노래를 쓰는 방법: 가사, 음악, 제목 및 아이디어

노래를 쓰는 방법: 가사, 음악, 제목 및 아이디어
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노래를 단계별로 작성하는 방법: 노래를 만들기 위한 창의력과 영감을 자극하는 가사, 멜로디, 제목, 아이디어 및 기술.

곡을 쓰는 쉬운 방법

여기에서 우리는 당신 에게 노래를 쓸 수 있는 쉽고 명확한 방법을 보여줍니다  . 이 방법론은 아티스트 및 싱어송라이터로서 노래를 작곡하거나 음악 출판사, TV 프로그램 및 광고에 제공하는 데 도움이 됩니다. 이 기술은 메시지를 전달하고 청취자가 노래 전체에 참여하도록 하는 데 중점을 둡니다. 이 곡 작성 방법은 많은 작곡가들에 의해 사용됩니다.

이 방법의 장점은 모든 유형의 음악가가 사용할 수 있다는 것입니다. 악기의 숙달 수준이나 기타, 베이스, 피아노, 우쿨렐레 등 연주하는 악기에 관계없이 이 기법을 사용하여 노래를 만들 수 있습니다. 또한 이러한 방식으로 노래 를 만드는  것은 포괄적인 접근 방식을 사용하여 유연성을 많이 제공하므로 다른 방법과  결합할 수 있습니다. 가이드의 끝에서 우리는 당신에게 노래를 쓰는 다른 방법을 알려줍니다.

먼저 노래의 가사를 쓴 다음 음악의 구성을 다룰 것입니다. 그러나 단계를 순차적으로 따를 필요는 없다는 점을 분명히 해야 합니다. 오히려 작사, 작곡을 오가며 한 걸음 한 걸음 성숙해가는 것이 가장 좋은 방법이다.

노래를 작성하는 단계:

  1. 노래의 주제를 선택하고 제목을 작성하십시오.
  2. 선택한 주제에 대해 질문하여 노래 가사에 답하세요.
  3. 노래의 구조를 정의하십시오 – 절, 코러스, 브리지 및 프리 코러스 –
  4. 노래의 멜로디 기반을 설정합니다: 템포와 음계 유형.
  5. 2단계의 질문에 답하는 가사를 쓰세요.
  6. 가사를 쓰면서 음악을 작곡하세요.

포인트 3, 4, 5, 6은 동시에 수행되어야 합니다. 포인트 중 하나를 진행할 때마다 아이디어가 발생하여 다른 포인트와 계속 이어집니다. 예를 들어 멜로디는 가사에 영감을 줄 수 있으며 그 반대의 경우도 마찬가지입니다.

쉽고 효과적으로 노래를 쓰는 단계.

따라서 곡을 만드는 방법론 에 대한 자세한 설명  에서는 작사 부터 시작하여 작곡으로 진행합니다. 이 두 가지 과정이 함께 수행되어야 하며 둘 사이의 시너지 효과를 얻을 수 있습니다.

노래 가사를 쓰는 방법

노래 제목 쓰기

첫 번째 단계는 노래 제목을 선택하는 것입니다. 제목을 만드는 목표는 노래의 주요 아이디어를 정의하는 것입니다. 따라서 노래의 단일 주제에 집중하고 집중할 수 있습니다. 당신이 말하고 표현하고 싶은 것을 요약하는 한 단어에서 여섯 단어 사이의 문구를 선택하십시오. 

상황이나 감정을 암시하는 매력적이고 흥미로운 문구를 찾으십시오. 좋은 자원은 행동 단어를 선택하는 것입니다. 이렇게 하면 더 많은 에너지를 얻을 수 있고 듣는 사람에게 더 강력한 메시지를 전달할 수 있습니다. 또 다른 영감을 주는 기술은 이미지를 떠올리게 하는 문구를 사용하는 것입니다. 그러면 청자가 노래의 내용을 이해할 수 있습니다.

여러 구절을 생각한 다음 하나를 선택하는 것이 좋습니다. 그런 다음 선택되지 않은 사람들은 노래 가사를 쓸 때 봉사할 수 있습니다.

제목과 관련된 질문 목록 작성

스스로에게 물어야 할 첫 번째 질문은 다음과 같습니다.

  • 노래 제목에 대해 하고 싶은 말은 무엇인가요?
  • 그것에 대해 어떻게 생각하세요?
  • 청취자가 무엇을 알고 듣고 싶어할 것이라고 생각합니까?
  • 그 원인은 무엇입니까? 
  • 다음에 무슨 일이 일어 날까?

당신이 표현하고 싶은 것과 듣는 사람이 물어볼 것 같은 것에 대한 답이 적어도 3~4개 있으면 노래의 가사로 넘어갈 수 있습니다.

태블릿과 헤드폰으로 기타를 연주하고 앱을 사용하여 노래를 만드는 여성.

노래 구조 선택

구성은 곡 구성 과정에서 변경될 수 있습니다. 노래의 구조가 어떻게 될 것인지에 대한 개요를 시작하는 것이 좋습니다. 가장 일반적인 구조는 다음과 같습니다.

  • 시 / 후렴 / 시 / 후렴 / 후렴
  • 시 / 후렴 / 시 / 후렴 / 다리 / 후렴
  • 구절 / 구절 / 구절 / 구절 / 구절
  • 절 / 전 후렴 / 후렴 / 절 / 전 후렴 / 후렴

우리가 이야기를 할 것인지, 노래의 바탕이 되는 주요 메시지가 있는지, 긴장과 결의의 순간이 있는지를 생각하면 노래의 구조를 대략적으로 알 수 있습니다. 일반적인 이야기는 후렴이나 다리 없이 많은 구절을 사용합니다. 노래 전체가 도는 중심 아이디어가 있다면 후렴이 주요 메시지를 전달하는 가장 좋은 장소가 될 것입니다. 마지막으로 브리지는 장력과 해상도를 생성하는 데 이상적입니다.

그러나 노래 가사에 포함된 메시지가 가장 잘 전달되는 구조에 대해 생각할 필요만 있는 것은 아닙니다. 또한 청취자에게 무엇을 제공하고 싶은지 생각해야 합니다. 주로 가사와 메시지에 집중하는 음악가는 후렴을 사용하지 않는 경향이 있습니다. 그러나 이 노래는 듣는 사람에게 다소 단조로울 수 있습니다.

반면에 감정을 퍼뜨리고 싶다면 노래의 멜로디가 그것을 달성하는 훌륭한 수단입니다. 그런 의미에서 다양한 앰비언스를 처리하고 듣는 사람을 더 푹 빠지게 하고 패턴을 변경하는 것이 가장 좋습니다. 따라서 가장 좋은 구조는 verse, chorus, bridge 그리고 pre-chorus를 결합하는 것입니다.

다운로드할 템플릿을 아래에서 찾으면 구조에 도움이 되며 노래를 만들기 위한 팁이 포함되어 있습니다.

각 섹션과 팁을 자세히 설명하는 작곡 도움말 템플릿입니다.

유명한 노래를 듣고 분석

고전 노래의 구조를 듣고 이해하는 것은 노래 구조와 작곡 자원에 대한 이해를 높이는 훌륭한 기술입니다. Rolling Stones의 Start Me Up, Billy Joel의 Piano Man과 같은 노래를 들어보세요. 당신의 마음에 귀를 기울이십시오 아니면 그것은 사랑이었을 것입니다(Roxette, Sweet Child O’Mine, Guns’ N Roses의 정글 또는 파라다이스 시티에 오신 것을 환영합니다); Cat Stevens의 아버지와 아들, 비틀즈의 A Hard Day’s Night or I Want To Hold Your Hand; 노래 구조, 음악 및 문학 자원에 익숙해지도록 하고 노래를 만드는 과정을 다룰 수 있는 몇 가지 훌륭한 노래의 이름을 지정합니다 .

질문에 답하는 노래의 가사 쓰기

처음에 제기된 질문에 답하기 시작합니다. 코러스 또는 첫 번째 구절로 시작할 수 있습니다. 이 두 부분은 노래에서 가장 중요한 부분이 될 것입니다. 노래 가사를 쓰기 위해 질문에 답할 필요는 없습니다. 유연하게 대처하세요. 여러 번 답변에서 다른 질문이 발생하고 물론 새로운 답변이 나옵니다!

그러나 우리가 보았듯이 노래의 가장 관련성 있고 중요한 메시지부터 시작하는 것이 좋습니다. 따라서 가장 중요한 질문은 후렴에서 답해야 합니다.

그런 다음 문맥을 제공하고 노래의 내용을 이해하는 데 도움이 되는 기본 질문을 선택합니다. 이러한 질문은 처음 몇 구절에서 답해야 합니다.

마지막으로 “왜”라는 질문은 다리나 마지막 구절에서 대답하는 것이 이상적입니다. 이렇게 하면 노래 전반에 걸쳐 관심, 호기심, 관심을 불러일으킬 수 있습니다.

제목과 같이 항상 이미지나 행동을 연상시키는 단어를 사용하면 가사에 생명을 불어넣고 더 임팩트 있게 소통할 수 있습니다. 좋은 노래의 가사는 듣는 사람이 머리로 이야기나 메시지를 시각화할 수 있도록 하는 것입니다.

설명 단어, 형용사, 장소, 감정, 감각 및 기타 정보를 사용하여 청취자가 책을 읽는 것처럼 상상력으로 노래에 몰입할 수 있는 분위기를 생성합니다.

좋은 노래의 핵심: 훌륭한 합창

코러스는 노래의 핵심입니다. 코러스는 노래의 주요 아이디어나 메시지를 표현해야 합니다. 간단하고 명확해야 합니다. 일반적으로 이것은 전체 노래에서 가장 강렬한 부분이며 노래 자체의 제목입니다.

훌륭한 합창이 있어야 하는 것은 무엇입니까?
  • 노래의 주제를 나타내는 간단하고 명확한 문구 -몇 단어 -.
  • 후크와 기억에 남는 멜로디와 프레이즈, 이를 위해서는 듣는 사람이 쉽게 부를 수 있어야 합니다.
  • 펀치감이 있어야 합니다. 더 많은 보컬과 악기 편곡으로 뒷받침되어야 훌륭하고 큰 소리를 낼 수 있습니다.
  • 노래의 가장 높은 부분, 절정에 도달하십시오.
메모장과 펜이 위에 있는 기타는 노래 가사를 쓰는 과정을 반영합니다.

첫 구절의 힘을 활용하라

후렴 외에도 첫 번째 구절은 일반적으로 노래에서 가장 강력한 부분입니다. 첫 소절만 들어도 노래에 홀린 적이 몇 번이나 되세요? 따라서 노래 가사의 첫 번째 줄은 듣는 사람의 관심을 끌 수 있는 매우 흥미로운 것이어야 합니다.

첫 구절에 대한 좋은 아이디어:

  • 상황 설명,
  • 노래의 주인공 발표,
  • 흥미로운 진술,
  • 질문

훌륭한 자료는 첫 번째 구절의 개념을 강화하기 위해 두 번째 줄을 사용하는 것입니다. 따라서 두 번째 구절에서 첫 번째 줄과 동일하지만 다른 방식으로 말하거나 조금 더 많은 정보를 추가하는 것이 좋습니다. 너무 많은 정보로 노래의 첫 부분에 과부하를 주지 마십시오. 듣는 사람은 여전히 ​​자리를 잡고 이해하고 해석하고 있습니다. 때로는 합창을 처음으로 부르기 전에 두 개의 구절을 넣는 것이 매우 현명합니다. 또한 코러스를 위한 노래를 준비하기 위해 프리 코러스를 사용하는 것도 좋은 자료입니다.

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사실적이거나 추상적인 서사 스타일

마지막으로, 해석의 여지 없이 모든 것이 정확하게 전달되는 매우 현실적이고 투명하며 직접적인 내러티브 스타일을 선택할 수 있습니다. 또는 반대로 보다 추상적인 스타일을 사용하고 은유, 환상적인 표현, 상징 또는 유추, 그리고 각 청취자가 개인적인 해석을 할 수 있도록 하는 모호하고 모호한 문구를 사용할 수 있습니다.

노래 가사의 사실주의

현실주의는 직접적이고 명확한 메시지입니다. 그것은 이중 해석을 일으키지 않습니다. 정치적인 메시지를 담은 곡을 쓸 때나 사회적 현실을 말하고 싶을 때 많이 쓰는 스타일이다. 물론 어떤 종류의 이야기를 하거나 사랑 노래를 할 때도 사용할 수 있습니다. 일반적으로 노래 가사를 쓸 때 가장 많이 사용하는 스타일입니다.

초록 노래 가사

이 스타일은 점점 더 많이 사용되며, 보다 추상적이고 은유적인 방식으로, 즉 덜 직접적으로 말하는 것으로 구성됩니다. 따라서 메시지를 마스킹하거나 “암호화”하여 각 청취자가 자신의 해석을 갖도록 하거나 소수만 이해할 수 있습니다. 이 스타일에는 여러 가지 목적이 있을 수 있습니다.

  • 부분 또는 전체의 의미는 각 청취자의 해석에 맡기십시오.
  • 청취자로부터 관심을 불러일으키고 더 큰 관심을 불러일으키고 추종자들 사이에서 의미에 대한 토론을 일으키십시오.
  • 리스너 및 팔로어와 함께 선호도 그룹을 생성합니다.

이것은 현대 예술가들 사이에서 점점 더 많은 추종자를 얻고 있는 훌륭한 리소스입니다. 물론 이 스타일을 남용해서는 안 됩니다. 어떤 의미를 지닌 일관된 가사라기보다 가사가 한 구절의 모음처럼 보이는 곡을 쓰는 오류에 빠지기 쉽기 때문입니다.

우리가 보았듯이 이 스타일은 아티스트와 청취자 사이에 “친화성 그룹”을 생성하는 데 도움이 될 수 있습니다. 따라서이 공통 언어와 용어를 통해 나머지 그룹과 다른이 그룹입니다.

노래의 멜로디를 쓰는 방법

우리는 이미 당신의 노래 가사의 기초를 정의했습니다. 이제 노래의 멜로디를 구성할 차례입니다. 어떤 음악 스타일을 사용할 것인지, 템포를 사용할 것인지, 그리고 그것이 행복한 음악인지 슬픈 음악인지 여부. 이 시점에서 노래 가사를 끝낼 필요는 없으며 스케치, 초안만 있으면 됩니다. 음악을 작곡하는 과정에서 새로운 아이디어를 얻을 수 있기 때문에 가사로 발전할 수 있습니다.

기타를 연주하고 노래를 만드는 여자: 멜로디와 가사.

노래의 멜로디 템포

첫 번째 단계는 노래의 템포를 정의하는 것입니다. 이를 위해 가사와 메시지에 대해 생각하고 필요한 에너지 수준을 정의해야 합니다. 많은 에너지와 감정을 전달하고 싶습니까? 아니면 좀 더 감성적인 노래 가사인가요? 이 질문은 더 빠르고 활기찬 노래가 필요한지 아니면 느리고 진심 어린 곡이 필요한지 알려줄 것입니다.

노래의 멜로디/음계 유형

당신의 노래가 에너지가 넘친다면 아마도 메이저 스케일을 사용하게 될 것입니다. 반면에 곡이 좀 더 차분하고 감상적이라면 기쁠 때냐 슬플 때냐에 따라 메이저나 마이너 스케일을 사용할 수 있다. 또한 모달 스케일 또는 그리스 모드 사용을 고려할 수  있습니다 .

때로는 척도를 선택하는 것이 쉬울 수도 있고 그렇지 않을 수도 있습니다. 매우 개인적인 결정이 될 것입니다. 좋은 방법은 메이저 코드로 시작한 다음 상대적 마이너 코드로 시작하는 것입니다. 예를 들어, C 장조를 연주한 다음 A 단조를 연주하고 노래 가사를 사용하여 멜로디를 불러볼 수 있습니다. 두 화음 중 어떤 화음이 당신이 하려는 이야기를 더 잘 해석하는지 느껴보세요.

후자를 강화하는 훌륭한 기술은 노래 가사에서 하나 또는 두 개의 구절을 선택하고 큰 소리로 말하는 것입니다. 그것을 여러 번 반복하고 감정을 추가하려고 시도하십시오. 문구에 영감을 주는 경우 외칠 수도 있습니다. 열정적인 멜로디를 찾는 ​​훌륭한 방법입니다. 따라서 많은 느낌으로 자신을 표현할 수 있는 리듬과 자연스러운 멜로디를 관찰하십시오. 운문과 합창 모두에 대해 이 작업을 수행하십시오. 자신의 스타일을 찾는 가장 좋은 방법입니다.

하지만 자신이 작곡한 다른 노래와 비슷한 소리를 내며 반복하는 것을 느낄 수 있습니다. 이 경우 기타, 피아노, 베이스 또는 연주하는 악기를 가져와서 다른 코드 진행을 시도하고 그 위에 노래를 부르기 시작합니다. 따라서 멜로디에서 자신을 반복하지 않고 혁신할 수 있습니다. 전체 지판 에서 코드를 연주   하여 음악적 어휘를 확장하십시오.

코러스 멜로디에 코드 추가 시작

멜로디의 구조와 기반이 있으면 노래를 작성할 템포, 음계 및 기본 코드 진행. 진행 또는 단순하고 반복되는 코드 패턴의 다양한 변형을 시도하십시오. 여기에서 사용할 수 있는 여러 코드 진행을 찾을 수 있습니다. 일반적으로 코러스는 구절보다 더 많은 힘과 강렬함을 가지고 더 많은 감정을 표현해야 합니다.

이것이 코러스가 일반적으로 구절보다 높은 음으로 부르는 이유입니다. 그 반대의 노래가 있지만, 가장 강렬함은 운문에 있고 멜로디는 후렴구에서 부드러워지고 해결됩니다. 모든 것은 가사에 달려 있습니다. 노래의 가사와 멜로디가 일치해야 하고 메시지를 강화하여 큰 시너지를 생성해야 한다는 점을 인식해야 합니다.

영감을 주는 코드로 클래식 기타 테스트를 연주합니다.

백 보컬을 사용하여 코러스를 들어 올리기

당신의 코러스에 더 많은 힘과 강렬함을 주기 위한 훌륭한 자원은 백 보컬과 함께 연주하는 것입니다. 비틀즈나 비치 보이즈는 성대를 잘 사용했습니다. 따라서 코러스는 더 풍부하고 더 크게 들립니다. 또한, 단순히 싱어 보이스를 두 배로 하거나 리드 보이스가 부르는 음표의 3분의 1이나 5분의 1에 두 번째 보이스를 추가할 수 있습니다.

또한 거꾸로 된 음색, 즉 가장 높은 음에서 시작하여 가장 낮은 음으로 끝나는 음색과 반대로 가장 낮은 음에서 시작하는 소리가 가장 높은 음으로 끝나는 음색을 사용하는 것은 매우 강력합니다. . 마음을 사로잡는 멜로디 효과를 생성하여 간단한 코드 진행을 마법의 노래로 바꿀 수 있습니다. 코드 진행이 단순하지만 기악 및 보컬 편곡이 훌륭하게 수행된 노래는 믿을 수 없을 정도로 많습니다.

코러스를 제대로 썼는지 어떻게 알 수 있나요? 답은 간단합니다. 정답일 때 의심의 여지가 없습니다. 확신이 서지 않는다면, 당신의 노래에 완벽한 후렴구를 쓰기 위해 계속 노력하십시오. 때때로 해결책은 영리한 기악 또는 보컬 편곡이 될 수 있습니다.

각 아이디어를 기록하거나 잊어버리지 않도록 기록하십시오. 영감의 순간은 매우 덧없을 수 있으므로 동시에 포착하는 것이 중요합니다.

모든 기술 도구를 사용하여 노래 작성

스마트폰은 녹음과 작곡 모두에 훌륭한 동반자가 될 수 있습니다. 코드 진행, 반주 트랙 및 노래 작성을 위한 기타 훌륭한 리소스 가 포함된 여러 앱 이 있습니다  .

노래 만들기를 끝내는 방법

작곡의 다른 부분을 결합하여 노래를 만듭니다.

가사와 멜로디, 즉 운문, 코러스, 브리지 및 프리 코러스 모두 노래가 흐르고 있고 강요된 것이 없다는 느낌이 드는지 확인합니다. 이런 의미에서 서로 다른 섹션이 서로 잘 연결되어 있는지 확인해야 합니다.

멋진 아이디어가 있지만 멋진 노래에 잘 섞이지 않는 경우가 있습니다. 따라서 모든 섹션 간의 일관성을 달성하기 위해 노력하거나 달성하지 못한 부분은 사임해야 합니다. 다른 노래의 버려진 부분에 대해 떠오른 좋은 노래들이 많이 있습니다.

노래의 첫 번째 초안 녹음

마지막 단계 중 하나는 전체 노래의 첫 번째 초안을 녹음하는 것입니다. 기타나 피아노와 같은 악기가 반주하는 단순한 버전의 음성이면 충분합니다. 이것은 일반적으로 더 감정적이고 감상적인 버전이기 때문에 노래의 각 부분의 각 분위기와 강도에 대해 더 잘 작업할 수 있는 훌륭한 리소스입니다. “친밀한” 및 “연결되지 않은” 버전으로 생각하십시오. 그것이 록, 블루스, 팝 또는 일렉트로닉 노래인지는 중요하지 않습니다. 이러한 유형의 버전을 사용하면 해석에 더 많은 역동성과 느낌을 줄 수 있습니다.

노래의 첫 번째 초안을 녹음합니다.

노래 연습

노래가 끝나면 느낌이 옵니다. 의심스러운 점이 있으면 검토하는 것이 좋습니다. 때로는 그것이 흐르도록 “학습”하는 문제입니다. 다른 경우에는 노래의 한 부분을 다시 작성해야 할 수도 있습니다. 따라서 많이 연습하는 것이 중요합니다.

노래를 부르고 연주할 때 그것에 대해 생각할 필요가 없을 때까지 노래 전체를 연습하십시오. 거기에서 곡의 감정과 감정을 더 잘 표현하여 작곡을 완성할 수 있기 때문에 최종 세부 사항에 대해 작업할 수 있습니다.

너의 노래 편곡

곡을 편곡하는 것은 곡을 만드는 데 있어 큰 부분을 차지합니다. 가사와 멜로디를 쓰는 것은 노래의 기초이자 기초입니다. 편곡이 그 곡의 장식이라 그런 부분에서 많이 노력해요.

이때 밴드의 다른 음악가, 특히 다른 악기를 연주하는 음악가를 초대하는 것이 중요합니다.

노래를 만드는 다른 방법

노래를 쓰는 방법에는 여러 가지가 있으며 주요 방법은 다음과 같습니다.

  • 위에서 본 아이디어나 제목에서.
  • 먼저 노래 가사나 시를 쓴 다음 음악을 작성하여 노래로 바꾸는 것입니다.
  • 코드 진행에서 – 리허설에서 밴드와 즉흥적으로 할 수 있습니다.
  • 기타, 피아노 또는 기타 악기의 인트로 또는 리프를 기반으로 합니다.

보시다시피, 노래를 만드는 다양한 시작점이 있습니다. 첫 번째는 가장 포괄적이며 초심자 또는 고급 음악가라면 누구나 쉽게 마스터할 수 있습니다. 두 번째는 글을 잘 쓰는 사람이나 아직 악기를 마스터하지 못한 사람이 사용하는 것입니다. 세 번째와 네 번째 모두 악기에서 시작하여 가사가 추가된 음악적 아이디어로 시작합니다. 세 번째는 단독으로 또는 밴드 또는 다른 뮤지션과 함께 사용할 수 있습니다. 네 번째는 일반적으로 기타 연주자, 키보디스트 또는 악기를 잘 다루는 피아니스트가 더 많이 사용하며, 청중을 사로잡는 리프나 릭을 만드는 능력이 있습니다.

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