Os melhores baixistas de todos os tempos

Estes são os melhores baixistas de todos os tempos, considerando o seu impacto na música, incluindo virtuosos como Jaco Pastorius e outros não tão virtuosos, mas grandes músicos como Paul McCartney.

Principais baixistas da história e sua importância

O mundo da música foi moldado e transformado pelas contribuições de inúmeros músicos de vários gêneros. Embora guitarristas e vocalistas frequentemente reivindiquem os holofotes, é essencial reconhecer o papel fundamental dos baixistas na criação da espinha dorsal rítmica e harmônica das músicas. Como disse a lendária musicista Carol Kaye, o baixo é a base, trabalhando em conjunto com o baterista para estabelecer o ritmo e fornecer uma estrutura para o resto dos elementos musicais.

Uma linha de baixo notável tem uma qualidade única; Parece um mantra que poderia durar indefinidamente, tornando-se mais profundo a cada audição. Embora guitarristas, vocalistas e trompetistas possam aproveitar os momentos mais marcantes de uma composição, é o baixista quem traz algo elementar, uma parte que permanece gravada na mente do ouvinte muito depois de a música acabar.

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O papel subestimado do baixo

No entanto, é uma triste realidade que os baixistas sejam frequentemente ignorados e subvalorizados, mesmo dentro das suas próprias bandas. Como Paul McCartney refletiu certa vez sobre sua transição para o baixo nos Beatles: Não era o trabalho número um; Ninguém queria tocar baixo, queriam estar na frente. No entanto, o baixo tem a sua rica e orgulhosa tradição na música popular, abrangendo um amplo espectro de estilos e géneros. Do virtuosismo de Jimmy Blanton na orquestra de Duke Ellington às inovações do bebop de Oscar Pettiford, e do brilho do jazz de Charles Mingus e Ron Carter à magia de estúdio de Carol Kaye e James Jamerson, o baixo deixou uma marca indelével na música.

Nesta exploração, prestaremos homenagem aos maiores baixistas de todos os tempos, pessoas que não só dominaram os seus instrumentos, mas também ultrapassaram os limites do que um baixista pode alcançar. Embora esta lista não seja uma tentativa de classificação com base em habilidades objetivas, ela serve como reconhecimento dos baixistas que tiveram o impacto mais direto e visível na formação dos próprios fundamentos da música popular ao longo do último século.

Os melhores baixistas de todos os tempos

• James Jamerson
• Charles Mingus
• John Entwistle
• Bootsy Collins
• Carol Kaye
• Les Claypool
• Jack Bruce
• Jaco Pastorius
• Larry Graham
• Verdine White
• Ron Carter
• Geddy Lee
• Flea
• Phil Lesh
• Paul McCartney
• Willie Dixon
• João Paulo Jones
• Stanley Clarke
• Charlie Haden
• Donald “Duck” Dunn
• Robbie Shakespeare
• Chris Squire

James Jamerson

James Jamerson é uma figura icônica no mundo do baixo. Ancorando a seção rítmica da Motown, ele expandiu as possibilidades para os baixistas, permanecendo relativamente anônimo, já que os músicos raramente eram creditados nas gravações da Motown na década de 1960. James Jamerson se tornou meu herói, comentou Paul McCartney, embora eu não soubesse seu nome até muito recentemente.

Numa época em que o baixo era frequentemente visto como um instrumento de apoio utilitário, Jamerson ousou ultrapassar os limites. Ele injetou síncope em suas linhas de baixo, adicionou acordes intrincados que introduziram profundidade e complexidade melódica e fez escolhas tonais que evocaram as harmonias da música gospel. Suas contribuições para discos icônicos da Motown são numerosas demais para serem catalogadas exaustivamente, mas alguns exemplos notáveis ​​incluem My Girl, do The Temptations, que apresenta uma das partes de baixo mais reconhecidas e instantaneamente gratificantes da história do pop. Em I Heard It Through the Grapevine, de Gladys Knight, o baixo de Jamerson fornece um contraponto suave e borbulhante ao piano nervoso.

Talvez sua maior conquista tenha sido What’s Going On, de Marvin Gaye, onde a linha de baixo de Jamerson atingiu um nível de brilho hipermelódico.

O legado de James Jamerson é imensurável e sua influência ressoou em gerações de baixistas. Ele transformou o papel do baixo, elevando-o de instrumento de apoio a voz principal no som da Motown.

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Charles Mingus

Charles Mingus, um músico versátil conhecido por suas proezas como baixista, transcendeu as fronteiras tradicionais. Ele não era apenas um baixista; Ele foi compositor, conceitualista, violoncelista de formação clássica e crítico social. Às vezes, sua versatilidade em outras áreas da música ofusca suas notáveis ​​contribuições no baixo.

No centro das criações musicais de Mingus estava um impulso rítmico inabalável que fluía por seus dedos, ressoava pelas cordas e impulsionava suas bandas para frente. Ouvi-lo tocar composições como II BS e Better Get Hit in Your Soul, ao lado de sua alma gêmea musical, o baterista Dannie Richmond, revela a força e a graça de seu jeito de tocar baixo. Ele tinha a habilidade única de infundir em suas linhas de baixo ambulantes imenso poder e agilidade ágil.

A carreira de Mingus abrangeu várias épocas do jazz e ele recusou ser limitado por fronteiras estilísticas. Quer estivesse tocando com a Lionel Hampton Big Band no final da década de 1940, tocando com outros luminares do Bebop na década de 1950, ou participando de diálogos de percussão animados com seu ídolo musical, Duke Ellington, na década de 1960, Mingus constantemente ultrapassava os limites do que o baixo poderia alcançar.

Sua influência estendeu-se além do jazz, como evidenciado por sua colaboração com Joni Mitchell e seu impacto em lendas do rock como Jack Bruce e Charlie Watts. Ao longo de sua vida, Mingus protestou veementemente contra as tentativas de limitar ou subestimar sua arte, declarando: Não quero nenhuma dessas malditas pesquisas. Eu sei que tipo de baixista eu sou.

O legado de Charles Mingus como baixista e compositor perdura, e sua abordagem inovadora ao baixo continua a inspirar músicos de todas as esferas da vida.

John Entwistle

John Entwistle, o baixista do The Who, ganhou o apelido de Thunderfingers devido ao som extraordinário que extraiu de seu baixo. Tocando ao lado de artistas extravagantes como Keith Moon e Pete Townshend, Entwistle enfrentou o desafio de ser ouvido no mesmo palco. No entanto, ele se mostrou à altura da ocasião com notável fluidez e graça, criando um estilo de baixo verdadeiramente único.

Entwistle abordou o baixo como se fosse um instrumento primário, fazendo com que ele aparecesse tão proeminentemente quanto qualquer guitarra na paisagem sonora do The Who. Seu denso solo de baixo em My Generation serviu como fonte de inspiração para inúmeros aspirantes a baixistas, embora emular sua técnica tenha se mostrado uma tarefa quase impossível.

Geddy Lee, do Rush, resumiu apropriadamente o impacto de Entwistle ao afirmar que Entwistle foi indiscutivelmente o maior baixista de rock de todos, ousando assumir o papel e o som do baixo e tirá-lo das profundezas obscuras enquanto exibia essas habilidades incríveis.

O legado de John Entwistle como baixista de rock é inegável e sua abordagem inovadora ao instrumento deixou uma marca indelével no mundo da música.

Bootsy Collins

Bootsy Collins, conhecido por vários pseudônimos como Bootzilla, Casper the Friendly Ghost e a única boneca rock star de strass do mundo, Baba, redefiniu o soul e o funk bass na década de 1970, influenciando posteriormente os reinos do rap e do pop nas décadas de 1980 e 1990.

Collins deixou sua marca quando se juntou à banda de apoio de James Brown, os JB’s, em 1970. Ele imediatamente abraçou o conceito de Brown’s The One, tocando a primeira batida de cada compasso musical com força máxima e infundindo o resto com um funk contagiante. Mais tarde, Collins expandiu esse conceito para um país das maravilhas surreal quando se juntou ao coletivo musical de George Clinton. Suas linhas de baixo suaves e com infusão de wah-wah adicionaram uma dimensão distinta ao som de Parliament e Funkadelic.

Como solista liderando o Bootsy’s Rubber Band, Collins usou óculos escuros em forma de estrela, tocou baixo em forma de estrela e cantou canções de amor de desenho animado com entusiasmo sem limites. Sua influência ressoa na execução de inúmeros baixistas, desde Flea do Red Hot Chili Peppers até os discos sampleados por Dr. Dre para criar o som G-Funk.

George Clinton resumiu melhor quando disse: Bootsy apareceu e tudo o que ele acrescentou… foi a ênfase em um. Você poderia adicionar isso ao ‘The ABC’s’ e seria funk em dois segundos. E a partir de então, tudo o que fizemos foi realmente descolado, não importa o quão pop ou tentássemos ser.

O legado de Bootsy Collins é de inovação funkadelic, uma prova de como um baixista pode redefinir gêneros e trazer o ritmo para a vanguarda da música.

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Carol Kaye

https://youtu.be/E8xdah5CFTU

Carol Kaye, uma baixista prolífica que inicialmente aperfeiçoou suas habilidades nos clubes de jazz da década de 1950, emergiu como uma notável guitarrista de estúdio, contribuindo para sucessos de artistas como Sam Cooke.

Kaye tem a notável distinção de ser a baixista mais gravada de todos os tempos, com seu nome associado a mais de 10.000 faixas. Sua influência abrange uma ampla gama de estilos musicais, desde o swing animado da música Help Me, Rhonda dos Beach Boys de 1965 até a agora clássica versão de La Bamba de Richie Valens de 1958 e a versão romântica de Somethin’ Stupid de 1967. de Frank e Nancy Sinatra.

Mas o impacto de Kaye não termina aí. Deixou uma marca indelével no mundo dos filmes e programas de televisão, fornecendo a maravilhosa espinha dorsal das músicas-tema de programas icônicos como Batman e Missão: Impossível. Sua intuição única orientou sua execução do baixo, permitindo-lhe imaginar um papel mais dinâmico para o instrumento. Como ela disse uma vez, eu era guitarrista e pensei: ‘Deus, essa é uma linha de baixo simples.’ Achei que o baixo poderia se mover mais e a música soaria melhor.

Seus principais colaboradores, incluindo Brian Wilson, reconheceram a magia de seu som e experiência no braço da guitarra, elevando seu som de baixo em suas mixagens. Em músicas como California Girls, seu baixo ocupa o centro do palco, uma prova de suas contribuições sonoras únicas.

Les Claypool

Les Claypool é um baixista virtuoso que emergiu como uma figura de destaque na cena musical da Bay Area no final dos anos 80, dominada por baixistas de thrash-funk. O que diferencia Claypool é sua abordagem inovadora ao baixo, tratando-o não apenas como um instrumento rítmico, mas como um instrumento solo que impulsiona a música.

O estilo único de Claypool incorpora uma ampla gama de técnicas, desde batidas hiperativas no braço esquerdo até dedilhados ultrarrápidos. Adotou uma técnica de palhetada com três dedos, diferenciando-se da norma de dois dedos por maior velocidade e precisão.

Seu baixo vem de uma variedade de fontes, combinando influências de Captain Beefheart a Bootsy Collins. Seu som eclético complementa suas letras excêntricas e narrativas, muitas vezes mergulhando em temas como felinos machos alfa, pescadores míticos e camponeses assassinos.

A versatilidade de Claypool não tem limites. Ele incorpora perfeitamente elementos de riffs de metal a ragas do Oriente Médio em suas linhas de baixo. Seu envolvimento em supergrupos de jam-band como Oysterhead e Colonel Claypool’s Bucket of Bernie Brains aprimorou suas habilidades de improvisação. Sua colaboração atual com Sean Lennon permite explorações psicodélicas progressivas e aventureiras.

Acima de tudo, Les Claypool transformou o papel do baixo, elevando-o de uma mera âncora a uma força dinâmica que impulsiona a música. Seu espírito inovador lhe rendeu a admiração de colegas baixistas como Geddy Lee, do Rush, que reconhece a sensibilidade rítmica única e o estilo distinto de Claypool.

Jack Bruce

Jack Bruce, muitas vezes ofuscado por Eric Clapton e Ginger Baker na lendária banda de rock Cream, desempenhou um papel indispensável para transformá-los em um verdadeiro power trio. Enquanto Clapton entregava ritmos de blues crescentes e Baker explorava um novo território do jazz atrás de seu baterista, Bruce, que também era o vocalista principal do grupo, ancorou a banda com suas linhas de baixo robustas.

O que distinguiu Jack Bruce foi a sua capacidade de fazer do baixo um instrumento assertivo e dinâmico. O baixista do Black Sabbath, Geezer Butler, certa vez atestou a influência de Bruce, dizendo: Jack Bruce definitivamente abriu meus olhos para o que um baixista poderia fazer ao vivo. Fui ver o Cream principalmente por causa de Clapton, e fiquei hipnotizado pela performance de Jack Bruce. Eu não sabia que um baixista poderia fazer essas coisas, ocupando o lugar onde normalmente ficaria a guitarra base.

Quer ele estivesse criando linhas nervosas e agitadas sob os vocais do grupo em I Feel Free, harmonizando brilhantemente em Sunshine of Your Love ou adicionando seu riff característico ao trabalho de guitarra de Clapton em Strange Brew, o baixo de Jack Bruce era nada menos que fascinante. Apesar de sua estatura, Bruce possuía um estilo de tocar monstruoso, fazendo seu baixo cantar com melodia e força.

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Jaco Pastorius

Jaco Pastorius, muitas vezes apelidado de “o maior baixista do mundo”, em 1974 declarou corajosamente sua supremacia ao tecladista do Weather Report, Joe Zawinul, durante uma reunião nos bastidores. Embora Zawinul inicialmente tenha zombado da afirmação de Jaco, não demorou muito para que o mundo testemunhasse seu talento extraordinário. Quando ele se juntou ao Weather Report, Pastorius os transformou em verdadeiras estrelas da fusão.

O álbum de estreia autointitulado de Jaco, de 1976, marcou um momento crucial na história do baixo elétrico. Neste disco, ele tocou bebop de alta velocidade sem esforço e cativou os ouvintes com seus harmônicos hipnotizantes. Ele introduziu um novo padrão de virtuosismo do baixo elétrico que ainda ressoa hoje. Ao mesmo tempo, seu distinto som sem trastes e estilo confiante destruíram a noção de que o baixo era simplesmente um instrumento de fundo.

Apesar de seu jogo marcante e tecnicamente notável, Jaco Pastorius também foi um colaborador notável. De meados da década de 1970 até a década de 1980, ele trouxe sua abordagem revolucionária de quatro cordas para uma variedade de artistas, de Pat Metheny a Jimmy Cliff. Sua colaboração mais famosa foi com Joni Mitchell, onde ele se adaptou perfeitamente às suas composições cada vez mais aventureiras em álbuns como “Hejira”. A própria Mitchell ficou maravilhada com seu desempenho intuitivo, dizendo: “Foi como se eu tivesse sonhado, porque não precisei dar nenhuma instrução a ele. “Eu poderia simplesmente libertá-lo, dar um passo para trás e comemorar suas decisões.”

Larry Graham

Larry Graham, um membro proeminente do Sly and the Family Stone, é conhecido por popularizar a técnica do slap-bass. Essa abordagem distinta para tocar baixo é evidente em canções de sucesso como “Thank You (Falettinme Be Mice Elf Agin)” e “Dance to the Music”. A jornada de Graham nesta técnica icônica começou enquanto tocava em trio com sua mãe em São Francisco.

Quando o baterista do trio decidiu sair, Larry Graham se viu em uma situação única. Para compensar a ausência do bumbo, ele começou a “bater” nas cordas do baixo com o polegar. Para replicar o ritmo da caixa, ele “arrancou” as cordas com os dedos. Esta abordagem inovadora para tocar baixo levou à criação do inconfundível estilo “thumpin’ and pluckin'”, que desde então se tornou uma marca registrada da forma de tocar de Larry Graham.

Esta técnica não só revolucionou o papel do baixo na música popular, mas também teve um impacto profundo na mixagem de músicas. Brian Eno notou a mudança e afirmou que os discos dos anos 1950 apresentavam informações melódicas com destaque, enquanto relegavam os elementos rítmicos a uma posição mais silenciosa. Porém, com o aparecimento de Sly and the Family Stone, incluindo Larry Graham, como visto no álbum “Fresh”, os instrumentos rítmicos, principalmente o bumbo e o baixo, ganharam novo destaque na mixagem. A explicação de Graham foi simples: tocar tão forte garantia que “os dançarinos simplesmente não se esconderiam”.

A influência de Larry Graham estendeu-se a lendas futuras como Prince, um amigo próximo e colaborador frequente, que certa vez se referiu a Graham como “meu professor”.

Verdine White

O baixista Verdine White tornou-se parte integrante da banda americana multigênero Earth, Wind & Fire quando seu irmão, Maurice White, o convidou para se juntar ao grupo em 1970. As habilidades de baixo de Verdine foram aprimoradas sob a tutela de Louis Satterfield, muitas vezes descrito como “o James Jamerson de Chicago” e foi inspirado por grandes nomes do jazz como Ron Carter e Richard Davis.

As contribuições de Verdine White para as milhões de vendas de álbuns do Earth, Wind & Fire foram simplesmente espetaculares. Embora o grupo fosse conhecido por suas danças rápidas, a performance de Verdine realmente brilhou nas baladas. Seu trabalho de baixo em músicas como o barulho de abertura de “Can’t Hide Love”, os ataques de “Love’s Holiday” e os riffs ágeis de “After the Love Has Gone” mostraram sua versatilidade e musicalidade.

Mesmo em faixas dinâmicas, Verdine White deixou uma impressão duradoura com suas linhas de baixo dinâmicas. Ouça sua atuação eletrizante em “Beijo (Interlúdio)”, onde fez as notas tremerem e gemerem, acrescentando uma dimensão única à música. Apesar de suas habilidades extraordinárias, White permaneceu modesto nas entrevistas, atribuindo muito de seu sucesso ao complemento do cantor e garantindo que seu jeito de tocar baixo melhorasse a experiência musical geral.

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Ron Carter

Ron Carter tem sido a pedra angular da intersecção do jazz e do hip-hop. Assim, Q-Tip expressou “No baixo, esse é o meu cara, Ron Carter.” Com uma carreira de mais de 60 anos, as notáveis ​​contribuições de Carter lhe renderam um Recorde Mundial do Guinness por ser o baixista com mais gravações na história do jazz, com mais de 2.200 créditos em seu nome no outono de 2015.

O repertório de Carter é tão diversificado quanto extenso. Ele foi uma parte fundamental do quinteto de Miles Davis da década de 1960, que desempenhou um papel fundamental na remodelação do cenário do jazz. Sua capacidade de fornecer a base rítmica e musicalidade perfeitas é evidente em gravações clássicas ao lado de artistas como Roberta Flack e Aretha Franklin. Além disso, criou com maestria a base rítmica do pioneiro da bossa nova Antônio Carlos Jobim e ainda deu nova vida às obras de Bach.

Seja tocando em uma dupla discreta ou em uma big band animada, Ron Carter sempre traz um toque de pura classe ao palco. Colaboradores como Pat Metheny elogiaram Carter, descrevendo-o como “um dos músicos ouvintes mais consumados”. A sua capacidade de se adaptar a inúmeras configurações musicais únicas, mantendo-se fiel à sua identidade musical distinta, é uma prova do seu brilho e versatilidade.

Geddy Lee

Geddy Lee, o mestre multitarefa do mundo do baixo, alcançou status lendário como vocalista do Rush. No palco, ele lidou habilmente com as funções de baixo, além de tocar teclado e sintetizadores controlados pelos pés. Além disso, sua habilidade vocal imprudente mostrou ainda mais seu talento incrível. No entanto, foi o seu baixo que realmente solidificou seu lugar como um ícone no mundo do rock progressivo.

O trabalho do baixo de Geddy Lee é caracterizado pela robustez, som vigoroso e agilidade impressionante, adornado com a quantidade certa de estilo ousado. Ele é considerado um dos elos essenciais entre os baixistas pioneiros dos anos 60, como Jack Bruce e John Entwistle, e os inovadores dos anos 90, como Les Claypool e Tim Commerford do Rage Against the Machine.

Ao longo das várias épocas da música do Rush, o baixo de Geddy Lee adicionou coragem, estilo e um toque inesperado de funk. Seja em álbuns high-prog dos anos 70 como “A Farewell to Kings”, joias dos anos 80 influenciadas pela New Wave como “Grace Under Pressure” ou esforços estilizados e contundentes dos anos 90 como “Counterparts”, suas linhas de baixo imaginativas funcionaram como ganchos. Suas notáveis ​​contribuições para o catálogo do Rush deixaram um impacto duradouro no mundo do rock inovador.

Algumas das partes de baixo mais destacadas de Geddy Lee incluem o suporte desequilibrado que abre “Cygnus -pop de “Scars”. Essas linhas de baixo forneceram a base para a música do Rush e também atuaram como motivos musicais distintos e memoráveis ​​por si só.

A admiração de Les Claypool por Geddy Lee

Les Claypool, baixista da icônica banda Primus, certa vez expressou sua admiração por Geddy Lee, afirmando: “Foi ele quem, quando eu tinha 14 anos, pensou: ‘Uau, com certeza gostaria de fazer esses sons.'” “Ainda estou tentando fazer isso.” Este sentimento destaca a influência duradoura do trabalho de Geddy Lee no baixo, inspirando gerações de aspirantes a baixista a explorar o potencial expressivo do instrumento.

Flea

Flea, cujo nome verdadeiro é Michael Balzary, é o baixista insubstituível do Red Hot Chili Peppers, uma banda que tem visto uma porta giratória de bateristas e guitarristas desde a sua criação em 1983. Sua magia no baixo é a base do som distinto da banda. Pimentas. uma mistura inebriante de punk, funk e psicodelia.

Influenciado por seu padrasto músico de jazz durante seus anos de formação, Flea inicialmente aspirava ser trompetista de jazz. No entanto, seu espírito adolescente rebelde o levou ao caminho do punk rock, onde encontrou sua verdadeira vocação como baixista. Seu estilo icônico, caracterizado por melodias pastelão e comoventes inspiradas em Bootsy Collins, deixou uma marca indelével no repertório da banda.

Além dos Chili Peppers, a jornada musical de Flea tem sido diversificada. Ele contribuiu com seu talento para o álbum de estreia de Mars Volta, “De-Loused in the Comatorium”, e colaborou com Thom Yorke na formação do Atoms for Peace, mostrando sua notável versatilidade.

Anthony Kiedis, o líder dos Chili Peppers, declarou certa vez: “Os Red Hot Chili Peppers são pulgas”. Esta afirmação resume a verdade de que a presença e o talento artístico de Flea são essenciais para a existência da banda. Seu som terroso e extremamente carismático continua sendo a pedra angular do apelo duradouro dos Chili Peppers, garantindo que seu legado como um dos baixistas mais icônicos do rock perdure.

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Phil Lesh

Quando se trata de reinventar o papel do baixo na música rock, o fundador e baixista de longa data do Grateful Dead, Phil Lesh, se destaca como um pioneiro. A jornada musical de Lesh começou com experiência em música clássica e experimental, já que tocava trompete e violino durante os anos de ensino médio. No entanto, sua vida tomaria um rumo diferente quando ele foi convidado a se juntar aos Warlocks, a primeira encarnação do Grateful Dead.

A abordagem de Phil Lesh ao baixo era tudo menos convencional. Ele escolheu romper com os clichês padrão do baixo ambulante que prevaleciam na época. Em suas próprias palavras: “Não achei que isso seria certo para a música que faria com Jerry; apenas para fazer algo que outra pessoa fez. A visão única de Lesh era “tocar baixo e solo ao mesmo tempo”, uma técnica que envolvia suas notas se movendo dentro e ao redor da estrutura melódica.

Essa abordagem distinta do baixo tornou-se uma marca registrada do som do Grateful Dead, tão reconhecível quanto a forma de tocar guitarra de Jerry Garcia. As linhas de baixo inovadoras e não convencionais de Lesh podem ser ouvidas em gravações de estúdio como “Truckin’”, “Shakedown Street” e “Cumberland Blues”. Porém, é nas apresentações ao vivo de músicas como “Scarlet Begonias” e “Eyes of the World” que o trabalho do baixo de Lesh realmente brilha. Em particular, o show de Cornell em 1977 é celebrado por capturar a essência da arte do baixo de Lesh.

Paul McCartney

Paul McCartney é frequentemente elogiado por seu talento excepcional como cantor, compositor e intérprete ao vivo. No entanto, há um aspecto de suas proezas musicais que às vezes é subestimado: suas notáveis ​​habilidades como baixista. A jornada de McCartney com o baixo começou por necessidade durante os primeiros dias dos Beatles.

Em 1961, depois que Stu Sutcliffe deixou a banda em Hamburgo, McCartney se viu relutantemente assumindo o baixo. Ele relembrou a situação com humor e afirmou: “Há uma teoria de que eu removi Stu maliciosamente do grupo para pegar a cadeira do baixo. Esqueça! Ninguém quer tocar baixo, ou ninguém queria naquela época.” Apesar de sua reputação menos glamorosa, McCartney tornou o baixo seu, passando de seu Hofner para um Rickenbacker à medida que as aventuras de estúdio dos Beatles se expandiam no final dos anos 60.

Evolução do baixo de Paul McCartney

O baixo de McCartney exibiu notável versatilidade. Serviu como uma base estável e confiável para canções como “Lucy in the Sky With Diamonds” e “Dear Prudence”. No entanto, seu baixo não foi simplesmente relegado a um papel coadjuvante; ele frequentemente assumia o papel de um personagem principal colorido por direito próprio. Faixas como “Paperback Writer”, “Rain” e “A Day in the Life” mostraram a capacidade de McCartney de transmitir uma sensação de saudade, excitação e aventura através de suas linhas de baixo melódicas.

Muito do estilo de baixo de McCartney nesta época devia a James Jamerson, famoso pela Motown, a quem ele frequentemente citava como uma influência significativa em seu jeito de tocar baixo. A jornada musical de McCartney estendeu-se além dos anos 60 e fez uma transição perfeita para a era disco com canções como “Silly Love Songs” e “Goodnight Tonight”. Ao longo de sua carreira, mesmo que seu interesse pelo baixo tenha oscilado, McCartney continuou a inspirar gerações de aspirantes a baixista, demonstrando o potencial expressivo de uma excelente linha de baixo.

Willy Dixon

Willie Dixon é celebrado como uma das figuras mais influentes na história do blues. Suas contribuições vão muito além de sua carreira no blues, já que suas canções foram interpretadas por lendas do blues como Howlin’ Wolf e Muddy Waters. No entanto, o papel de Dixon na formação do cenário da música rock é uma parte importante de seu legado duradouro.

Dixon não foi apenas um compositor prolífico, mas também um baixista que desempenhou um papel fundamental nas primeiras gravações de rock. Ele emprestou suas habilidades de baixo para gravações de artistas icônicos como Chuck Berry e Bo Diddley. Além disso, as próprias composições de Dixon, incluindo “I Can’t Quit You Baby” e “I Ain’t Superstitious”, foram regravadas por uma ampla variedade de músicos, de Led Zeppelin ao Megadeth. A jornada de Dixon com o baixo começou com um começo humilde, usando um “baixo de lata” antes de economizar para comprar um contrabaixo. Sua dedicação ao domínio do instrumento ficou evidente ao equilibrar seu tempo entre o boxe, o trabalho e a música.

Dixon aprendeu com os músicos locais Baby Doo Caston e Hog Mason, eventualmente desenvolvendo seu estilo de baixo único e definidor de gênero. Quando Chuck Berry inicialmente tocou para Dixon a música que se tornaria “Maybellene”, Dixon sentiu que tinha muita influência country e ocidental. Ele viu a oportunidade de infundir nele uma atitude blues, transformando-o em um clássico do rock & roll.

A influência de Dixon

A influência de Dixon estendeu-se além da música em si; Seu impacto sobre músicos e bandas, como os Rolling Stones, foi imensurável. Bill Wyman, o baixista dos Stones, declarou certa vez: “Willie Dixon é a principal influência para mim”. O profundo efeito de Dixon na evolução da música, particularmente do rock e do blues, solidificou seu lugar como baixista e compositor lendário. Sua habilidade de combinar elementos de blues com rock lançou as bases para inúmeros hinos icônicos do rock ‘n’ roll.

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John Paul Jones

Embora o Led Zeppelin parecesse ter surgido do nada, totalmente formado, no final dos anos 60, tanto o guitarrista Jimmy Page quanto o baixista e tecladista John Paul Jones tinham anos de sessões de jogo atrás deles. Inspirado pelos discos da Motown e por baixistas de jazz como Charles Mingus, Jones tocou em gravações de Donovan, Jeff Beck e Dusty Springfield, entre outros, e fez os arranjos de cordas para “She’s a Rainbow” dos Rolling Stones.

Então, quando chegou a hora de tocar as linhas lentas de “Dazed and Confused” e “What Is and What Should Never Be” ou os ritmos carregados de “Immigrant Song” e “The Song Remains the Same”, em harmonia com Page: foi tão fácil. Seu senso de musicalidade também o guiaria muito além de seu tempo no Led Zeppelin. “John desafia a todos silenciosamente”, disse Dave Grohl ao tocar com Jones em Them Crooked Vultures. “A presença dele faz você jogar o melhor que pode, porque você não quer decepcioná-lo. E se você conseguir acompanhar, você está fazendo certo.”

Stanley Clarke

Stanley Clarke é um baixista cuja carreira incorpora a fusão do rock e do jazz, revolucionando o papel do baixo nestes géneros. Clarke inicialmente começou sua jornada musical como contrabaixista com aspirações na música clássica. Foi seu encontro com Chick Corea durante um show que o levou a uma nova direção.

Clarke e Corea formaram Return to Forever, um dos grupos de jazz mais proeminentes da década de 1970. Nesta banda, Clarke encontrou uma plataforma para ancorar o baixo da música e emergir como uma estrela solista. Seus primeiros álbuns solo, incluindo “School Days”, mostraram sua transição para o funk e destacaram sua incrível habilidade técnica, mantendo um forte senso de ritmo.

As contribuições de Stanley Clarke foram além da música quando ele se aventurou no campo da trilha sonora para cinema e televisão. Sua influência ressoou em músicos de novas gerações, e artistas como Thundercat reconheceram a importância de Stanley Clarke como referência para o que pode ser alcançado com o baixo. Thundercat disse uma vez: “Agradeço a Deus que exista um Stanley Clarke como referência para o que é possível com o baixo.”

O impacto de Clarke no baixo não se limitou à sua forma excepcional de tocar; Ele quebrou os padrões criando sua própria banda e ganhando fama como um virtuoso do baixo. Como ele disse uma vez: “Antes de eu aparecer, muitos baixistas estavam atrás. Eles eram caras muito quietos que não pareciam escrever música. Mas muitos desses baixistas eram músicos sérios. “Tudo o que fiz foi arriscar e criar minha própria banda.”

Charlie Haden

O impacto de Charlie Haden no mundo do jazz é imensurável. Sua capacidade de infundir até mesmo os estilos musicais mais contemporâneos com uma qualidade atemporal é o que o diferencia. Pode-se testemunhar isso na abertura icônica de “Lonely Woman”, uma música do inovador álbum de 1959 de Ornette Coleman. A melodia do baixo de Haden, acompanhada pelo prato de passeio duplo de Billy Higgins, cria uma sensação de atemporalidade, ancorando a música como raízes na terra.

A jornada musical de Charlie Haden começou em Iowa, onde cresceu cantando canções country no programa de rádio de sua família. Foi uma apresentação do lendário Charlie Parker que despertou sua paixão pelo jazz. Mudando-se para Los Angeles para cursar a faculdade no final dos anos 1950, Haden cruzou o caminho de Ornette Coleman, o saxofonista que levaria o jazz à sua próxima fronteira radical.

Haden tornou-se parte integrante da visão de Coleman, trazendo força e elevação para bandas ao vivo e de estúdio, incluindo um show memorável em 1968, no qual eles apoiaram Yoko Ono. Ele também carregou a tocha Coleman em diversos projetos satélites como Old e New Dreams, mostrando sua versatilidade e capacidade de adaptação a diferentes contextos musicais.

A influência de Charlie Haden

A influência de Charlie Haden estendeu-se a todos os cantos do jazz de mente aberta e visão de futuro. Colaborou com artistas renomados como Pat Metheny, Keith Jarrett e Alice Coltrane. O seu projecto de orientação política, a Orquestra de Música da Libertação, reflectiu o seu compromisso em usar a música como veículo de mudança. O trio caloroso e empático de Haden com Ginger Baker e Bill Frisell mostrou sua habilidade de se conectar com outros músicos em um nível profundo.

Seu alcance musical era amplo e ele trabalhou perfeitamente com artistas de diferentes gêneros, incluindo Ringo Starr, KD Lang e até mesmo seu filho e suas filhas trigêmeas. Ornette Coleman capturou habilmente a essência da música de Charlie Haden quando escreveu: “Charlie Haden toca para a existência do ouvinte”, tornando-o um verdadeiro guru musical.

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Donald “Duck” Dunn

O nativo de Memphis, Donald “Duck” Dunn, ganhou seu apelido enquanto assistia desenhos animados da Disney com seu pai, um apelido que permaneceria com ele por toda a vida. Embora não seja um membro original da influente banda house da Stax, Booker T. and the MG’s, Dunn assumiu as funções de baixo de Lewie Steinberg em 1964 e impulsionou o grupo a novos patamares.

Seu tempo com a banda coincidiu com a criação de álbuns seminais de soul sulista de artistas como Otis Redding, Wilson Pickett e Sam e Dave. O baixo de Dunn se adaptou perfeitamente ao som em evolução da banda, caracterizado por maior agressividade e síncope. Ele desempenhou um papel fundamental na habilidade da banda de dominar vários estilos, incluindo baladas pop urbanas, misturas de country-soul e soul dinâmico com infusão de gospel.

Ouça a linha de baixo silenciosamente descendente de Dunn na versão instrumental de MG de “When Something Is Wrong With My Baby” de Sam e Dave ou a contagiante abertura de “(Sittin’ on) the Dock of the Bay” de Otis Redding. Sua contribuição para a banda foi monumental e, como Bootsy Collins certa vez reconheceu, ele foi um “tijolo em nossa base musical”.

O trabalho notável de Donald “Duck” Dunn estendeu-se além da Stax, já que ele colaborou com uma variedade de lendas do rock e do pop, incluindo Eric Clapton, Stevie Nicks, Bill Withers e Neil Young. No entanto, foi o seu influente trabalho com Booker T., Steve Cropper e Al Jackson que realmente redefiniu a música popular. Como Peter Frampton disse apropriadamente: “Dunn escreveu o livro sobre baixo R&B”.

Robbie Shakespeare

Robbie Shakespeare, em colaboração com seu parceiro rítmico Sly Dunbar, deixou uma marca indelével no mundo do reggae. Seu som instantaneamente reconhecível e estilo único os diferenciaram no início dos anos 1970. Sly Dunbar, refletindo sobre seu primeiro encontro, mencionou que foi a plenitude do baixo de Robbie Shakespeare que chamou sua atenção.

Os dois músicos colaboraram com todos os grandes artistas da era de ouro do reggae, contribuindo com sua base fluida e melódica, mas inabalavelmente sólida, para álbuns clássicos como “Two Sevens Clash” de Culture e “Equal Rights” de Peter Tosh. Seu domínio do gênero dub ficou evidente em sua capacidade de criar uma paisagem sonora espaçosa e rítmica, que se tornou uma marca registrada de sua música.

À medida que o reggae evoluiu para o dancehall na década de 1980, Sly e Robbie adaptaram-se perfeitamente ao contexto digital, preservando a sensação orgânica da sua música. A sua versatilidade transcendeu as fronteiras do reggae e desempenharam um papel essencial em álbuns de rock e pop de artistas como Grace Jones, Talking Heads, Bob Dylan, Mick Jagger e muitos outros. A influência de Sly e Robbie no cenário musical global foi imensurável e eles desempenharam um papel fundamental na formação do som jamaicano e na sua partilha com o mundo.

Chris Squire

Ao longo das décadas, o Yes passou por diversas mudanças de formação, mas uma constante permaneceu: o baixista Chris Squire. Squire foi a base do som do Yes e suas contribuições para o mundo do rock progressivo foram monumentais. Inspirado por baixistas como Jack Bruce, John Entwistle e Paul McCartney, Squire desenvolveu um tom melódico distinto que se tornou a força motriz por trás da música do Yes.

Seu trabalho no baixo impulsionou o Yes através das intrincadas composições da década de 1970, com clássicos como “Close to the Edge” e “Awaken”. Na década de 1980, ele desempenhou um papel essencial na transição do Yes para o pop com sucessos como “Owner of a Lonely Heart”. O ex-tecladista do Yes, Rick Wakeman, descreveu o baixo de Squire como “a arte de transformar um baixo em um instrumento principal em outra estratosfera”.

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Outros grandes baixistas

No panteão de baixistas lendários, a lista se estende por toda parte, mostrando a notável diversidade de talentos dentro deste papel musical essencial. Entre esses nomes ilustres, Rick Danko, da The Band, se destaca como uma figura comovente e versátil, conhecido por suas linhas de baixo melódicas e comoventes que ajudaram a definir o gênero americano.

Geezer Butler, a potência por trás do som icônico do Black Sabbath, trouxe uma dimensão sombria e estrondosa ao heavy metal com seus estrondosos riffs de baixo. O ritmo impecável de Bill Wyman contribuiu significativamente para o legado duradouro dos Rolling Stones, e o virtuosismo e estilo inovador de Cliff Burton revolucionaram o metal com o Metallica.

O virtuoso do jazz Richard Davis, o maestro latino Israel Cachao López e o profundamente maravilhoso Aston “Family Man” Barrett dos Wailers de Bob Marley, juntamente com uma série de outros luminares desta lista, deixaram uma marca indelével no mundo da música. demonstrando a criatividade ilimitada que pode ser alcançada através do baixo.

Considerações finais sobre os maiores baixistas de todos os tempos

Esses baixistas representam uma tapeçaria diversificada de talento e inovação no mundo do baixo. Suas contribuições não apenas elevaram o papel do baixo, mas também deixaram uma marca duradoura na história da música. Cada um desses baixistas, à sua maneira, ampliou as possibilidades do que pode ser alcançado com quatro cordas, remodelando gêneros e inspirando gerações de músicos. Os seus legados continuam a ressoar e a lembrar-nos do profundo impacto que os baixistas tiveram na evolução da música popular.

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