I migliori bassisti di tutti i tempi

Questi sono i migliori bassisti di tutti i tempi considerando il loro impatto sulla musica, inclusi virtuosi come Jaco Pastorius e altri musicisti meno virtuosi ma grandi come Paul McCartney.

Principali bassisti della storia e loro importanza

Il mondo della musica è stato plasmato e trasformato dal contributo di innumerevoli musicisti di vari generi. Sebbene chitarristi e cantanti siano spesso al centro dell’attenzione, è essenziale riconoscere il ruolo fondamentale dei bassisti nel creare la struttura ritmica e armonica delle canzoni. Come ha affermato la leggendaria turnista Carol Kaye, il basso è la base, lavora insieme al batterista per stabilire il ritmo e fornire una struttura per il resto degli elementi musicali.

Una linea di basso notevole ha una qualità unica; Sembra un mantra che potrebbe andare avanti all’infinito, diventando più profondo ad ogni ascolto. Mentre chitarristi, cantanti e trombettisti possono trarre vantaggio dai momenti più suggestivi di una composizione, è il bassista che porta qualcosa di elementare, una parte che rimane impressa nella mente dell’ascoltatore molto tempo dopo che la musica svanisce.

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Il ruolo sottovalutato del basso

Tuttavia, è una sfortunata realtà che i bassisti siano spesso trascurati e sottovalutati, anche all’interno delle loro stesse band. Come rifletté una volta Paul McCartney sul suo passaggio al basso nei Beatles: non era il lavoro numero uno; Nessuno voleva suonare il basso, volevano stare davanti. Tuttavia, il basso ha una tradizione ricca e orgogliosa nella musica popolare, che abbraccia un ampio spettro di stili e generi. Dal virtuosismo di Jimmy Blanton nell’orchestra di Duke Ellington alle innovazioni bebop di Oscar Pettiford, e dalla genialità jazz di Charles Mingus e Ron Carter alla magia in studio di Carol Kaye e James Jamerson, il basso ha lasciato un segno indelebile nella musica.

In questa esplorazione, renderemo omaggio ai più grandi bassisti di tutti i tempi, persone che non solo hanno padroneggiato i loro strumenti, ma hanno anche oltrepassato i limiti di ciò che un bassista può ottenere. Sebbene questo elenco non sia un tentativo di classificare in base a capacità oggettive, serve come riconoscimento di quei bassisti che hanno avuto l’impatto più diretto e visibile nel plasmare le basi stesse della musica popolare nel corso dell’ultimo secolo.

I migliori bassisti di tutti i tempi

• James Jamerson
• Charles Mingus
• John Entwistle
• Bootsy Collins
• Carol Kaye
• Les Claypool
• Jack Bruce
• Jaco Pastorius
• Larry Graham
• Verdine White
• Ron Carter
• Geddy Lee
• Flea
• Phil Lesh
• Paul McCartney
• Willie Dixon
• John Paul Jones
• Stanley Clarke
• Charlie Haden
• Donald “Duck” Dunn
• Robbie Shakespeare
• Chris Squire

James Jamerson

James Jamerson è una figura iconica nel mondo del basso. Ancorando la sezione ritmica della Motown, ampliò le possibilità per i bassisti pur rimanendo relativamente anonimo, poiché i turnisti venivano raramente accreditati nelle registrazioni della Motown negli anni 60. James Jamerson divenne il mio eroe, ha commentato Paul McCartney, anche se in realtà non conoscevo il suo nome fino a molto tempo fa. recentemente.

In un’epoca in cui il basso era spesso visto come uno strumento di supporto utilitaristico, Jamerson ha osato oltrepassare i limiti. Ha inserito la sincope nelle sue linee di basso, ha aggiunto accordi intricati che hanno introdotto profondità e complessità melodica e ha fatto scelte tonali che evocavano le armonie della musica gospel. I suoi contributi ai dischi iconici della Motown sono troppo numerosi per essere catalogati in modo esaustivo, ma alcuni esempi degni di nota includono My Girl di The Temptations, che presenta una delle parti di basso più riconoscibili e immediatamente gratificanti nella storia del pop. In I Heard It Through the Grapevine di Gladys Knight, il basso di Jamerson fornisce un contrappunto morbido e frizzante al pianoforte nervoso.

Forse il suo più grande successo è stato What’s Going On di Marvin Gaye, dove la linea di basso di Jamerson ha raggiunto un livello di brillantezza ipermelodica.

L’eredità di James Jamerson è incommensurabile e la sua influenza ha risuonato in generazioni di bassisti. Ha trasformato il ruolo del basso, elevandolo da strumento di supporto a voce solista nel suono della Motown.

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Charles Mingus

Charles Mingus, un musicista versatile noto per la sua abilità come bassista, ha trasceso i confini tradizionali. Non era solo un bassista; Era un compositore, concettualista, violoncellista di formazione classica e critico sociale. A volte la sua versatilità in altri ambiti musicali mette in ombra i suoi notevoli contributi al basso.

Al centro delle creazioni musicali di Mingus c’era un’incrollabile spinta ritmica che scorreva attraverso le sue dita, risuonava attraverso le corde e spingeva in avanti le sue band. Ascoltandolo suonare composizioni come II BS e Better Get Hit in Your Soul, insieme alla sua anima gemella musicale, il batterista Dannie Richmond, rivela la forza e la grazia del suo modo di suonare il basso. Aveva la capacità unica di infondere nelle sue linee di basso ambulante una potenza immensa e un’agile agilità.

La carriera di Mingus ha attraversato molteplici epoche del jazz e lui ha rifiutato di essere limitato da confini stilistici. Sia che suonasse con la Lionel Hampton Big Band alla fine degli anni ’40, che suonasse con altri luminari del Bebop negli anni ’50, o che si impegnasse in vivaci dialoghi di percussioni con il suo idolo musicale, Duke Ellington, negli anni ’60, Mingus ha costantemente spinto i limiti di ciò che il basso potrebbe raggiungere.

La sua influenza si estese oltre il jazz, come evidenziato dalla sua collaborazione con Joni Mitchell e dal suo impatto su leggende del rock come Jack Bruce e Charlie Watts. Per tutta la sua vita Mingus protestò con veemenza contro i tentativi di limitare o sottovalutare la sua arte, dichiarando: Non voglio nessuno di quei dannati sondaggi. So che tipo di bassista sono.

L’eredità di Charles Mingus come bassista e cantautore dura e il suo approccio innovativo al basso continua a ispirare musicisti di ogni ceto sociale.

John Entwistle

John Entwistle, il bassista degli Who, si è guadagnato il soprannome di Thunderfingers per via del suono straordinario che estraeva dal suo basso. Suonando al fianco di artisti stravaganti come Keith Moon e Pete Townshend, Entwistle ha affrontato la sfida di farsi ascoltare sullo stesso palco. Tuttavia, è stato all’altezza della situazione con notevole fluidità e grazia, creando uno stile di basso davvero unico.

Entwistle si è avvicinato al basso come se fosse uno strumento primario, rendendolo così prominente come qualsiasi chitarra nel panorama sonoro degli Who. Il suo grosso assolo di basso in My Generation è servito come fonte di ispirazione per innumerevoli aspiranti bassisti, anche se emulare la sua tecnica si è rivelato un compito quasi impossibile.

Geddy Lee dei Rush ha riassunto in modo appropriato l’impatto di Entwistle affermando che Entwistle è stato senza dubbio il più grande bassista rock di tutti, avendo osato prendere il ruolo e il suono del basso e sollevarlo dalle profondità oscure mentre si pavoneggiava di quelle incredibili abilità.

L’eredità di John Entwistle come bassista rock è innegabile e il suo approccio innovativo allo strumento ha lasciato un segno indelebile nel mondo della musica.

Bootsy Collins

Bootsy Collins, conosciuto con vari alias come Bootzilla, Casper the Friendly Ghost e The World’s Only Strass Rock Star Doll, Baba, ridefinì il soul e il funk bass negli anni ’70, influenzando successivamente i regni del rap e del pop nei decenni dal 1980 al 1990.

Collins lasciò il segno quando si unì alla band di supporto di James Brown, i JB’s, nel 1970. Abbracciò immediatamente il concetto di The One di Brown, suonando la prima battuta di ogni misura musicale con la massima forza e infondendo il resto con un funk contagioso. Collins in seguito espanse questo concetto in un paese delle meraviglie surreale quando si unì al collettivo musicale di George Clinton. Le sue linee di basso morbide e intrise di wah-wah hanno aggiunto una dimensione distintiva al suono di Parliament e Funkadelic.

Come solista davanti alla Bootsy’s Rubber Band, Collins indossava occhiali da sole a forma di stella, suonava il basso a forma di stella ed eseguiva canzoni d’amore da cartone animato con sconfinato entusiasmo. La sua influenza risuona nel modo di suonare di innumerevoli bassisti, da Flea dei Red Hot Chili Peppers ai dischi campionati da Dr. Dre per creare il suono G-Funk.

George Clinton lo ha riassunto al meglio quando ha detto: Bootsy è arrivato e tutto ciò che ha aggiunto… è stato l’accento su uno. Potresti aggiungerlo a “The ABC’s” e sarebbe funk in due secondi. E da quel momento in poi, tutto ciò che abbiamo fatto è stato davvero funky, non importa quanto cercassimo di essere pop.

L’eredità di Bootsy Collins è fatta di innovazione funkadelica, una testimonianza di come un bassista può ridefinire i generi e portare il ritmo in prima linea nella musica.

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Carol Kaye

https://youtu.be/E8xdah5CFTU

Carol Kaye, una prolifica bassista che inizialmente affinò le sue abilità nei jazz club degli anni ’50, emerse come nota chitarrista da studio, contribuendo ai successi di artisti come Sam Cooke.

Kaye ha la notevole particolarità di essere la bassista più registrata di tutti i tempi, con il suo nome associato a oltre 10.000 tracce. La loro influenza abbraccia un’ampia gamma di stili musicali, dallo swing ottimista della canzone Help Me, Rhonda dei Beach Boys del 1965, alla versione ormai classica di La Bamba di Richie Valens del 1958 e alla romantica interpretazione del 1967 di Somethin’ Stupid. Nancy Sinatra.

Ma l’impatto di Kaye non finisce qui. Ha lasciato un segno indelebile nel mondo dei film e degli spettacoli televisivi, fornendo la meravigliosa spina dorsale delle sigle di spettacoli iconici come Batman e Mission: Impossible. La sua intuizione unica ha guidato il suo modo di suonare il basso, permettendogli di immaginare un ruolo più dinamico per lo strumento. Come ha detto una volta, ero un chitarrista e ho pensato: “Dio, è una semplice linea di basso”. Pensavo che i bassi potessero muoversi di più e la musica suonerebbe meglio.

I suoi collaboratori più importanti, tra cui Brian Wilson, hanno riconosciuto la magia del suo suono e della sua esperienza sulla tastiera, elevando il suono del suo basso nei loro mix. In canzoni come California Girls, il suo basso è al centro della scena, a testimonianza dei suoi contributi sonori unici.

Les Claypool

Les Claypool è un virtuoso del basso emerso come figura di spicco nella scena musicale della Bay Area della fine degli anni ’80, dominata da bassisti thrash-funk. Ciò che distingue Claypool è il suo approccio innovativo al basso, trattandolo non semplicemente come uno strumento ritmico ma come uno strumento solista che spinge avanti la musica.

Lo stile unico di Claypool incorpora un’ampia gamma di tecniche, dal tapping iperattivo della tastiera della mano sinistra allo strimpellamento ultraveloce. Ha adottato una tecnica di plettroing a tre dita, differenziandosi dalla norma a due dita per maggiore velocità e precisione.

Il suo modo di suonare il basso attinge da una varietà di fonti, combinando influenze da Captain Beefheart a Bootsy Collins. Il loro suono eclettico completa i loro testi eccentrici e narrativi, spesso approfondendo temi come i felini maschi alfa, i pescatori mitici e i contadini assassini.

La versatilità di Claypool non conosce limiti. Incorpora perfettamente elementi dai riff metal ai raga mediorientali nelle sue linee di basso. Il suo coinvolgimento in supergruppi di jam-band come Oysterhead e Bucket of Bernie Brains del colonnello Claypool ha affinato le sue capacità di improvvisazione. La sua attuale collaborazione con Sean Lennon consente esplorazioni psichedeliche progressive e avventurose.

Soprattutto, Les Claypool ha trasformato il ruolo del basso, elevandolo da semplice ancora a forza dinamica che guida la musica. Il suo spirito innovativo gli è valso l’ammirazione di colleghi bassisti come Geddy Lee dei Rush, che riconosce la sensibilità ritmica unica e lo stile distintivo di Claypool.

Jack Bruce

Jack Bruce, spesso messo in ombra da Eric Clapton e Ginger Baker nel leggendario gruppo rock Cream, ha svolto un ruolo indispensabile nel trasformarli in un vero power trio. Mentre Clapton suonava ritmi blues vertiginosi e Baker esplorava nuovi territori jazz dietro il suo batterista, Bruce, che era anche il cantante principale del gruppo, ancorava la band con le sue robuste linee di basso.

Ciò che distingueva Jack Bruce era la sua capacità di rendere il basso uno strumento assertivo e dinamico. Il bassista dei Black Sabbath, Geezer Butler, una volta attestò l’influenza di Bruce, dicendo: Jack Bruce mi ha sicuramente aperto gli occhi su ciò che un bassista potrebbe fare dal vivo. Sono andato a vedere i Cream principalmente a causa di Clapton, e sono rimasto incantato dalla performance di Jack Bruce. Non sapevo che un bassista potesse fare quelle cose, prendendo il posto dove normalmente si trova la chitarra ritmica.

Sia che creasse linee nervose e agitate sotto la voce del gruppo in I Feel Free, armonizzasse brillantemente in Sunshine of Your Love, o aggiungesse il suo riff caratteristico sotto il lavoro di chitarra di Clapton in Strange Brew, il basso di Jack Bruce era a dir poco affascinante. Nonostante la sua statura, Bruce possedeva uno stile esecutivo mostruoso, facendo cantare il suo basso con melodia e potenza.

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Jaco Pastorius

Jaco Pastorius, spesso soprannominato “il più grande bassista del mondo”, nel 1974 dichiarò coraggiosamente la sua supremazia al tastierista dei Weather Report Joe Zawinul durante un incontro nel backstage. Sebbene Zawinul inizialmente si prendesse gioco delle affermazioni di Jaco, non ci volle molto perché il mondo fosse testimone del suo straordinario talento. Quando si unì ai Weather Report, Pastorius li aveva trasformati in autentiche superstar della fusion.

L’album di debutto omonimo di Jaco del 1976 segnò un momento cruciale nella storia del basso elettrico. In questo disco, ha suonato senza sforzo bebop ad alta velocità e ha affascinato gli ascoltatori con le sue armoniche ipnotizzanti. Ha introdotto un nuovo standard per il virtuosismo del basso elettrico che risuona ancora oggi. Allo stesso tempo, il suo caratteristico suono fretless e il suo stile sicuro mandarono in frantumi l’idea che il basso fosse semplicemente uno strumento di sottofondo.

Nonostante il suo modo di suonare sorprendente e tecnicamente notevole, Jaco Pastorius fu anche un notevole collaboratore. Dalla metà degli anni ’70 fino agli anni ’80, ha portato il suo rivoluzionario approccio a quattro corde a una varietà di artisti, da Pat Metheny a Jimmy Cliff. La sua collaborazione più famosa è stata con Joni Mitchell, dove si adattava perfettamente al suo modo di scrivere canzoni sempre più avventuroso su album come “Hejira”. La stessa Mitchell si è meravigliata della sua interpretazione intuitiva, dicendo: “Era come se l’avessi sognato, perché non dovevo dargli alcuna istruzione. “Potrei semplicemente liberarlo, fare un passo indietro e celebrare le sue decisioni.”

Larry Graham

Larry Graham, un membro di spicco degli Sly and the Family Stone, è noto per aver reso popolare la tecnica dello slap-bass. Questo approccio distintivo al basso è evidente in canzoni di successo come “Thank You (Falettinme Be Mice Elf Agin)” e “Dance to the Music”. Il viaggio di Graham in questa tecnica iconica è iniziato mentre suonava in trio con sua madre a San Francisco.

Quando il batterista del trio decise di andarsene, Larry Graham si ritrovò in una situazione unica. Per compensare l’assenza della grancassa, cominciò a “percuotere” le corde del basso con il pollice. Per replicare il ritmo del rullante, “pizzicava” le corde con le dita. Questo approccio innovativo al modo di suonare il basso ha portato alla creazione dell’inconfondibile stile “thumpin’ and pluckin'”, che da allora è diventato un segno distintivo del modo di suonare di Larry Graham.

Questa tecnica non solo ha rivoluzionato il ruolo del basso nella musica popolare, ma ha avuto anche un profondo impatto sul mixaggio delle canzoni. Brian Eno notò il cambiamento e affermò che i dischi degli anni ’50 presentavano in primo piano le informazioni melodiche relegando gli elementi ritmici a una posizione più tranquilla. Tuttavia, con l’emergere di Sly and the Family Stone, incluso Larry Graham, come visto nell’album “Fresh”, gli strumenti ritmici, in particolare la grancassa e il basso, acquisirono nuova importanza nel mix. La spiegazione di Graham era semplice: suonare così forte assicurava che “i ballerini non si nascondessero”.

L’influenza di Larry Graham si estese a future leggende come Prince, un caro amico e frequente collaboratore, che una volta si riferì a Graham come “il mio insegnante”.

Verdine White

Il bassista Verdine White divenne parte integrante della band americana multigenere Earth, Wind & Fire quando suo fratello, Maurice White, lo invitò a unirsi al gruppo nel 1970. Le abilità di Verdine nel basso furono affinate sotto la tutela di Louis Satterfield, spesso descritto come “il James Jamerson di Chicago” ed è stato ispirato da grandi del jazz come Ron Carter e Richard Davis.

Il contributo di Verdine White alle milioni di vendite di album degli Earth, Wind & Fire è stato a dir poco spettacolare. Mentre il gruppo era noto per i suoi brani di danza veloci, la performance di Verdine brillava davvero nelle ballate. Il suo lavoro al basso su canzoni come il rimbombo di apertura di “Can’t Hide Love”, gli attacchi di “Love’s Holiday” e gli agili riff di “After the Love Has Gone” hanno messo in mostra la sua versatilità e musicalità.

Anche su brani dinamici, Verdine White ha lasciato un’impressione duratura con le sue linee di basso dinamiche. Ascolta la sua elettrizzante performance in “Beijo (Interlude)”, dove ha fatto tremare e gemere le note, aggiungendo una dimensione unica alla musica. Nonostante le sue straordinarie capacità, White è rimasto modesto nelle interviste, attribuendo gran parte del suo successo all’integrazione del cantante e al fatto che il suo modo di suonare il basso migliorasse l’esperienza musicale complessiva.

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Ron Carter

Ron Carter è stato una pietra angolare dell’intersezione tra jazz e hip-hop. Così, Q-Tip ha espresso “Al basso, quello è il mio uomo, Ron Carter”. Con una carriera che dura da più di 60 anni, i notevoli contributi di Carter gli sono valsi un Guinness World Record per essere il bassista più registrato nella storia del jazz, con più di 2.200 crediti a suo nome nell’autunno 2015.

Il repertorio di Carter è tanto vario quanto vasto. Fu una parte fondamentale del quintetto di Miles Davis degli anni ’60, che giocò un ruolo chiave nel rimodellare il panorama del jazz. La sua capacità di fornire la base ritmica e la musicalità perfette è evidente nelle registrazioni classiche insieme ad artisti come Roberta Flack e Aretha Franklin. Inoltre, ha creato magistralmente le basi ritmiche del pioniere della bossa nova Antônio Carlos Jobim e ha persino dato nuova vita alle opere di Bach.

Sia che si esibisca in un duo di basso profilo o in una vivace big band, Ron Carter porta sempre un tocco di pura classe sul palco. Collaboratori come Pat Metheny hanno elogiato Carter, descrivendolo come “uno dei musicisti più consumati”. La sua capacità di adattarsi a innumerevoli ambienti musicali unici pur rimanendo fedele alla sua identità musicale distintiva è una testimonianza della sua genialità e versatilità.

Geddy Lee

Geddy Lee, il maestro multitasking del mondo del basso, ha raggiunto uno status leggendario come frontman dei Rush. Sul palco, ha abilmente gestito i compiti del basso oltre a suonare tastiere e sintetizzatori controllati dal piede. Inoltre, la sua spericolata abilità vocale ha ulteriormente messo in mostra il suo incredibile talento. Tuttavia, è il suo modo di suonare il basso che ha davvero consolidato il suo posto come icona nel mondo del rock progressivo.

Il lavoro al basso di Geddy Lee è caratterizzato da tenacia, suono vigoroso e agilità impressionante, adornati con la giusta dose di stile temerario. È considerato uno dei collegamenti essenziali tra i bassisti pionieristici degli anni ’60, come Jack Bruce e John Entwistle, e gli innovatori degli anni ’90, come Les Claypool e Tim Commerford dei Rage Against the Machine.

Nel corso delle varie epoche della musica dei Rush, il basso di Geddy Lee ha aggiunto grinta, stile e un inaspettato tocco di funk. Che si tratti di album high-prog degli anni ’70 come “A Farewell to Kings”, di gemme degli anni ’80 influenzate dalla New Wave come “Grace Under Pressure” o di lavori stilizzati e incisivi degli anni ’90 come “Counterparts”, le sue fantasiose linee di basso fungevano da ganci. I suoi notevoli contributi al catalogo di Rush hanno lasciato un impatto duraturo sul mondo della musica rock lungimirante.

Alcune delle parti di basso più straordinarie di Geddy Lee includono il puntone fuori posto che apre “Cygnus -pop da “Scars”. Queste linee di basso hanno fornito le basi per la musica di Rush e hanno anche agito come motivi musicali distintivi e memorabili.

L’ammirazione di Les Claypool per Geddy Lee

Les Claypool, bassista dell’iconica band Primus, una volta espresse la sua ammirazione per Geddy Lee, affermando: “Era quello che quando avevo 14 anni pensò: ‘Wow, mi piacerebbe sicuramente produrre quei suoni.'” “Sto ancora cercando di farlo.” Questo sentimento evidenzia l’influenza duratura del lavoro con il basso di Geddy Lee, ispirando generazioni di aspiranti bassisti a esplorare il potenziale espressivo dello strumento.

Flea

Flea, il cui vero nome è Michael Balzary, è l’insostituibile bassista dei Red Hot Chili Peppers, una band che ha visto una porta girevole di batteristi e chitarristi sin dalla sua nascita nel 1983. La sua magia del basso è il fondamento del suono distintivo della band. Peperoni. un inebriante mix di punk, funk e psichedelia.

Influenzato dal patrigno musicista jazz durante i suoi anni di formazione, Flea inizialmente aspirava a diventare un trombettista jazz. Tuttavia, il suo spirito adolescenziale ribelle lo ha portato lungo la strada del punk rock, dove ha trovato la sua vera vocazione come bassista. Il loro stile iconico, caratterizzato da melodie slapstick e piene di sentimento ispirate a Bootsy Collins, ha lasciato un segno indelebile nel repertorio della band.

Al di là dei Chili Peppers, il viaggio musicale di Flea è stato vario. Ha contribuito con il suo talento all’album di debutto di Mars Volta, “De-Loused in the Comatorium”, e ha collaborato con Thom Yorke nella formazione degli Atoms for Peace, dimostrando la sua notevole versatilità.

Anthony Kiedis, il leader dei Chili Peppers, una volta dichiarò: “I Red Hot Chili Peppers sono pulci”. Questa affermazione riassume la verità che la presenza e il talento artistico di Flea sono parte integrante dell’esistenza della band. Il loro suono terroso e selvaggiamente carismatico rimane la pietra angolare del fascino duraturo dei Chili Peppers, garantendo che la loro eredità come uno dei bassisti più iconici del rock duri.

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Phil Lesh

Quando si tratta di reinventare il ruolo del basso nella musica rock, Phil Lesh, fondatore e bassista di lunga data dei Grateful Dead, si distingue come un pioniere. Il viaggio musicale di Lesh è iniziato con l’esperienza nella musica classica e sperimentale, suonando la tromba e il violino durante gli anni del liceo. Tuttavia, la sua vita prese una svolta diversa quando gli fu chiesto di unirsi agli Stregoni, la prima incarnazione dei Grateful Dead.

L’approccio di Phil Lesh al basso era tutt’altro che convenzionale. Ha scelto di staccarsi dai cliché standard del walking bass che erano prevalenti all’epoca. Nelle sue stesse parole: “Non pensavo che sarebbe stato giusto per la musica che avrei fatto con Jerry; solo per fare qualcosa che qualcun altro aveva fatto. La visione unica di Lesh era quella di “suonare il basso e la solista allo stesso tempo”, una tecnica che prevedeva che le sue note si muovessero dentro e attorno alla struttura melodica.

Questo approccio distintivo al basso divenne un segno distintivo del suono dei Grateful Dead, riconoscibile come il modo di suonare la chitarra di Jerry Garcia. Le linee di basso innovative e non convenzionali di Lesh possono essere ascoltate in registrazioni in studio come “Truckin'”, “Shakedown Street” e “Cumberland Blues”. Tuttavia, è nelle esibizioni dal vivo di brani come “Scarlet Begonias” e “Eyes of the World” dove il lavoro del basso di Lesh brilla davvero. In particolare, lo spettacolo della Cornell del 1977 è celebrato per aver catturato l’essenza dell’abilità artistica del basso di Lesh.

Paul McCartney

Paul McCartney è spesso elogiato per il suo eccezionale talento come cantante, compositore e interprete dal vivo. Tuttavia, c’è un aspetto della sua abilità musicale che a volte viene sottovalutato: le sue notevoli capacità come bassista. Il viaggio di McCartney con il basso iniziò per necessità durante gli albori dei Beatles.

Nel 1961, dopo che Stu Sutcliffe lasciò la band ad Amburgo, McCartney si ritrovò con riluttanza a dedicarsi al basso. Ha ricordato la situazione con umorismo e ha dichiarato: “C’è una teoria secondo cui ho rimosso maliziosamente Stu dal gruppo per prendere il basso. Lasci perdere! Nessuno vuole suonare il basso, o nessuno lo voleva in quel momento”. Nonostante la sua reputazione meno glamour, McCartney fece suo il basso, passando dal suo Hofner a un Rickenbacker mentre le avventure in studio dei Beatles si espandevano alla fine degli anni ’60.

Evoluzione del basso di Paul McCartney

Il basso di McCartney ha mostrato una notevole versatilità. È servito come base stabile e affidabile per canzoni come “Lucy in the Sky With Diamonds” e “Dear Prudence”. Tuttavia, il suo basso non è stato semplicemente relegato a un ruolo secondario; spesso ha assunto il ruolo di un personaggio principale colorato a pieno titolo. Tracce come “Paperback Writer”, “Rain” e “A Day in the Life” hanno messo in mostra la capacità di McCartney di trasmettere un senso di desiderio, eccitazione e avventura attraverso le sue linee di basso melodiche.

Gran parte dello stile di basso di McCartney in quest’epoca aveva un debito con James Jamerson della fama della Motown, che spesso citava come un’influenza significativa sul suo modo di suonare il basso. Il viaggio musicale di McCartney si è esteso oltre gli anni ’60 e ha avuto una transizione senza soluzione di continuità nell’era della discoteca con canzoni come “Silly Love Songs” e “Goodnight Tonight”. Nel corso della sua carriera, anche quando il suo interesse per il basso può aver oscillato, McCartney ha continuato a ispirare generazioni di aspiranti bassisti, dimostrando il potenziale espressivo di una grande linea di basso.

Willy Dixon

Willie Dixon è celebrato come una delle figure più influenti nella storia della musica blues. I suoi contributi vanno ben oltre la sua carriera blues, poiché le sue canzoni sono state eseguite da leggende del blues come Howlin’ Wolf e Muddy Waters. Tuttavia, il ruolo di Dixon nel plasmare il panorama della musica rock è una parte importante della sua eredità duratura.

Dixon non era solo un cantautore prolifico ma anche un bassista che giocò un ruolo fondamentale nelle prime registrazioni rock. Ha prestato le sue abilità con il basso alle registrazioni di artisti iconici come Chuck Berry e Bo Diddley. Inoltre, le composizioni di Dixon, tra cui “I Can’t Quit You Baby” e “I Ain’t Superstitious”, sono state interpretate da un’ampia gamma di musicisti, dai Led Zeppelin ai Megadeth. Il viaggio di Dixon con il basso è iniziato con umili origini, utilizzando un “basso di latta” prima di risparmiare per acquistare un contrabbasso. La sua dedizione alla padronanza dello strumento era evidente mentre bilanciava il suo tempo tra boxe, lavoro e musica.

Dixon ha imparato dai musicisti locali Baby Doo Caston e Hog Mason, sviluppando infine il suo stile di basso unico e che definisce il genere. Quando Chuck Berry suonò inizialmente a Dixon la canzone che sarebbe diventata “Maybellene”, Dixon sentì che aveva troppa influenza country e occidentale. Ha visto l’opportunità di infondergli un’attitudine blues, trasformandolo in un classico del rock & roll.

L’influenza di Dixon

L’influenza di Dixon si estendeva oltre la musica stessa; Il suo impatto su musicisti e gruppi, come i Rolling Stones, è stato incommensurabile. Bill Wyman, il bassista degli Stones, una volta dichiarò: “Willie Dixon è la principale influenza su di me”. Il profondo effetto di Dixon sull’evoluzione della musica, in particolare del rock e del blues, consolidò il suo posto come leggendario bassista e cantautore. La sua capacità di combinare elementi del blues con il rock ha gettato le basi per innumerevoli inni iconici del rock ‘n’ roll.

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John Paul Jones

Anche se i Led Zeppelin sembravano emergere dal nulla, completamente formati, alla fine degli anni ’60, sia il chitarrista Jimmy Page che il bassista e tastierista John Paul Jones avevano anni di sessioni di gioco alle spalle. Ispirato dai dischi della Motown e dai bassisti jazz come Charles Mingus, Jones ha suonato in registrazioni di Donovan, Jeff Beck e Dusty Springfield, tra gli altri, e ha arrangiato gli archi per “She’s a Rainbow” dei Rolling Stones.

Quindi, quando è arrivato il momento di suonare le linee lente di “Dazed and Confused” e “What Is and What Should Never Be” o i ritmi carichi di “Immigrant Song” e “The Song Remains the Same”, in armonia con Page: è stato così facile. Il suo senso della musicalità lo guiderà anche ben oltre il suo periodo nei Led Zeppelin. “John sfida tranquillamente tutti”, ha detto Dave Grohl quando suonava con Jones in Them Crooked Vultures. “La sua presenza ti fa giocare al meglio, perché non vuoi deluderlo. E se riesci a tenere il passo, lo stai facendo bene.

Stanley Clarke

Stanley Clarke è un bassista la cui carriera incarna la fusione tra rock e jazz, rivoluzionando il ruolo del basso in questi generi. Clarke inizialmente ha iniziato il suo viaggio musicale come contrabbassista con aspirazioni nella musica classica. È stato l’incontro con Chick Corea durante un concerto a portarlo in una nuova direzione.

Clarke e Corea formarono i Return to Forever, uno dei gruppi jazz più importanti degli anni 70. In questa band, Clarke trovò una piattaforma per ancorare il basso della musica ed emergere come solista di punta. I suoi primi album da solista, tra cui “School Days”, hanno mostrato la sua transizione al funk e hanno evidenziato la sua straordinaria abilità tecnica pur mantenendo un forte senso del ritmo.

Il contributo di Stanley Clarke si è esteso oltre la musica, avventurandosi nel regno delle colonne sonore per il cinema e la televisione. La sua influenza risuonava tra i musicisti delle nuove generazioni e artisti come Thundercat riconobbero l’importanza di Stanley Clarke come punto di riferimento per ciò che si può ottenere con il basso. Thundercat una volta disse: “Ringrazio Dio che c’era Stanley Clarke come punto di riferimento per ciò che è possibile fare con il basso”.

L’impatto di Clarke sul basso non si è limitato al suo modo di suonare eccezionale; Ha rotto gli schemi creando la sua band e diventando famoso come virtuoso del basso. Come disse una volta: “Prima che io arrivassi, molti bassisti erano indietro. Erano ragazzi molto tranquilli che non sembravano scrivere musica. Ma molti di quei bassisti erano musicisti seri. “Tutto quello che ho fatto è stato fare il grande passo e creare la mia band.”

Charlie Haden

L’impatto di Charlie Haden sul mondo del jazz è incommensurabile. La sua capacità di infondere anche gli stili musicali più contemporanei con una qualità senza tempo è ciò che lo distingue. Lo si può testimoniare nell’iconica apertura di “Lonely Woman”, una canzone tratta dall’innovativo album del 1959 di Ornette Coleman. La melodia del basso di Haden, accompagnata dal piatto ride double-time di Billy Higgins, crea un senso di atemporalità, radicando la musica come radici nella terra.

Il viaggio musicale di Charlie Haden è iniziato in Iowa, dove è cresciuto cantando canzoni country nel programma radiofonico della sua famiglia. Fu un’esibizione del leggendario Charlie Parker ad accendere la sua passione per il jazz. Trasferitosi a Los Angeles per frequentare il college alla fine degli anni ’50, Haden incontrò Ornette Coleman, il sassofonista che avrebbe portato il jazz alla sua prossima frontiera radicale.

Haden divenne parte integrante della visione di Coleman, portando forza ed elevazione alle band dal vivo e in studio, incluso un memorabile concerto del 1968 in cui accompagnarono Yoko Ono. Ha portato il testimone di Coleman anche in diversi progetti satellite come Old e New Dreams, dimostrando la sua versatilità e capacità di adattarsi a diversi contesti musicali.

L’influenza di Charlie Haden

L’influenza di Charlie Haden si è estesa a tutti gli angoli del jazz dalla mentalità aperta e lungimirante. Ha collaborato con artisti rinomati come Pat Metheny, Keith Jarrett e Alice Coltrane. Il suo progetto politicamente guidato, la Liberation Music Orchestra, rifletteva il suo impegno nell’utilizzare la musica come veicolo di cambiamento. Il trio caloroso ed empatico di Haden con Ginger Baker e Bill Frisell ha mostrato la sua capacità di connettersi con altri musicisti a un livello profondo.

La sua gamma musicale era ampia e ha lavorato perfettamente con artisti di generi diversi, tra cui Ringo Starr, KD Lang e persino suo figlio e le sue tre figlie. Ornette Coleman ha catturato perfettamente l’essenza della musica di Charlie Haden quando ha scritto: “Charlie Haden suona per l’esistenza dell’ascoltatore”, rendendolo un vero guru della musica.

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Donald “Duck” Dunn

Donald “Duck” Dunn, originario di Memphis, si è guadagnato il soprannome mentre guardava i cartoni Disney con suo padre, un soprannome che lo avrebbe accompagnato per tutta la vita. Sebbene non fosse un membro originale dell’influente house band della Stax Booker T. e degli MG’s, Dunn prese il posto di Lewie Steinberg nel 1964 e spinse il gruppo a nuovi livelli.

Il suo tempo con la band coincise con la creazione di album seminali del Southern soul di artisti come Otis Redding, Wilson Pickett e Sam e Dave. Il basso di Dunn si adattava perfettamente al suono in evoluzione della band, caratterizzato da una maggiore aggressività e sincope. Ha giocato un ruolo fondamentale nella capacità della band di padroneggiare vari stili, tra cui ballate pop urbane, miscele country-soul e soul dinamico infuso di gospel.

Ascolta la linea di basso silenziosamente discendente di Dunn nella versione strumentale di MG di “When Something Is Wrong With My Baby” di Sam e Dave o l’incedere contagioso che apre “(Sittin’ on) the Dock of the Bay” di Otis Redding. Il suo contributo alla band fu monumentale e, come riconobbe una volta Bootsy Collins, era un “mattone nelle nostre fondamenta musicali”.

Il notevole lavoro di Donald “Duck” Dunn si è esteso oltre la Stax, poiché ha collaborato con una varietà di leggende del rock e del pop, tra cui Eric Clapton, Stevie Nicks, Bill Withers e Neil Young. Tuttavia, è stato il suo lavoro influente con Booker T., Steve Cropper e Al Jackson a ridefinire veramente la musica popolare. Come ha giustamente detto Peter Frampton, “Dunn ha scritto il libro sul basso R&B”.

Robbie Shakespeare

Robbie Shakespeare, in collaborazione con il suo partner ritmico Sly Dunbar, ha lasciato un segno indelebile nel mondo del reggae. Il loro suono immediatamente riconoscibile e il loro stile unico li distinguevano nei primi anni 70. Sly Dunbar, riflettendo sul loro primo incontro, disse che fu la pienezza del basso di Robbie Shakespeare ad attirare la sua attenzione.

I due musicisti hanno collaborato con tutti i maggiori artisti dell’epoca d’oro del reggae, contribuendo con le loro basi fluide e melodiche ma incrollabilmente solide ad album classici come “Two Sevens Clash” dei Culture e “Equal Rights” di Peter Tosh. La sua padronanza del genere dub era evidente nella sua capacità di creare un paesaggio sonoro spazioso e ritmato, che divenne un segno distintivo della sua musica.

Mentre il reggae si evolveva nella dancehall negli anni ’80, Sly e Robbie si adattarono perfettamente al contesto digitale, preservando l’atmosfera organica della loro musica. La loro versatilità ha trasceso i confini del reggae e hanno giocato un ruolo essenziale negli album rock e pop di artisti come Grace Jones, Talking Heads, Bob Dylan, Mick Jagger e molti altri. L’influenza di Sly e Robbie sulla scena musicale globale è stata incommensurabile e hanno svolto un ruolo fondamentale nel plasmare il suono giamaicano e condividerlo con il mondo.

Chris Squire

Nel corso dei decenni, gli Yes subirono diversi cambi di formazione, ma una costante rimase: il bassista Chris Squire. Squire è stato il fondamento del suono degli Yes e il suo contributo al mondo del rock progressivo è stato monumentale. Ispirato da bassisti come Jack Bruce, John Entwistle e Paul McCartney, Squire sviluppò un tono melodico distintivo che divenne la forza trainante della musica degli Yes.

Il suo lavoro con il basso ha spinto gli Yes attraverso l’intricato songwriting degli anni ’70, con classici come “Close to the Edge” e “Awaken”. Negli anni ’80, ha svolto un ruolo essenziale nella transizione degli Yes al pop con successi come “Owner of a Lonely Heart”. L’ex tastierista degli Yes Rick Wakeman ha descritto il basso di Squire come “l’arte di trasformare un basso in uno strumento solista in un’altra stratosfera”.

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Altri grandi bassisti

Nel pantheon dei bassisti leggendari, l’elenco si estende in lungo e in largo, mostrando la notevole diversità di talenti all’interno di questo ruolo musicale essenziale. Tra questi nomi illustri, Rick Danko della Band si distingue come una figura piena di sentimento e versatile, nota per le sue linee di basso melodiche e piene di sentimento che hanno contribuito a definire il genere americano.

Geezer Butler, la potenza dietro il suono iconico dei Black Sabbath, ha portato una dimensione oscura e fragorosa all’heavy metal con i suoi fragorosi riff di basso. Il ritmo impeccabile di Bill Wyman ha contribuito in modo significativo all’eredità duratura dei Rolling Stones, mentre il virtuosismo e lo stile innovativo di Cliff Burton hanno rivoluzionato il metal con i Metallica.

Il virtuoso del jazz Richard Davis, il maestro latino Israel Cachao López e il meraviglioso Aston “Family Man” Barrett dei Wailers di Bob Marley, insieme a una serie di altri luminari in questa lista, hanno lasciato un segno indelebile nel mondo della musica dimostrando la creatività illimitata che può essere raggiunta attraverso il basso.

Considerazioni finali sui più grandi bassisti di tutti i tempi

Questi bassisti rappresentano un variegato arazzo di talento e innovazione nel mondo dei bassi. I suoi contributi non solo hanno elevato il ruolo del basso ma hanno anche lasciato un segno indelebile nella storia della musica. Ognuno di questi bassisti, a modo suo, ha ampliato le possibilità di ciò che si può ottenere con le quattro corde, rimodellando generi e ispirando generazioni di musicisti. La loro eredità continua a risuonare e a ricordarci il profondo impatto che i bassisti hanno avuto sull’evoluzione della musica popolare.

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