1974 avec audace sa suprématie au claviériste de Weather Report, Joe Zawinul, lors d’une réunion dans les coulisses. Alors que Zawinul s’est d’abord moqué des affirmations de Jaco, il n’a pas fallu longtemps pour que le monde soit témoin de son extraordinaire talent. Au moment où il a rejoint Weather Report, Pastorius les avait transformés en véritables superstars de la fusion.

Le premier album éponyme de Jaco en 1976 a marqué un moment charnière dans l’histoire de la basse électrique. Sur ce disque, il a joué sans effort du bebop à grande vitesse et a captivé les auditeurs avec ses harmoniques fascinantes. Il a introduit un nouveau standard de virtuosité à la basse électrique qui résonne encore aujourd’hui. Dans le même temps, son son fretless distinctif et son style confiant ont brisé l’idée selon laquelle la basse n’était qu’un instrument de fond.

Malgré son jeu saisissant et techniquement remarquable, Jaco Pastorius fut également un collaborateur notable. Du milieu des années 1970 jusqu’aux années 1980, il a apporté son approche révolutionnaire des quatre cordes à une variété d’artistes, de Pat Metheny à Jimmy Cliff. Sa collaboration la plus célèbre a été avec Joni Mitchell, où il convenait parfaitement à son écriture de plus en plus aventureuse sur des albums comme « Hejira ». Mitchell elle-même s’est émerveillée de sa performance intuitive, déclarant :  » C’était comme si j’en avais rêvé, parce que je n’avais pas besoin de lui donner d’instructions. Je pourrais simplement le libérer, prendre du recul et célébrer ses décisions. »

Larry Graham

Larry Graham, membre éminent de Sly and the Family Stone, est connu pour avoir popularisé la technique du slap-bass. Cette approche distinctive du jeu de basse est évidente dans des chansons à succès comme « Thank You (Falettinme Be Mice Elf Agin) » et « Dance to the Music ». Le parcours de Graham dans cette technique emblématique a commencé alors qu’il jouait en trio avec sa mère à San Francisco.

Lorsque le batteur du trio décide de partir, Larry Graham se retrouve dans une situation unique. Pour compenser l’absence de grosse caisse, il se met à « frapper » les cordes basses avec son pouce. Pour reproduire le rythme de la caisse claire, il « pinçait » les cordes avec ses doigts. Cette approche innovante du jeu de basse a conduit à la création du style inimitable « thumpin’ and pluckin’ », qui est depuis devenu une caractéristique du jeu de Larry Graham.

Cette technique a non seulement révolutionné le rôle de la basse dans la musique populaire, mais a également eu un impact profond sur le mixage des chansons. Brian Eno a noté le changement et a déclaré que les disques des années 1950 mettaient en évidence les informations mélodiques tout en reléguant les éléments rythmiques à une position plus calme. Cependant, avec l’émergence de Sly and the Family Stone, dont Larry Graham, comme on le voit sur l’album « Fresh », les instruments rythmiques, en particulier la grosse caisse et la basse, ont pris une nouvelle importance dans le mix. L’explication de Graham était simple : jouer si fort garantissait que « les danseurs ne se cacheraient tout simplement pas ».

L’influence de Larry Graham s’est étendue à de futures légendes telles que Prince, un ami proche et un collaborateur fréquent, qui qualifiait autrefois Graham de « mon professeur ».

Verdine White

Le bassiste Verdine White est devenu partie intégrante du groupe américain multi-genre Earth, Wind & Fire lorsque son frère, Maurice White, l’a invité à rejoindre le groupe en 1970. Les compétences de basse de Verdine ont été perfectionnées sous la tutelle de Louis Satterfield, souvent décrit comme « le James Jamerson de Chicago » et s’est inspiré de grands noms du jazz tels que Ron Carter et Richard Davis.

Les contributions de Verdine White aux millions de ventes d’albums de Earth, Wind & Fire ont été tout simplement spectaculaires. Alors que le groupe était connu pour ses morceaux de danse rapides, la performance de Verdine a vraiment brillé sur les ballades. Son travail de basse sur des chansons comme le grondement d’ouverture de « Can’t Hide Love », les attaques sur « Love’s Holiday » et les riffs agiles de « After the Love Has Gone » ont mis en valeur sa polyvalence et sa musicalité.

Même sur des morceaux dynamiques, Verdine White a laissé une impression durable avec ses lignes de basse dynamiques. Écoutez sa performance électrisante sur « Beijo (Interlude) », où il faisait trembler et gémir les notes, ajoutant une dimension unique à la musique. Malgré ses capacités extraordinaires, White est resté modeste dans les interviews, attribuant une grande partie de son succès au fait de compléter le chanteur et de veiller à ce que son jeu de basse améliore l’expérience musicale globale.

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Ron Carter

Ron Carter a été une pierre angulaire à l’intersection du jazz et du hip-hop. Ainsi, Q-Tip a exprimé « À la basse, c’est mon homme, Ron Carter ». Avec une carrière de plus de 60 ans, les contributions notables de Carter lui ont valu un record du monde Guinness pour être le bassiste le plus enregistré de l’histoire du jazz, avec plus de 2 200 crédits à son actif à l’automne 2015.

Le répertoire de Carter est aussi diversifié que vaste. Il était un élément clé du quintette de Miles Davis des années 1960, qui a joué un rôle clé dans la refonte du paysage du jazz. Sa capacité à fournir une base rythmique et une musicalité parfaites est évidente sur des enregistrements classiques aux côtés d’artistes tels que Roberta Flack et Aretha Franklin. Il a en outre créé de main de maître la base rythmique du pionnier de la bossa nova Antônio Carlos Jobim et a même donné une nouvelle vie aux œuvres de Bach.

Qu’il se produise dans un duo discret ou dans un big band animé, Ron Carter apporte toujours une touche de pure classe sur scène. Des contributeurs tels que Pat Metheny ont fait l’éloge de Carter, le décrivant comme « l’un des musiciens d’écoute les plus accomplis ». Sa capacité à s’adapter à d’innombrables contextes musicaux uniques tout en restant fidèle à son identité musicale distinctive témoigne de son génie et de sa polyvalence.

Geddy Lee

Geddy Lee, le maître multitâche du monde de la basse, a atteint le statut légendaire de leader de Rush. Sur scène, il s’acquittait habilement des tâches de basse en plus de jouer des claviers et des synthétiseurs contrôlés au pied. De plus, ses prouesses vocales imprudentes ont mis en valeur son incroyable talent. Cependant, c’est son jeu de basse qui a vraiment consolidé sa place d’icône dans le monde du rock progressif.

Le travail de basse de Geddy Lee se caractérise par sa ténacité, son son vigoureux et son agilité impressionnante, orné de juste ce qu’il faut de style casse-cou. Il est considéré comme l’un des liens essentiels entre les bassistes pionniers des années 60, comme Jack Bruce et John Entwistle, et les innovateurs des années 90, comme Les Claypool et Tim Commerford de Rage Against the Machine.

À travers les différentes époques de la musique de Rush, la basse de Geddy Lee a ajouté du courage, du style et une touche inattendue de funk. Que ce soit sur des albums high-prog des années 70 comme « A Farewell to Kings », des joyaux des années 80 influencés par la New Wave comme « Grace Under Pressure » ou des efforts stylisés et percutants des années 90 comme « Counterparts », ses lignes de basse imaginatives ont fait office de crochets. Ses contributions notables au catalogue de Rush ont laissé un impact durable sur le monde de la musique rock avant-gardiste.

Certaines des parties de basse les plus remarquables de Geddy Lee incluent la jambe de force décalée qui ouvre « Cygnus -pop de « Scars ». Ces lignes de basse constituent la base de la musique de Rush et constituent également des motifs musicaux distinctifs et mémorables à part entière.

L’admiration des Claypool pour Geddy Lee

Les Claypool, bassiste du groupe emblématique Primus, a un jour exprimé son admiration pour Geddy Lee, déclarant : « C’est lui qui, quand j’avais 14 ans, s’est dit : ‘Wow, j’aimerais bien faire ces sons.' » « J’essaie toujours de faire ça. » Ce sentiment met en évidence l’influence durable du travail de basse de Geddy Lee, inspirant des générations de bassistes en herbe à explorer le potentiel expressif de l’instrument.

Flea

Flea, de son vrai nom Michael Balzary, est le bassiste irremplaçable des Red Hot Chili Peppers, un groupe qui a vu une porte tournante de batteurs et de guitaristes depuis sa création en 1983. Sa magie de la basse est à la base du son distinctif du groupe. Poivrons. un mélange enivrant de punk, funk et psychédélisme.

Influencé par son beau-père musicien de jazz au cours de ses années de formation, Flea aspirait initialement à devenir trompettiste de jazz. Cependant, son esprit rebelle d’adolescent l’a conduit sur la voie du punk rock, où il a trouvé sa véritable vocation de bassiste. Leur style emblématique, caractérisé par des mélodies burlesques et émouvantes inspirées de Bootsy Collins, a laissé une marque indélébile sur le répertoire du groupe.

Au-delà des Chili Peppers, le parcours musical de Flea a été diversifié. Il a contribué ses talents au premier album de Mars Volta, « De-Loused in the Comatorium », et a collaboré avec Thom Yorke à la formation d’Atoms for Peace, démontrant sa remarquable polyvalence.

Anthony Kiedis, le leader des Chili Peppers, a déclaré un jour : « Les Red Hot Chili Peppers sont des puces ». Cette déclaration résume la vérité selon laquelle la présence et le talent artistique de Flea font partie intégrante de l’existence du groupe. Leur son terreux et extrêmement charismatique reste la pierre angulaire de l’attrait durable des Chili Peppers, garantissant la pérennité de leur héritage en tant que l’un des bassistes les plus emblématiques du rock.

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Phil Lesh

Lorsqu’il s’agit de réinventer le rôle de la basse dans la musique rock, le fondateur et bassiste de longue date de Grateful Dead, Phil Lesh, s’impose comme un pionnier. Le parcours musical de Lesh a commencé avec une expérience de la musique classique et expérimentale, alors qu’il jouait de la trompette et du violon pendant ses années de lycée. Cependant, sa vie allait prendre une tournure différente lorsqu’on lui demanda de rejoindre les Warlocks, la première incarnation des Grateful Dead.

L’approche de Phil Lesh envers la basse était tout sauf conventionnelle. Il a choisi de rompre avec les clichés standards de la walking bass qui prévalaient à l’époque. Selon ses propres mots : « Je ne pensais pas que cela conviendrait à la musique que je ferais avec Jerry ; juste pour faire quelque chose que quelqu’un d’autre avait fait. La vision unique de Lesh était de « jouer de la basse et du lead en même temps », une technique qui impliquait que ses notes se déplacent dans et autour de la structure mélodique.

Cette approche distinctive de la basse est devenue une caractéristique du son de Grateful Dead, aussi reconnaissable que le jeu de guitare de Jerry Garcia. Les lignes de basse innovantes et non conventionnelles de Lesh peuvent être entendues sur des enregistrements en studio tels que « Truckin’ », « Shakedown Street » et « Cumberland Blues ». Cependant, c’est dans les performances live de chansons comme « Scarlet Begonias » et « Eyes of the World » que le travail de basse de Lesh brille vraiment. En particulier, le spectacle de Cornell de 1977 est célébré pour avoir capturé l’essence du talent artistique de Lesh.

Paul Mccartney

Paul McCartney est souvent loué pour ses talents exceptionnels de chanteur, auteur-compositeur et interprète live. Il y a cependant un aspect de ses prouesses musicales qui est parfois sous-estimé : ses remarquables compétences de bassiste. Le parcours de McCartney avec la basse a commencé par nécessité au début des Beatles.

En 1961, après que Stu Sutcliffe ait quitté le groupe à Hambourg, McCartney se retrouva à contrecœur à se lancer dans la basse. Il a rappelé la situation avec humour et a déclaré : « Il existe une théorie selon laquelle j’aurais par malveillance retiré Stu du groupe pour obtenir la chaise de basse. Oublie ça! Personne ne veut jouer de la basse, du moins personne ne le voulait à cette époque. Malgré sa réputation moins glamour, McCartney s’est approprié la basse, passant de sa Hofner à une Rickenbacker alors que les aventures en studio des Beatles se développaient à la fin des années 60.

Evolution de la basse de Paul McCartney

La basse de McCartney faisait preuve d’une polyvalence remarquable. Il a servi de base stable et fiable sur des chansons comme « Lucy in the Sky With Diamonds » et « Dear Prudence ». Cependant, sa basse n’était pas simplement reléguée à un second rôle ; il a souvent assumé le rôle d’un personnage principal haut en couleur à part entière. Des morceaux comme « Paperback Writer », « Rain » et « A Day in the Life » ont montré la capacité de McCartney à transmettre un sentiment de nostalgie, d’excitation et d’aventure à travers ses lignes de basse mélodiques.

Une grande partie du style de basse de McCartney à cette époque devait beaucoup à James Jamerson de la renommée Motown, qu’il citait souvent comme une influence significative sur son jeu de basse. Le parcours musical de McCartney s’est étendu au-delà des années 60 et a fait une transition en douceur vers l’ère disco avec des chansons comme « Silly Love Songs » et « Goodnight Tonight ». Tout au long de sa carrière, même si son intérêt pour la guitare basse a fluctué, McCartney a continué d’inspirer des générations de bassistes en herbe, démontrant le potentiel expressif d’une grande ligne de basse.

Willy Dixon

Willie Dixon est considéré comme l’une des figures les plus influentes de l’histoire du blues. Ses contributions s’étendent bien au-delà de sa propre carrière de blues, puisque ses chansons ont été interprétées par des légendes du blues telles que Howlin’ Wolf et Muddy Waters. Cependant, le rôle de Dixon dans l’évolution du paysage de la musique rock constitue une partie importante de son héritage durable.

Dixon était non seulement un auteur-compositeur prolifique, mais aussi un bassiste qui a joué un rôle central dans les premiers enregistrements rock. Il a prêté ses talents de basse aux enregistrements d’artistes emblématiques tels que Chuck Berry et Bo Diddley. De plus, les propres compositions de Dixon, notamment « I Can’t Quit You Baby » et « I Ain’t Superstitious », ont été reprises par un large éventail de musiciens, de Led Zeppelin à Megadeth. Le parcours de Dixon avec la basse a commencé avec des débuts modestes, en utilisant une « basse en fer blanc » avant d’économiser pour acheter une contrebasse. Son dévouement à la maîtrise de l’instrument était évident alors qu’il équilibrait son temps entre la boxe, le travail et la musique.

Dixon a appris auprès des musiciens locaux Baby Doo Caston et Hog Mason, développant finalement son style de basse unique et définissant le genre. Lorsque Chuck Berry a initialement joué à Dixon la chanson qui allait devenir « Maybellene », Dixon a estimé qu’elle avait trop d’influence country et western. Il y a vu l’opportunité de lui insuffler une attitude bluesy, le transformant en un classique du rock & roll.

L’influence de Dixon

L’influence de Dixon s’étendait au-delà de la musique elle-même ; Son impact sur les musiciens et les groupes, comme les Rolling Stones, a été incommensurable. Bill Wyman, le bassiste des Stones, a déclaré un jour : « Willie Dixon est la principale influence sur moi. » L’influence profonde de Dixon sur l’évolution de la musique, en particulier du rock et du blues, a consolidé sa place de bassiste et auteur-compositeur légendaire. Sa capacité à combiner des éléments de blues et de rock a jeté les bases d’innombrables hymnes rock’n’roll emblématiques.

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John Paul Jones

Même si Led Zeppelin semblait émerger de nulle part, pleinement formé, à la fin des années 60, le guitariste Jimmy Page et le bassiste et claviériste John Paul Jones avaient des années de sessions de jeu derrière eux. Inspiré par les disques Motown et les bassistes de jazz comme Charles Mingus, Jones a joué sur des enregistrements de Donovan, Jeff Beck et Dusty Springfield, entre autres, et a arrangé les cordes pour « She’s a Rainbow » des Rolling Stones.

Alors, quand est venu le temps de jouer les lignes lentes de « Dazed and Confused » et « What Is and What Should Never Be » ou les rythmes chargés de « Immigrant Song » et « The Song Remains the Same », en harmonie avec Page : c’était si facile. Son sens de la musicalité le guidera également bien au-delà de son passage dans Led Zeppelin. « John défie tranquillement tout le monde », a déclaré Dave Grohl en jouant avec Jones dans Them Crooked Vultures. « Sa présence vous fait jouer du mieux que vous pouvez, car vous ne voulez pas le décevoir. Et si vous parvenez à suivre le rythme, vous le faites bien.

Stanley Clarke

Stanley Clarke est un bassiste dont la carrière incarne la fusion du rock et du jazz, révolutionnant le rôle de la basse dans ces genres. Clarke a d’abord commencé son parcours musical en tant que contrebassiste avec des aspirations dans la musique classique. C’est sa rencontre avec Chick Corea lors d’un concert qui l’emmène dans une nouvelle direction.

Clarke et Corea ont formé Return to Forever, l’un des groupes de jazz les plus importants des années 1970. Dans ce groupe, Clarke a trouvé une plate-forme pour ancrer la basse de la musique et émerger comme un soliste vedette. Ses premiers albums solo, dont « School Days », montraient sa transition vers le funk et mettaient en valeur son incroyable capacité technique tout en conservant un fort sens du rythme.

Les contributions de Stanley Clarke s’étendent au-delà de la musique alors qu’il s’aventure dans le domaine de la composition de musique pour le cinéma et la télévision. Son influence a trouvé un écho auprès des musiciens des nouvelles générations et des artistes comme Thundercat ont reconnu l’importance de Stanley Clarke comme point de référence pour ce qui peut être réalisé avec la basse. Thundercat a dit un jour : « Je remercie Dieu qu’il y ait eu un Stanley Clarke comme cadre de référence pour ce qui est possible avec la basse. »

L’impact de Clarke sur la basse ne se limite pas à son jeu exceptionnel ; Il a brisé le moule en créant son propre groupe et en devenant célèbre en tant que virtuose de la basse. Comme il l’a dit un jour : « Avant mon arrivée, beaucoup de bassistes étaient derrière. C’étaient des gars très calmes qui ne semblaient pas écrire de musique. Mais beaucoup de ces bassistes étaient des musiciens sérieux. « Tout ce que j’ai fait, c’est franchir le pas et créer mon propre groupe. »

Charlie Haden

L’impact de Charlie Haden sur le monde du jazz est incommensurable. Sa capacité à insuffler une qualité intemporelle même aux styles musicaux les plus contemporains est ce qui le distingue. On peut en être témoin dans l’ouverture emblématique de « Lonely Woman », une chanson de l’album révolutionnaire d’Ornette Coleman de 1959. La mélodie de basse de Haden, accompagnée de la cymbale ride double de Billy Higgins, crée un sentiment d’intemporalité, ancrant la musique comme des racines dans la terre.

Le parcours musical de Charlie Haden a commencé dans l’Iowa, où il a grandi en chantant des chansons country dans l’émission de radio familiale. C’est une performance du légendaire Charlie Parker qui a enflammé sa passion pour le jazz. S’installant à Los Angeles pour étudier à l’université à la fin des années 1950, Haden croisa la route d’Ornette Coleman, le saxophoniste qui allait amener le jazz à sa prochaine frontière radicale.

Haden est devenu partie intégrante de la vision de Coleman, apportant force et élévation aux groupes live et studio, y compris un concert mémorable de 1968 dans lequel ils ont soutenu Yoko Ono. Il a également porté le flambeau Coleman dans plusieurs projets satellites tels que Old et New Dreams, démontrant sa polyvalence et sa capacité à s’adapter à différents contextes musicaux.

L’influence de Charlie Haden

L’influence de Charlie Haden s’est étendue à tous les recoins du jazz ouvert d’esprit et avant-gardiste. Il a collaboré avec des artistes renommés tels que Pat Metheny, Keith Jarrett et Alice Coltrane. Son projet politique, le Liberation Music Orchestra, reflétait son engagement à utiliser la musique comme véhicule de changement. Le trio chaleureux et empathique de Haden avec Ginger Baker et Bill Frisell a démontré sa capacité à se connecter profondément avec d’autres musiciens.

Sa palette musicale était large et il a travaillé en parfaite harmonie avec des artistes de différents genres, notamment Ringo Starr, KD Lang et même son fils et ses filles triplées. Ornette Coleman a parfaitement capturé l’essence de la musique de Charlie Haden lorsqu’il a écrit : « Charlie Haden joue pour l’existence de l’auditeur », faisant de lui un véritable gourou de la musique.

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Donald « Duck » Dunn

Donald « Duck » Dunn, originaire de Memphis, a gagné son surnom en regardant des dessins animés Disney avec son père, un surnom qui lui restera tout au long de sa vie. Bien qu’il ne soit pas un membre original de l’influent groupe house de Stax, Booker T. and the MG’s, Dunn a succédé à Lewie Steinberg en 1964 et a propulsé le groupe vers de nouveaux sommets.

Son passage au sein du groupe a coïncidé avec la création d’albums phares de Southern Soul par des artistes tels que Otis Redding, Wilson Pickett et Sam et Dave. La basse de Dunn était parfaitement adaptée au son évolutif du groupe, caractérisé par une agressivité et une syncope accrues. Il a joué un rôle central dans la capacité du groupe à maîtriser divers styles, notamment les ballades pop urbaines, les mélanges country-soul et la soul dynamique infusée de gospel.

Écoutez la ligne de basse doucement descendante de Dunn sur la version instrumentale de MG de « When Something Is Wrong With My Baby » de Sam et Dave ou la pavane contagieuse qui ouvre « (Sittin’ on) the Dock of the Bay » d’Otis Redding. Sa contribution au groupe a été monumentale et, comme Bootsy Collins l’a reconnu un jour, il était une « brique de notre fondation musicale ».

Le travail remarquable de Donald « Duck » Dunn s’est étendu au-delà de Stax, puisqu’il a collaboré avec diverses légendes du rock et de la pop, dont Eric Clapton, Stevie Nicks, Bill Withers et Neil Young. Cependant, c’est son travail influent avec Booker T., Steve Cropper et Al Jackson qui a véritablement redéfini la musique populaire. Comme l’a si bien dit Peter Frampton : « Dunn a écrit le livre sur la basse R&B ».

Robbie Shakespeare

Robbie Shakespeare, en collaboration avec son partenaire rythmique Sly Dunbar, a laissé une marque indélébile sur le monde du reggae. Leur son immédiatement reconnaissable et leur style unique les distinguaient au début des années 1970. Sly Dunbar, réfléchissant à leur première rencontre, mentionna que c’était la plénitude de la basse de Robbie Shakespeare qui avait retenu son attention.

Les deux musiciens ont collaboré avec tous les artistes majeurs de l’âge d’or du reggae, apportant leur base fluide et mélodique mais indéfectiblement solide à des albums classiques comme « Two Sevens Clash » de Culture et « Equal Rights » de Peter Tosh. Sa maîtrise du genre dub était évidente dans sa capacité à créer un paysage sonore spacieux et rythmé, qui est devenu une caractéristique de sa musique.

Alors que le reggae évoluait vers le dancehall dans les années 1980, Sly et Robbie se sont parfaitement adaptés au contexte numérique, préservant le côté organique de leur musique. Leur polyvalence a transcendé les frontières du reggae et ils ont joué un rôle essentiel dans les albums rock et pop d’artistes tels que Grace Jones, Talking Heads, Bob Dylan, Mick Jagger et bien d’autres. L’influence de Sly et Robbie sur la scène musicale mondiale a été incommensurable et ils ont joué un rôle central dans la formation du son jamaïcain et dans son partage avec le monde.

Chris Squire

Au fil des décennies, Yes a subi plusieurs changements de formation, mais une constante est restée : le bassiste Chris Squire. Squire était à l’origine du son de Yes et ses contributions au monde du rock progressif étaient monumentales. Inspiré par des bassistes tels que Jack Bruce, John Entwistle et Paul McCartney, Squire a développé un son mélodique distinctif qui est devenu la force motrice de la musique de Yes.

Son travail de basse a propulsé Yes à travers l’écriture complexe des années 1970, avec des classiques comme « Close to the Edge » et « Awaken ». Dans les années 1980, il a joué un rôle essentiel dans la transition de Yes vers la pop avec des tubes comme « Owner of a Lonely Heart ». L’ancien claviériste de Yes, Rick Wakeman, a décrit la basse de Squire comme introduisant « l’art de transformer une basse en instrument principal dans une autre stratosphère ».

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D’autres grands bassistes

Au panthéon des bassistes légendaires, la liste s’étend très loin, mettant en valeur la remarquable diversité des talents au sein de ce rôle musical essentiel. Parmi ces noms illustres, Rick Danko de The Band se distingue comme une figure émouvante et polyvalente, connue pour ses lignes de basse mélodiques et émouvantes qui ont contribué à définir le genre américain.

Geezer Butler, la puissance derrière le son emblématique de Black Sabbath, a apporté une dimension sombre et tonitruante au heavy metal avec ses riffs de basse tonitruants. Le rythme impeccable de Bill Wyman a contribué de manière significative à l’héritage durable des Rolling Stones, et la virtuosité et le style innovant de Cliff Burton ont révolutionné le métal avec Metallica.

Le virtuose du jazz Richard Davis, le maestro latin Israel Cachao López et le profondément merveilleux Aston « Family Man » Barrett des Wailers de Bob Marley, ainsi qu’une foule d’autres sommités figurant sur cette liste, ont laissé une marque indélébile sur le monde de la musique. démontrant la créativité illimitée qui peut être obtenue grâce à la basse.

Réflexions finales sur les plus grands bassistes de tous les temps

Ces bassistes représentent une mosaïque diversifiée de talents et d’innovations dans le monde de la basse. Ses contributions ont non seulement rehaussé le rôle de la basse, mais ont également laissé une marque durable dans l’histoire de la musique. Chacun de ces bassistes, à sa manière, a élargi les possibilités de ce qui peut être réalisé avec quatre cordes, remodelant les genres et inspirant des générations de musiciens. Leur héritage continue de résonner et de nous rappeler l’impact profond que les bassistes ont eu sur l’évolution de la musique populaire.

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